3000字左右的美术鉴赏
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工写妙合画心境，融会贯通求变革 -----著名花鸟画家赵清国的作品赏析 夫从艺者，托其根于心智也，发其花、笔端墨彩于萱桑也。人之神不能无为，思虑易迁，哀乐相变，感生于志，赋形凝萃于画间。 庚寅（2010）年春（5月15日），在首都的一场拍卖会中，著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购，其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。 五月的北京春寒料峭，不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品，清国先生参拍十幅中国画作。这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍，气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重！ 赵清国，河南郑州须水镇人，1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末，儿时受大哥和父辈的蒙学影响，喜欢读书、写字、画画。他最大的理想将来当一名画家。 中学读书时，他的文化课和美术课成绩都非常优秀。然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年，刚满十六岁的他不得不携笔从戎，来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。白天在坑道里从事繁重的体力施工，晚上回兵营挑灯夜战，读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志，坚定了他学画、当画家的决心。从那时起，他养成了画速写的习惯。他说，他至今不抽烟、不打牌，和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。 庄子《外篇》曰：“夫残朴以为器，工匠之罪也。毁道德以为仁义，圣人之过也”。 青年时代的清国，奋发上进，施工工程，文化宣传，样样都抢在前头，干的出色。他说，人活着，不管做什么，都应该有种向上精神追求，越是环境艰苦，越要有独立的精神。“天行健，君子以自强不息。”（《周易?上经》）他常以古人这句话作为自己的座右铭，从普通施工员，到书记员，再到司务长，是一步一个脚印走过来的。 清国在部队的时候喜欢读书，兴趣广泛，吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品，更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法，涉猎极广，没有定式。他最终走上绘画道路正轨，拜潘天寿的入室弟子，浙江美院（现中国美院）的朱颖人教授为师，却来自一次偶然的机会。70年代末，已转业到地方的物资系统清国，在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家，并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》，那绚丽的墨彩、挺立的奇石，虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图，让清国良久驻足，竟然看呆了，原来中国画还可以这样画。他暗下决心，一定要拜朱教授为师，学画国画。说来也巧，刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品，清国如视珍宝，借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足，先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。 1992年4月，经李自强先生推荐，清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品，夸清国画画有灵气，并在其作品上题字：“精神可嘉，当需努力”。兴致之余，朱先生信手边画边讲，口传身授。那年，朱先生71岁，清国43岁，当为先生的晚年弟子之一。 “朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中，艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。” 朱颖人先生的师承十分丰富，他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育，也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练，他善于吸收中、西绘画两方面的营养，把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习，并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说：“光学古人的笔墨是远远不够的，要做到师迹又师心，注意学习古人的意境和构思”。 朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动，主张借“临摹与读画”以学古（即因），承“写生与创作”（即创）以开今。通过学古达于开今的目的。写生是师古人师造化的实践，是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华，同时，又是师古人，师造化的试金石，通过实践寻找自身的缺陷和不足。实际上在整个学画的过程中，临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下，清国逐渐明白了这些道理，并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。大体来说，清国的创作九十年代前以临摹为主，兼及写生创作；后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。经过近三十年的不懈努力，清国逐渐走出一条自悟的学画之路。 清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画，虔诚，有颗执著之心。先生们亦都倾其所长，无论从题材画意，还是笔墨题款，都毫无保留的传授。清国学得刻苦，也学得灵活。既从宏观着眼，注意把握大局。又从微观入手，一笔一画，精微描摹。他学习有心，不但揣摩老师们的传授要点，而且重视研究老师各自的画路、画材，并结合自己的特点，有针对地借鉴。 2005年以来，清国进入创作盛期，完成了一批以葡萄，牡丹、荷花和各种农作物为主题的大型画作，像《风雨荷塘图》、《南风吹来望丰年》、《山中惟有茶烟》（2006年），《春雨》、《清溪品茗图》、《石榴韵赋》、《秋馨图》、《云岭寄情》（2007年），水彩画《雪域佛光》、《缤纷净界》、《嵩山雪景》（2008年）都是这一时期的代表。 通观清国以花鸟为主景的作品，早期的作品比较写实，“物之华，取其华，物之实，取其实”，追求朴实的自然美。近期的作品渐趋夸张，带有一定的象征性，透露出较多的理性精神。从上述作品可以明显看出，画家渐由“客观”描摹进入一个主观“臆造”的全新阶段。 在创作构图上，清国着意追求雄浑博大的意境，大视角、特写式镜头强化、夸张花木的奇绝，枝藤的伟岸，从而拉近与观众的距离，造成一种强烈的视觉冲击力，使人随作品迸发出心底的崇高感。我国著名花鸟画家，美术评论家，人民艺术家鲁慕迅先生在其《梅花》作品上题款“漫天飞雪压重峦，独立冰崖展笑颜；根有丹砂花似火，化将光热暖人间”。 为更好的表现和适应大幅画创作的需要，清国运用粗放的大笔，以浓墨、焦墨和重彩，泼洒胸中浩然之气，从而追求朴厚凝重的艺术效果。这种壮美的审美取向预示着清国艺术创作孕育着一场突变。 为迎接这场孕育已久的艺术创作变革，清国先后接受《世界知识画报》、《科技人》和国家机关的邀请，赴京创作巨幅葡萄题材的《珠玑图》、《紫气东来》、《寻诗觅句涉秋园》等画作。他告诉我，近期要重新有选择的读些理论书籍和诗集，拓展意境，滋养笔墨，六十岁以后再进行风格变化，以期探索花鸟人文画的表现方式，展现由修养与能力交融起来的思维，达到直取水墨写意作品的神意格调和主题思想品质。
梦到的景象就是最真实的
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21世纪即将来临，与所有国家和地区一样，中国的学校美术教育也面临着未来的发展问 题。 1993年国务院颁发的《中国教育改革和发展纲要》明确提出：“中小学校要由应试教育 转向全面提高国民素质的轨道，面向全体学生，全面提高学生的思想道德、文化科学、劳 动 技能和身体心理素质，促进学生生动活泼地发展。”其中还进一步提出：“美育对于培 养学 生健康的审美观念和审美能力，陶冶高尚的道德情操，培养全面发展的人才，具有重 要作 用，根据各级各类学校的不同情况，开展形式多样的美育活动。”正是由于国家对素 质教育 的强调和对美育的重视，使得中国的学校美术教育目前正处于一个非常好的发展时 期，给未 来的发展以良好的开端。 从面向全体的素质教育出发，我国的学校美术教育的目标将面临着调整，以适应素质教 育的要求。学科教育的目标包括两个层次，一是知识目标，二是人的目标，这两个目标体 现 为一种对立统一的关系。知识目标的实现标志着一个人所具有的相应学科知识和技能的 程 度，而人的目标的实现是通过所有学科教育共同“拱顶”出来的人的基本素质和能力。 这其 中每一个学科都能为人的基本素质和能力作出自己的独特贡献。反过来说，一个人的 基本素 质和能力也有助于他更有成效地把握各学科的知识和技能。 人的目标与知识目标相比，具有终极的意义。但目前在我们的学校教育中，普遍重视的 是知识目标，而忽视人的目标。而且，由于不适当地强调知识目标的难度，以至于严重地 影 响了学生的学习积极性，甚至影响了学生的身心健康。就整个基础教育而言，人的目标 是我 们所有教育工作者更应着力考虑的。应该将人的目标与知识目标更好地结合起来，并 将人的 目标放在首位。 21世纪熹微初露，人们对未来作了种种预测，同时也对人的素质和能力作了各种各样的 设计。未来的社会肯定是一个变化的速率更快的社会，是一个以信息流动，资源流动和人 才 流动为特征的大流动的社会。这种社会特征要求人具有更高的主动性和创造性与之相适 应。 所以，21世纪的人应该是更为主动的人，可持续发展的人，对自己和社会高度负责的 人，具 有创造意识和创造能力的人。培养具有这种素质和能力的人是各个学科教育必须承 担的共同 责任，当然各学科所具有的目标可能更为具体。 现代美术学科教育的目标不应只是狭义的学科知识和技能的实现，而应与人的目标结合 起来，在考虑本学科知识和技能的同时，考虑它对人的目标的实现所承担的责任。因此， 未 来美术学科的教育目标应综合两者来决定。 中国学校美术教育的未来的主要任务是： 1．转变美术教育的观念，切实将美术教育转移到素质教育的轨道上来，通过向全体学 生实施有效的素质型的美术教育，努力提高国民的美术文化素质。并以这种美术教育观念为 主导，全面进行美术教育目标、课程内容、教学方法和评价方法的改革。 2．加快相关的规章制度的建设，进一步理顺学校美术教育管理体制，健全并完善美术 教育管理机构。国家教育部将组织力量起草《学校艺术教育工作条例》，并制订与《条例》 相配套的规章制度。同时要求地方各级教育部门制订并完善相应的学校艺术教育规章制 度， 将学校美术教育纳入督导评估、综合教育改革等各项工作中去，使学校美术教育与整 个教育 工作协调发展。省级教育部门应在近期建立艺术教育管理机构，配齐专职艺术教育 管理干部 和美术教研员。努力使美术教育行政管理和教研业务指导网络更趋完善。 3．加强学校美术教育课堂教学工作，努力提高教学质量。学校学术教育的主要形式是 课堂教学，因此，要高度重视课堂教学。到2000年，已经普及九年义务教育的地区，小学、 初中的美术开课率应达到100％。各级各类学校都要按照国家规定将美术课时开足。同时， 必须努力改进教学方法，采用先进的教学媒体，尽量扩大每一节美术课的教学效益。 4．加快美术师资队伍建设，建立并完善各级各类学校美术教师的培养和培训体制，进 一步提高美术教师的数量与质量。各地都应根据本地师资需要情况和实际可能，制订出到20 10年前切实可行的美术师资培养、培训计划。重点解决农村地区小学、初中和普通高中美 术 师资缺乏的问题。在下世纪初，初步满足各级各类学校对美术师资数量的需求，并使师 资质 量有较大提高。 5．在加快发展城市学校美术教育的同时，大力发展农村中小学美术教育，探索和寻找 适应中国农村学校美术教育的思路和方法。中国是一个农业大国，农村人口在全国占有很大 的比例。只有当中国的农村的美术教育得到了普及和发展，中国的美术教育才会具有真正 意 义上的普及和发展。因此，如何加快农村美术教育的普及和发展，是中国美术教育界所 面临 的一个艰巨的任务。 6．进一步增加投入，加强学校美术教育教学的设备、器材配备，改善教学环境和条 件。现有的教育经费中，应确定一定的比例用于美术教育。为中小学美术教育制订合理的设 备、器材配备标准，力争在短期内达到标准。并随着国民经济的发展，不断改善学校美术 教 育的办学条件，为美 术教育的发展提供良好的物质基础。 7．建立一支高水平的美术教育科研队伍，加强美术教育科研工作，努力解决美术教育 发展过程中的理论问题和实践问题。中国的美术教育理论研究还十分薄弱，研究队伍的人数 和水平也亟待提高，尚不能适应迅速发展的美术教育的要求。因此，要努力建立一支具有 较 高理论水平，掌握先进的研究方法的美术教育科研队伍。高等院校应有更多的学者投身 于美 术教育的研究，应培养更多的高层次的美术教育研究人员，同时基层的美术教师也应 努力提 高自己的理论素养和研究能力。 面向未来，中国美术教育界愿意加强与国际美术教育界的联系，广泛地进行学术交流， 共享教育信息资源，共同推动人类的美术教育事业的发展。
浅谈米勒及其作品《拾穗》① 于 博 (佳木斯大学美术学院,黑龙江佳木斯154007) [摘 要]让·弗朗索瓦·米勒,是法国近代绘画史上最受人民爱戴的画家。他那纯朴亲切的艺术语言,尤其被广 大法国农民所喜爱。他出身于农民世家,幼年时便显露出绘画的天才,受到老师的鼓励而立志学习绘画。本文简要 介绍了米勒的生平,并结合他所处的时代背景及生活经历,着重分析了其巅峰之作《拾穗》的艺术特色。作为现实主 义的代表画家,他在现代美术的发展中所做出的贡献,以及在绘画上所表现的大手笔、所揭示的劳动人民与乡土的 深刻感情,永远都是艺术宝库中的重要财富。 [关键词]米勒;拾穗;现实主义绘画 [中图分类号]J205 [文献标识码]A [文章编号]1007-9882(2008)04-0132-02 米勒(Jean Francois Millet 1814-1815)是19世纪法 国最杰出的以表现农民题材而著称的现实主义画家。 批评家朱里亚·卡莱德在他撰写的巨著《米勒艺术史》 中,指出米勒的作品刻画出他当时那个时代一般平民的 心理和思想,表现了近代思想,是位高贵而不朽的人性 画家。他的艺术一直在表现生活与感情,作画不仅是造 型的问题,更重要的是思想的传达,这是米勒艺术的精 髓,所以他的画思想集中,构图坚实,描写单纯化,而且 具有古典主义的象征性。在另一方面他的画可说是生 活与艺术的交流,他以对人生的感受,形之于绘画作品 中。 一 米勒是诺曼底人,1814年10月4日生于曼修县波 蒙镇格雷维尔教区的一个小村庄葛黎修。那是在科旦 旦的北方,以居民具有善良的天性与土地贫瘠著名。他 的家庭是到今天还保存法国贫穷人家的道德力量与高 尚思想的典型。米勒一家人的特征是:具有健康的身体 与精神,绝对纯洁的行为,强烈的宗教信念与真挚的心 灵。米勒的童年和青年时代都在农村度过,对农村生活 和在那里劳动的人们,有深刻的了解和深厚的感情,了 解他们的欢乐与痛苦,也分尝着他们的信仰和偏见。他 说过:“我生来只知道土地,所以将我在土地上劳动的所 见所感,都忠实表现出来。” 23岁时米勒到了巴黎师从于画家德拉罗什,画室里 的同学都瞧不起他,说他是“土气的山里人”。老师也看 不惯他,常斥责他:“你似乎全知道,但又全不知道。”他 也曾因他的“乡下佬模样”和质朴的画风被巴黎沙龙中 的某些同行冠以“森林中的野人”的绰号。这位乡下来 的年轻人实在厌恶巴黎,说这个城市简直就是杂乱荒芜 的大沙漠,只有卢浮宫才是艺术的“绿洲”。当他走进卢 浮宫的大厅时惊喜地说:“我好像不知不觉地来到一个 艺术王国,这里的一切使我的幻想变成了现实。”米勒在 巴黎贫困潦倒,亡妻的打击和穷困压得他透不过气来。 为了生存,他用素描去换鞋子穿,用油画去换床睡觉,还 曾为接生婆画招牌去换点钱,为了迎合资产者的感官刺 激,他还画过庸俗低级的裸女。有一次他听到人们议论 他说:“这就是那个除了画下流裸体、别的什么也不会画 的米勒。”这使他伤透了心。从此他下决心不再迎合任 何人了,坚决走自己的艺术道路。米勒住进农舍,创作 内容转向描绘农民的田间劳动和他们的家务活动。从 风格上看,已经抛弃了洛可可画风,这些都得到了贝尼 亚及卢梭等人的支持。在日后米勒经济方面出现困难 时,卢梭也伸出了援助之手,有的朋友还替他偿还债务, 他们一起抵制古典主义及宗教画,坚持如实地面向自然 界、如实地面向人生的立场。这些都对印象派的年轻一 代画家产生了重要的影响。在米勒笔下的农民,每幅作 品中不过三两个人,人物形象高大、严峻,画面宏伟、朴 素,颇具纪念碑的气势,使当时的资产阶级从中感到一 种潜在的威慑。 1849年巴黎流行黑热病,他携家迁居到巴黎郊区枫 丹白露附近的巴比松村,这时他已35岁。在巴比松村 他结识了科罗、卢梭、特罗容等画家,在这个穷困闭塞的 乡村,他一住就是27年之久。米勒对大自然和农村生 活有一种特殊的深厚感情,他早起晚归,上午在田间劳 动,下午就在不大通光的小屋子里作画,他的生活异常 困苦,但这并没有减弱他对艺术的酷爱和追求,他常常 由于没钱买颜料就自己制造木炭条画素描。他爱生活、 爱劳动、爱农民,他曾说过:“无论如何农民这个题材对 于我是最合适的。”他在巴比松的第一幅代表作品是《播 种者》。以后相继创作了《拾穗者》和《晚祷》等名作。 部分作品中的人物具有宗教感情。画风以质朴、凝重、 富有抒情气氛著称。他并不关心政治,不反抗资产阶 级,也没有改变社会的要求,甚至是逆来顺受。在作品 中,他只是如实地反映出劳动和劳动者的苦难,从痛楚、 折磨中去表现伤感的美。但直至晚年,他的作品才引起 人们的重视。 米勒与当时的社会上层阶层的隔离,更驱使他接近 以他唯一喉舌的民众。当时的法国美术依然像17世 纪,是贵族的专利品,根本没有于一般民众有所接触。 在这种情况下,米勒独自关心那些因工作忙碌而保持沉 默的大多数人的心声。米勒看到农村生活的艰苦,并深 入到农民的内心深处,和他们同呼吸共命运。但他也画 出农村生活的另一方面———充满希望和生命律动的温 馨光镜。透过他的大量素描和精炼的油画,我们清楚地 体认到米勒的真诚、淳朴,米勒的艺术语言含蓄而深沉, 饱含人生哲理。 二 《拾穗》是米勒最重要的代表作,也是现实主义绘画 的杰作。 《拾穗》所表现的是三位农村妇女,这三位农村妇女 穿者粗厚朴实的衣裙,正在收割后的麦田俯身拾取落在 田地上的麦穗。三位妇女的造型,正与远景隆起的麦草 堆和马车遥遥呼应,使画面产生一种律动美。右方妇女 的头与地平线交叉,主题与背景紧密地结合在一起。据 专家的研究,这三位拾穗的农家妇女,可能是祖母、母亲 和女儿。右方站得较高且一手扶着膝盖的是祖母;中间 的是母亲,她最耐劳苦,拾得麦穗最多,袋子装着重重的 麦穗垂在前方;左侧的是一位年轻的农家女,因此被推 测为这位母亲的女儿,戴着蓝色头巾,遮着颈部使她不 致被阳光晒黑,她俯身的动作很敏捷,右手拾起麦穗,又 马上由左手拿到背后,这种动作的姿态显得非常优美。 她们穿着粗布衣裙和沉重的旧鞋子,在她们身后是一望 无际的麦田,天空和隐约可见的劳动场面。米勒没有正 面描绘她们的面部,也没有作丝毫的美化,她们就如现 实中的农民一样默默地劳动着。在造型上,米勒用较明 显的轮廓使形象坚实有力,很好地表现了农民特有的气 质。色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴 浓厚浑厚中,具有撼人的力量。在秋收后的田野,到别 人的麦田里拾取落穗,是过去农村里常见的景象。米勒 的这幅画,1857年首次在巴黎的沙龙公开展览,后来被 珍藏在巴黎的卢浮宫美术馆。一百多年来,这幅名画一 直受到人们的喜爱。 罗曼·罗兰曾评论说:“米勒《拾穗》画中的三位农妇 是法国的三个女神”。 《拾穗》的艺术魅力首先在于对生活的真实描绘以 及隐含其中的社会批判意识。这幅画没有什么复杂的 情节,只是以写实的手法真实地刻画了三位普通的法国 农妇,她们弯着腰在收割后的麦地里捡拾被一落的麦 穗。画面上那衣着俭朴粗陋的农妇,在空旷平原的麦田 里默默拾穗,正是法国乡村生活的缩影与社会现实的写 照。作品无声地倾诉着农民的贫困与饥苦,焦虑与哀 愁,隐含着强烈的社会批判意识。 其次,《拾穗》的艺术魅力还在于通过刻画劳动的 美,表现出一种淳朴自然的情感。米勒以深厚的生活基 础,用坚实而凝练的笔调描绘出法国农妇朴实、勤劳、诚 挚的品格。不事夸张但充满内力的人物动作,不加粉饰 但十分含蓄的乡间情景,饱蕴着一种宁静的生活意趣。 《拾穗》的艺术魅力还在于其绘画语言的凝练与厚 重,浑朴与自然。三位法国农妇的形体是以雕塑般的手 法刻画的,尽管没有细腻和精微的局部表现,可是一切 精神与情感都显现于这整体的粗犷美中。 米勒的一位艺术辩护人朱理·卡斯塔奈里曾这样来 描述这幅画:“现代艺术家相信一个在光天化日下的乞 丐的确比坐在宝座上的国王还要美;……当远处主人满 载麦子的大车在重压下呻吟时,我看到三个弯腰的农妇 正在收获过的田里捡拾落穗,这比见到一个圣者殉难还 要痛苦地抓住我的心灵。这幅油画,使人产生可怕的忧 虑。它不象库尔贝的某些画那样,成为激昂的政治演说 或者社会论文,它是一件艺术品,非常之美而单纯,独立 于议论之外。它的主题非常动人,精确;但画得那样坦 率,使它高出于一般党派争论之上,从而无需撒谎,也无 需使用夸张手法,就表现出了那真实而伟大的自然篇 章,犹如荷马和维吉尔的诗篇。” 从这幅画和他的许多以农民生活为题材的绘画中, 我们可以看出他对农民生活的深刻认识以及对田园生 活的热爱。他把一些平凡的景物,描绘得深刻而突出。 他试图把我们引入土地的深处,在开阔而又静穆的景观 中去感受她的沉重与充实,倾听她深沉宁静的呼吸,体 会她朴实顽强的生命,体会土地与土地上的农民自然般 运行的命运。米勒在艺术上的诚实表现,形成他的独特 性,使他的作品,永远能够打动人们的心怀。 [参 考 文 献] [1]中央美术学院美术史系外国美术史教研室外国美 术简史[M]北京:高等教育出版社,207- [2]何政广米勒———爱与田园的画家[M]石家庄:河北 教育出版社, [3]马波世界艺术大师图文馆———米勒[M]长春:时代 文艺出版社,
齐白石作品收藏与鉴赏论及近现代中国绘画，假如让您只说出一个人的名字作为代表，笔者想人们都会不约而同地想到一个人，那就是——齐白石。曾几何时，中国艺术品市场十年来的发生、发展，几乎就是以齐白石的作品为先导的。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到2003年中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交，齐白石的作品像是一架天平，衡量导引着中国近现代画作的市场走势，也标榜着收藏家与投资人的趣味和取向一直没有离开这位集书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大才。因为他是齐白石，也只有齐白石才会有着如此大的感召力，而这种感召力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至“朴”、至“拙”至“厚”的，尤其是他的山水画，构图出奇出新，无常法而又合法，貌似平淡的笔调，大气磅礴、纯净明丽。在似与不似之间，把山水灵性的本质，或轻或重、或明或暗地表现出来，大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。在白石老人的山水画中，每一笔似乎都含着家乡的泥土气息，每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠，清新而华滋、深厚而通俗。白石老人的书法之好，在中国近现代画家中是少有的，好得让我再看白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”，后学“郑文石碑”，五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。他的绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来，大画家没有一个不是大书家，董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。他的字，气魄雄强而峻朗、舒峭，但不失拙意。他擅使长锋，故可以充分利用笔锋吸水墨多的特点，气贯而神完，一气呵成。由于有好的书法根底，在白石老人的作品中，几乎没有经不住推敲的线条，他的线条质量表现在：绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。润而满。不滞、不滑，骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的，特别是他书法线条的过渡，如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。他的飞白也极有个人气质，特别是他的“撩笔”，峭拔中虽然略带习气。论及齐白石对近现代中国绘画的贡献，半个世纪以来，无论是美术史学界的专家，还是画家、收藏家，甚至普通的百姓，齐白石的艺术成就是公认的。齐白石就像一座高峰，就像一把标尺，他的绘画是中国画笔墨情趣的绝对体现，更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后，更是当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。 ——文森特•威廉•梵高 始终无法忘记初中时刚接触绘画，听老师讲起梵高，在美术书上看到他的向日葵，我说不出他的画那里好，但他的画就是让我着迷，如痴如醉。我看了一遍又一遍，也许是他的热情感染了我，我希望我就是那朵向日葵，永远向着太阳。 后来慢慢的对梵高有了深入的了解，他生性善良，热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。《向日葵》、《星夜》、《麦田群鸦》等代表作，大都是在他生命最后的六年中完成的，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，透过这些作品，我可以看到一个更加真实的梵高，更加理解画家的精神和思想。 文森特•威廉•梵高，出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师家庭。24岁之前曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员，后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东•莫夫学画，但最后还是决定自学。在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。1886年梵高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，在色彩方面受到启发和熏陶。1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊： “明亮一些，再明亮一些!” 但后因两人意见不合，高更离去，梵高的精神也开始逐渐分裂。梵高于1888年12月23日发病后，病情时好时坏，时重时轻，一次次住进医院。1889年5月他被送进离阿尔一公里的圣雷米神经病院，成了彻头彻尾的精神病人。但就在这时，奇迹出现了，梵高的绘画竟然突飞猛进，风格迅速形成。然而这奇迹的代价却是一个灵魂的自焚。1890年，经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗，病势稍有好转后，梵高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥韦尔，接受伽塞医生的专门治疗，并勤奋作画，作有《伽塞医生肖象》、《奥韦尔的教堂》等。但是，在1890年10月27日，在同伽塞医生发生争吵之后，梵高在麦田里开枪自杀，结束了自己的生命。 梵高一生留下了丰富的作品，直到去世之后才逐渐被人们所认识。这些作品中作者突出地追求自我精神的表现，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。这样的艺术对20世纪表现主义影响甚深，特别是苏丁和德国表现派画家，从梵高的作品中吸取了不少重要的原则。他是继伦勃朗之后荷兰最伟大的具有世界性影响的画家。但是，当他还活着的时候，一共只卖出过1幅画。 提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这似乎暗示着某种宿命，虽然在强烈阳光的沐浴底下，向日葵还是逃脱不了苍老颓败的结局，仿佛一切都那么短暂地辉煌，世间万物都不可能像太阳一样永恒放光，短暂似乎是一切万物的宿命。然而，梵高将阳光的金黄色强加给了所有的背景物，空气、花瓶和台布等等。当他一笔笔仔细地完成从调色板到画布的颜料转移时，他应该看到，整个画室里已经被那种耀眼的金黄色所照亮了，包括他的脸，他那严肃的表情，他的精神世界。在梵高的笔下，那一团团如火焰般的向日葵，不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体，他们更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。 梵高的另一幅代表作品《星夜》，画于1890年6月，现藏于纽约现代美术馆。《星夜》呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。暗黑的龙柏树巫一样飘舞着，涡旋般的星云、旋转的大小星体、甚至是新月都在快速旋转中。那种狞厉的流纹仿佛是宿命的流向，一切都是动荡不安的，摇摇欲坠的。而教堂的尖顶显得那么渺茫无助，它的尖顶几乎被夜空的涡漩所淹没。梵高的世界其实就是如此脆弱无助，而他陷入了一个无法摆脱的涡漩中。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。 梵高曾在给弟弟迪奥的信中写道“凝望着璀璨的星空，我总是不由得浮想联翩……我不禁问自己，为什么夜空中闪烁的亮点不能像法国地图上的黑色标志那样容易到达呢？我们只需坐上火车就可以到达特鲁斯肯或卢昂，而到达星星那里却要经历一次死亡之旅”。梵高所描绘的那些搅动着的漩涡似的星辰，在我们看来也许只是新奇创意的景色，但事实上那是作者心中的暗涌，以及对死亡的诠释。或许对于梵高来说，死亡并不是灾祸，而是通向天堂的隧道，是种精神的解脱。 梵高的最后一幅油画是《麦田群鸦》，这是他生命中最后一幅逼真而可怕的写照，也是他留给世人一份刺目的图像的遗书。那是一个令人不安的画面：一块被三条岔道切割成两等分的麦田，最左边的道路几乎呈现出一种边界的状态，中间一条道路以令人无限遐想的S形向远方延伸，道路的尽头全是一片迷茫与阴森，道路旁边是充满敬意的绿草，另一条道路向右边遽然偏离并消失。它仿佛一个举着双臂的人，平躺着，双肩上举着丰收的麦田。那种令人激动并慰藉的金黄色，仿佛太阳照耀的圣域，它点燃了一个人的内心的喜悦。而却在此时，天空令人不安地被乌云遮住了，准确地说，那是一群会飞动的阴影，它是一群乌鸦，纯黑色的乌鸦以及远处天空中出现的阴霾仿佛是女巫的黑色大氅一样遮住越来越少的阳光和麦田的光芒。它是一种矛盾的心情，是一种内心深处隐约的恐惧。这就是濒临死亡之前的梵高的世界，他眼里的世界分为两种颜色，一种是令人激动的金黄色，它是属于他那执著的精神的阳光色彩，另一种是令他恐惧的阴影和失望，他对那个世界失去了最后的信心，他的心情因此被切割瓦解，一块麦田因此陷落，一片阳光因此而支离破碎。 梵高以自己的生命为赌注作画，像荆棘鸟般用灵魂与鲜血谱写生命的最后华章。在这幅绝笔画中表达出梵高的“悲伤与极度的寂寞”， 他的结局似乎早就注定了。于是在奥维尔，七月灿烂的夏天，他朝自己的胸膛扣动了扳机，倒下的一刹那他的灵魂归于永恒的金黄色大地，这位癫狂的天才画家终于得到了解脱。 我要向我灵魂深处最爱的艺术家致敬，梵高一生坎坷，尤其是在生命的最后几年，他的精神世界已经完全破碎。一如大海，风暴时起，颠簸倾覆，没有多少平稳的陆地了。然而与之相对的，却是他对艺术的爱。在面对不可遏止的疾病的焦灼中，他说：“绘画到底有没有美，有没有用处，这实在令人怀疑。但是怎么办呢?有些人即使精神失常了，却仍然热爱着自然与生活，因为他是画家!”“面对一种把我毁掉的、使我害怕的病。我的信仰仍然不会动摇!”然而就是这样一个对绘画有着偏执信仰的“疯子”，用其短暂的一生向我们描绘了他对生命的热爱与追求，诉说着他的激情与理想，给我们的生活增添了永恒的色彩。
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艺术鉴赏论文以论文中心为基础，展开论述，主要阐明它的艺术价值重要性
关于基础美术教育发展问题的若干思考美术教育是基础教育的重要组成部分，对提高全民文化素质有特殊意义。在基础教育中，学生应具备的基本素质主要包括思想品德、劳动技能、身体心理、科学文化和审美等素质，这些素质是一个和谐的整体，缺少或忽略哪一方面都不可能是全面发展的人。《全国学校艺术教育总体规划》指出，中小学艺术教育是素质教育课程体系的主体之一。其目标是以审美为艺术教育主线，以学生才能和智力培养为中心，塑造心灵完美、品质高尚的世纪新人。然而，我国基础教育中美术教育的现状却不容乐观。首先是美术教育的教学模式不完善。美术教学还未形成一种完整统一的适合学生生理与心理特点的教学模式。虽然我国美术教育工作者从20世纪的上半叶就开始进行这方面的探索，比如产生了“情感思维教学法”、“眼高手低教学法”等，但各个地区美术教育工作者还是各自为战，自编教材也大多是根据自身情感因素确定教学内容。这样一来，有很多好的教学经验和教学方法难以及时推广和普及。其次是美术教师素质不高。美术教师对美术教育理论缺乏深入研究，把青少年基础美术教育与成人美术教育混为一谈，单纯强调技巧训练。在一些经济不发达的边远地区，美术教师能力水平很低，很难胜任教学工作。再次是家长对孩子培养也是急功近利，在强烈忧患意识推动下拔苗助长，孩子纷纷踏进教育水平良莠不齐的各种美术学习班，严重阻碍了他们创造性思维的发展，扼杀了他们纯真的天性。《美术教学大纲》明确规定了美术教学的目的、性质和任务，并且要求把美术教学的重点放在提高全体学生的美术素质、审美修养和培养能力、发展智力上；在美术教学中，对学生进行基础知识教育和简单训练的同时，要进一步加强美术欣赏、艺术原理、美学知识的教学，使美术教学向多元知识结构教学转化，真正落实素质教育。美术教育的目的在于培养公民的美的素质。对学生来说，美术教育的目的在于提高学生的文化层次，培养发展学生的能力和智力。教育心理学告诉我们：“艺术教育对促进学生的智力发展和创造力的提高有着十分重要的作用。”许多著名的教育专家对美术教育的功能都有共识，他们认为，美术教育直接的目的是寻找种种机会，利用种种方法训练人们的身心和各种感觉器官，使他们的观察力、记忆力、思维力、想象力、创造力及道德情感等本能逐渐自由生长发育。美术教育除遵循教育学提出的教学原则外，根据美术学科的特点以及目的任务和教学规律，还提出以下具体方法和原则：第一，在观察生活中提高学生的鉴赏力。要重视在教学过程中引导学生直接观察对象，认识对象。现代派代表人物马蒂斯说过：“创造始于观看，而看本身就是一种创造性活动，需要一种努力。”通过观察，培养学生正确的观察方法和良好的观察习惯，培养学生的记忆力，进而促进学生的智力发展。比如，要求学生从记忆观察对象入手，用概括表现方法和观察方法给身边的人画像，从外型到个性夸张中发现个性美，反映人的内心世界。看谁画得好，看谁画得“神似”，利用审美原则和艺术分析手段从直观感觉中获取美的表现语言，获取成功的满足感，激发学习的兴趣，提高审美水平。这是发展学生智力的基本保证。第二，在摹仿中提高想象力和创造性。“教育最伟大的技巧是知所启发”。运用启发式教学在于调动学生积极思考，主动提高自己的能力。针对学生感兴趣的问题，由浅入深地进行传授；开放师生关系，开放教学内容；充分利用美术教育的灵活性、多样性、过程性、实践性等，营造民主、自由、平等、和谐的教育氛围；尊重个性，强化学生主体意识，培养良好的非智力因素，发挥各自的专长。课堂教学要求“教”与“学”的优化，教学过程充分体现学生为主体，主动积极参与教学的全过程，激活学生的原动力，最大限度地把他们的智力潜能发挥出发。比如教师把美术大师作品的风格表现手法等，在课堂上恰到好处地介绍给学生，让学生大胆地临摹这些作品，如毕加索的《和平鸽》、梵高的《向日葵》等作品，仅用几个线条和几个色块就已经内涵深远。引导学生尽情发挥想象力去读懂大师的表现意图。想象力触发创造力，从形象思维入手激发丰富的联想，促进抽象思维发展，突出创造力的培养。
近年来，随着教育改革的深入发展，学生心理素质教育日益受到人们的重视，它是旨在培养发展学生健康心理，从而促进个性日益完善的教育。当今学生中有大部分是独生子女，他们不同程度地存在着心理障碍，教育应从过去单一技能的培养改变为综合素质的培养。美术教育作为重要的文化教育活动，肩负着以独特的形式训练学生的心理素质的任务。作为一名小学的美术教师，如果要成功地把美术课上成博得学生们喜爱的课，教师就要优先走进学生的心灵世界，了解他们的所思所想。因此，我在课堂中尝试了对学生进行心理健康教育。一、在美术教育过程中，尽可能地保护学生的自尊心教育家苏霍姆林斯基说过：“儿童的尊严，是人类最敏感的角落，保护儿童的自尊心，就是保护儿童前进的潜在力量。”我们都知道每一个群体都存在着个体差异。教师应该尊重学生的人格，保护学生的自尊心，不能轻易碰伤他们脆弱的心灵。1、利用美术的学科特性，与学生从心底里坦诚地沟通情感，尊重学生不同的情感表达。美术，是一种表达，是一种沟通，在创作者和观众之间进行思想感情的交流，从而引起共鸣。通过美术教学过程和学生坦诚地进行情感的沟通。让他们在作品中自由地宣泄情感，不要在作品内容和形式上过多地去束缚和限制他们。比如，同样的风景，在某同学的画中体现出来的是蓝天白云，青山绿水；但在另一个同学眼里，则有可能是乌云密布，荒凉一片。这样，让他们把平日里所不能表现出来的各种情绪都在美术作品中用各种不同的形式表达出来，始终保持对学生的尊重与激励，保护好学生的自尊心，维护他们的心理健康，可减轻或消除学生在学习上的心理压力，调动学生参与教学活动的积极性，有利于改善学生的负面消极的不良情绪，使学生乐于学习。 2、结合美术科特点，发挥其特殊优势，发展学生的智力，尊重学生之间存在的个性差异。每个人都有自己的个性，就兴趣而言，有的喜欢体育，有的爱好音乐，有的迷恋美术，有的倾心文学；所以要承认和尊重每个学生之间存在的个性差异。有些学生的成绩不好，就会受到来自家庭、学校、社会等各方面的批评、指责和埋怨，严重伤害了他们的自尊心，让他们心里找不到一个平衡点，就会在负面爆发，引起学习差、纪律差、思想道德败坏，等一系列的问题，导致越来越多“问题学生”的产生，导致越来越多的学生存在不同程度的心理问题。不要低估了孩子们（特别是成绩不太好的孩子）的其他方面所潜在的创造力，有这样一则事例：有一个男孩，成绩很差，没有任何特长，是个典型的后进生。老师了解情况后并没有把他视为后进生，而是千方百计找出这个孩子的优点，帮助他找回失去以久的自尊。有一天，这个男孩随手画起来，被老师看见，老师马上对他的画大加赞赏（其实那只是男孩随手涂鸦），并帮助他修改，还推荐给当地的一家小报。男孩受到了鼓励，从此画画更加用心，后来终于成为当地一位小有名气的画家。正是因为老师发掘了这个孩子身上的闪光点，并适时加以鼓励，才使这个被视为后进生的孩子，扬起上进的风帆。所以，鼓励学生尽可能发展自己的个性特长，正所谓“三十六行，行行出状元”。未必就要在文化学科不见起色的成绩上去耗尽他们的精力，去伤害他们的自尊。二、通过美术教育，树立学生的自信心自信心，是人们自己相信自己，追求自我价值的积极表现的心理倾向，是人类健康的核心。自信心对每个人的终身发展起着不可估量的作用。自信心可以帮助一个人逐渐建立人格魅力，拥有健康人生，走向成功。尊重他，就等于送给了他一个积极的自我概念，使他自尊、自信、自强，以良好的心态面对人生；肯定他，使他对未来更有信心，这是一个人获得成功的心理动力。1、在教学中以表扬、鼓励为主，及时肯定学生的成绩。心理学认为：受教育者的心理在教育过程中表现出来，又在活动过程中得到发展。因此，让学生主动地学，创新地学。多赞扬鼓励学生，达到培养学生的自信心理。在教学中多加强积极的心理暗示，如：“你真棒！”“你画的真好！”“没问题，你肯定行！”。并同时和学生建立多些联系：如和孩子们交流时距离上稍微靠近些；或摸摸他的头，拍拍他的肩；用平缓的声音、和蔼的表情提醒孩子们慢慢来，别着急，消除他们的紧张心理。2、教学的内容多选择孩子们熟悉或喜欢的，特别要注意形式和方法应适合孩子们各阶段的智力发展和能力表现，避免孩子觉得太难，没有信心。比如，他们刚接触一个较没把握的课题会觉得很紧张、无助、不知所措。“我不知道怎样画”和“老师，你帮帮我”等一些语言是课堂上经常出现的。或者会在作画中出现用线断续、画面简单，形象小、涂色轻等问题。如果在课堂上接受到了这些信息就要及时调整课题的难易度了。一般在新课题开始时多用简笔画先练习造型、或采用一些能够落笔大胆、肯定、表现粗犷风格的工具，让孩子使用自己的线和颜色。作业要分步完成，要求别太高。尽量给他们轻松愉快的氛围，这样更有利于发挥他们的想象力和创造力。
如果确认内容没问题的话，最好问一下内部人员，看一下真是原因纵观当前小学阶段的美术教育，正是学习的启蒙阶段。此时的孩子，由于生理和心理双重因的正常制约，往往在学习过程中，一碰到困难和挫折，便会产生低落的情绪，注意力的持续性比较低，对美术课堂上的创作缺乏了解。这些，使得本应充满活力的艺术学科在孩子面前变得黯然失色。那么，如何克服这种求知的浮躁，让他们爱上这个课堂，使得我们不得不重新审视我们的教育。我们应遵循马克思主义的辨证法来看待教育，弄清内因与外因的辨证关系，明确教育中起决定作用的内因是学生。只有内因得到充分的调动，教育才能培养出具有创新意识、创新精神、创新能力的下一代。下面就结合美术课堂教学来谈一谈如何点燃孩子们的艺术火花，让学生爱上美术课堂。一、 寻找创作的源泉在教学中，我们往往被纯技能、技巧的追求的所垄断，并将此放在教学目标之首位，用它作为衡量美术学科成与否的标尺，在这样一种教学动机的指导下，学生就会跟在教师后面去模仿，他们观察到什么？感受到什么？一切很难找到答案。我认为在美术教学中，首先应考虑的是孩子对生活经验的积累。没有对生活的密切接触、认识、体验，就如同盲人摸象，根本不能理解事物的构造、形象，又何谈有新的创造呢？我在教学“交通工具”一课时，发现有很多学生的作业上出现了多次抹擦的痕迹，还有学生在下面小声地自言自语：“ 我不画了，我不会画！”我感到很奇怪，开始他们一个个兴趣盎然，举着手，争先恐后地告诉我自己知道的交通工具。于是，我把一个原先要画摩托的小男孩找来，问他为什么不想画了，他指着自己只画了几笔的摩托告诉我，不知道那里该怎样画。这时，我才突然领悟：创作源于生活！没有生活中的接触与观察，学生怎么画得出原本的摩托的部件、构造都不明确，难道我还能要求学生凭空来设计、想象吗？那不是闭门造车吗？生活处处有美，艺术就善于从生活中捕捉。而孩子们还不是艺术家，就像一头刚刚学习捕食的小狮子，还必须在母狮的循循善诱下学习捕获，掌握时机。学生的各方面能力正处于发展阶段，潜在的能力需要教师的引导、开发学生对美的感受能力、欣赏能力和评价能力，从而使学生能够感受到生活的美，并从中捕捉到美 ，产生对美的表现欲望，以达到创造美的目标。二、 激起创作的兴趣美术这门学科，从总体上看是大多数学生喜欢的科目。但具体到每一个学生对这节课有没有兴趣、感情有多深、持久性有多长，就要看老师如何调动他们的积极因素激起学生创作的兴趣。
第一章 美学,从何而谈 （一）美学与美感的概述 什么是美学? 简单地说，美学是研究人与现实审美关系的学问。它既不同于一般的艺术，也不单纯日常的美化活动。 美学这门科学的渊源，可以追溯到古代奴隶制社会。古代思想家对于美与艺术问题的哲学上的探讨，对于艺术实践经验的研究、总结，可以看作是美学理论的萌芽和起点。 美学作为一门独立的科学，则是近代的产物。在十八世纪资产阶级哲学和科学蓬勃发展的时期，美学在德国古典哲学中作为一个特殊部问开始确立起来。鲍姆加登[1]在1750年第一次用“美学”（Asthetik）这个术语（其含义是研究感觉和感情的理论），并把美学看作哲学体系的一个组成部分。随后，康德、黑格尔等赋予美学以更进一步的系统的理论形态，使之在他们的哲学体系中占有重要地位。十九世纪一些资产阶级美学家在实证主义精神的支配下，力图使美学摆脱哲学而成为所谓“经验的科学”。当然，以所谓“经验的科学”自命的实证美学，并没有、也不可能脱离哲学的支配，但美学在这一时期是更加广泛地和独立地发展了。 马克思主义哲学的产生，给美学研究提供了真正科学的世界观和方法论，改变了美学研究的面貌。马克思主义的经典作家们也提出了许多重要的原则性的美学观点，然而他们没有来得及使之系统化。因此，建立科学的马克思主义美学体系仍是一个有待努力完成的任务。应该说，运用马克思主义观点来研究美学，至今还处于探索阶段。 美学作为一门社会科学，是在社会的物质生活与精神生活的基础上产生和发展起来的，是研究美、美感、美的创造及美育规律的一门科学。 而美感人对客观事物的外在美或内在美的特征的一种情感体验。它是由具有一定审美观点的人对外在客观存在事物的美的特征进行评价时产生的一种肯定、满意、愉悦、爱慕的情感。美感体验有两个鲜明的特点：1、对审美对象感性面貌特点、如线条、颜色、音韵、谐调、鲜艳、匀称等的感知，是产生美感的基础。2、对美的对象的感知和力量。美感是人对审美对象的一种主观态度，是审美对象是否满足主体需要的关系的反映。审美就是对美与丑进行鉴赏，只有通过认识、评价、鉴赏活动，才可能产生美感。由于每个人的审美需要、观点、标准、能力和文化背景的不同，因而对同一对象的美感体验也不相同，不仅对美与丑的评价鉴赏能引起人的美感，而且对善恶的评估也会影响人的审美感受与体验。 （二）美与美感 什么是美？尼采的理解，除“外观的幻觉”[2]说和“生命力的丰盈在对象上的投射”说之外，还有以下几点什得注意的提法： 第一、美是强烈欲求之所系。尼采认为，自康德以来，一切美学理论都被“无利害关系”这个概念败坏了。他厌恶所谓“无欲的静观”，而主张：“美在哪里？在我须以全意志意欲的地方；在我愿意爱和死，使 意象不只保持为意象的地方。爱和死：永远一致。求爱的意志：这也就是甘愿赴死。” 第二、美是强力的形象显现。“当强力变得仁慈并下降为可见之时，我称这样的下降为美。” 尼采对美感心理主要有以下几种分析： 第一，联想说。美的判断“赋予那个少许发它的对象以一种魔力，这种魔力是以各个美的判断之间的联想为条件的，却与那个对象的本质完全无关。”把一个对象感受为美的，是因为这个对象激活了主体无意识中对以往种种美好体验的回忆，所有这些体验相互少激励，集结在这个对象周围了。所以，美感是以无意识联想为基础的一种错觉。 第二，动物性快感混合说。我们身上存在着性部动、醉、残酷等动物性快感状态，当一个对象少许起这些快感状态所寓区域的兴奋之时，“动物性的快感和欲望的这些极其精妙的细微差别的混合就是审美状态。” 第三，同感说。在远古时代，人受恐惧的训练，在一切陌生者身上看到危险，于是学会了在心中迅速领司和模仿对主感情的本领，即学会了同感 。人甚至把这种看法从人、动物推广到了自然事物，以为一切运动和线条都蕴含着意图。由恐惧而练习同感 ，由同感而产生了各种类型的美感，包括对自然的美感。此说相当于移情说，不过尼采指出了移情起源于原始人的恐惧。 第四，距离说。美感有赖于一定的空间或时间距离。 （三）由美感而产生的美学构想 由费希纳开始的“自下而上”[3]的美学所提供的所有启发就在于此。 我们既然已经有了人类真实的审美体验作为美学理论框架的逻辑起点，作为讨论一切美学问题的最本原的基础，那么关于美的客观存在的假说，立即就成为一种奢侈，而且绝对是一种碍手碍脚的奢侈。从美感出发的美学所面临的最重要的课题，也不复是美的所谓本质，不复是关于美是否是一种客观存在的本体论证明，而是美感的本质，美感过程的本质，是人类主体审美地感知和把握对象的过程本身。这就意味着美学已经从一门关于“美”的科学转化成了一门关于“美感”和“审美”的科学，美学的立足点也就从本体论层面上迅速地转移到了认识论层面，从对本体的形而上的研究转化为对认识的形而下研究。 有位哲人说过，当人们异口同声地称赞某个对象很“美”时，他们说的可能完全不是一回事。每个人的心理感受都有其独特的个人特征，而且同一个人的心理感受，也总是处于不间断的变化过程之中。更何况人们在审美活动中所用以判断对象的价值标准不同，面对同一对象时会产生不同的感受，并不值得大惊小怪。但是，如果我们将这个问题放到更广阔的背景下加以考察，将它放到整个审美发展史中加以考察，我们就会发现，不同个体的审美体验的差异，甚至还不仅仅是因为他们所持的价值标准的不同。我们在观照一片清淡平和的风景时产生的怡然自如的愉悦固然总是被美学家们称之为“美感”，然而我们在剧院里观赏莎士比亚的悲剧《哈姆雷特》时心灵有可能经受到的巨大震撼也可以称之为“美感”吗？还有，我们在阅读南美作家马尔克斯的《百年孤独》时经历的怪诞无比的复杂心情，应该不应该也称之为“美感”呢？ 这样的问题，我们从历代美学家们汗牛充栋的文献中，根本就找不到令人满意的答案，人们总在喋喋不休地谈论美感，却似乎很少来谈论那些被称之为“美感”的人类的具体感受本身。 第二章 由美学而发的审美感受 （一）审美感受 审美是一种人类精神活动，是一种给活动主体以丰富而复杂的心理感受的精神活动，并且还是一种通过这些主体的心理感受而获得其意义的活动。因而研究审美，首当其冲应该研究的，就是人类在这种特殊的精神活动中获得的各种各样的心理感受，人们将这种感受称之为“美感”。 研究“美感”，我们却很难直捷地用一两句话给出“美感”的定义。这不仅是因为在漫长的美学发展史上，就此曾经有过许多的争论与异议，而且还因为美感的定义其实也与美的定义一样，涉及到美学领域里几乎所有重要方面的重要问题。对“美感”的理论界定，与此前美学家们致力于对美的界定一样，实际上正是美学中有限的几个最核心的问题中的一个。 美学中所有不同理论、不同观点的争辨，只要是具有理论意义的争辨，大致只能出于两种最基本的分歧。其一是缘于各人欣赏趣味的不同，其二，则是缘于理论出发点的差异甚至对立。 不同风格与流派的代表人物经常互相攻讦。古典主义者看不起罗可可风格，现实主义诋毁流漫主义，托尔斯泰极不喜欢莎士比亚，其间的是是非非，更不能一言而尽。纵然我们能够找出许许多多理论上的根据，来证明某一种艺术风格比起另一种风格来更有生命力，或者说某种风格在某个特定的场合显得更加适合时宜，我们亲身的审美感受却好象并不受这些理性的证明的左右，它似乎超越于理性的思考之外，而直接在心灵中与对象产生碰撞。面对这样一些不受理性控制的审美感受，如果我们不想变成为感性领域里的暴君就只能这样说，因趣味不同而产生和出现的感受的不同之间，恐怕并没有正确与错误之分，只要是真实的而非虚伪的审美体验，就是正确的。在真正的审美感受领域里，没有错误可言。正因为此，休谟才说“趣味无争辨”，因为在审美的领域里真正值得争辨的不是感受的真伪，而是某种感受是否属于审美的范畴，应该将哪些心理感受归之于审美的范畴之内，而又应该将一些怎样的心理感受剔除出审美的领域。然而这样的讨论，早就已经超出了趣味的差异。 这样的分歧与趣味不同而产生的美学分歧之间，存在着根本性的区别。用一个也许不那么恰当的比喻，出于趣味不同而产生的美学争辨，就象是地理大发现时代的欧洲人为了打破回教徒对东西方贸易的封锁，四处寻找通向东方的海路，沿着不同的道路前行的他们始终都未能真正到达传说中那个神秘而诱人的黄金之都，然而在这个探险过程中，从每个方向前进的人们却都或多或少地得到了他们梦寐以求的财富；而因为理论基点的不同出现的争论，则象是那个古老的盲人摸象的传说所描述的那样，那位摸到腿的盲人说大象是柱子形的，那位摸到耳朵的盲人说大象就象一把蒲扇，那位摸到大象腹部的人说它就象是一块平板……不同的摸索者都会根据他们各自的立场出发推导出他们不同的理论，于是难免会从中产生出关于大象形状的“柱子学说”、“蒲扇学说”，甚至可能更振振有辞的“平板主义”。 然而就像要解决摸象的盲人们的争论，我们有可能做到的最根本的解决办法，就是找出他们各自的理论出发点之后，比较这样几种不同的出发点对于完整的大象而言究竟意味着什么。就象某个三段论如果最终推导出了荒唐的结论，而它的推理过程本身又正确无误的话，我们就应该到它的前提中去发现与寻找错误的根源。一个自完备的理论体系如果最终得出了错误的结论，那么很有可能其错就在它的理论出发点。 （一）审美价值与评价 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的，具有客观性。在欣赏中，由于地区和民族等文化差别，会出现价值观的差异，甚至会有完全不同的价值标准。但这不意味审美价值无客观性，因价值不等于评价，它们之间可以统一，也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。在对某一作品实际判断中，不同主体会出现不同感受。如，一个人在丧失亲人时，热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。反之，一个时逢喜事的人，在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异，一幅山水国画也难以被一个西方人所接受，主体的评价与价值客观性符合与否，还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯，一个不会下围棋的人，无论其有多少美学方面的知识和经验，也很难感知到棋盘中形式之美。同时，还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人，能感知和体验各种媒介的审美现象，甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。 在美术欣赏中，对作品的审美感知具有社会功利性。一方面，审美意象和信息在激发主体审美经验的同时，也可能激发起个人的现实意识，即审美判断中潜伏着利害判断。如，对画中苹果的色彩和形状产生美感时，也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。另一方面，美感中包含着人类社会有益的内容，如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术，那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约，即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。如，有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范，都可以作为审美评价的标准。 （三、）对美学的分析 上世纪90年代后，曾占中国美学主流的实践美学话语开始衰落，美学界或是拒斥形而上学而转向审美文化的实证研究，或是仍在传统模式内以生命本体置换实践根基从而倡导生命美学或后实践美学。然而，美学基本理论要获得真正的发展，最终还在于思想范式的转换。曹俊峰的《元美学导论》就是这一转换的初步成果，它无疑是90年代以来最有创造性的美学原理著作之一。在批判传统和当代美学的缺陷的基础上，作者发现它们共同的病因在于语义含混、概念不清，对于美学陈述的性质认识不够准确，在讨论美学问题时缺乏自觉的逻辑意识。由此，他提出以语言分析作为对美学痼疾的“较好的诊疗术”，其所谓的“元美学”（metaaesthetics）实质上就是语言分析美学，“它以一般的美学陈述为对象，以更高层次的语言对美学陈述作语义和逻辑分析”。根据他提出的诊治方案，首先要从审美和美的分析转变为用语的分析，从而把美学陈述或语句作为解析对象，进而还要考察美学陈述的内在逻辑问题。显然，这一方法论来自于欧美的从弗雷格、罗素到维特根斯坦的语言分析哲学，它体现出将这一思维范式具体落实到美学领域的本土化的努力。在具体操作中，作者先是从美学概念的分层（对象描述层、心理描述层、艺术技巧的评价层、审美评价层和美学原理层）入手，考察了这种鉴赏性概念的语义上的模糊性多义性、不可定义性，以及随审美心理而不断创新的开放性。接着，又着手对不同的审美命题分别进行语义分析，从而推导出一系列的结论：所有审美对象描述句都带有主观情感性，都非客观准确描述，越是不可证实就越有审美特性；审美心理描述句不能把个人的内省经验的描述普遍化。如此等等。 毋庸质疑，《元美学导论》深受现代西方哲学的整体的“语言学转向”的影响，它突破了以往美学原理研究（深受黑格尔主义浸渍）仅囿于人文主义一脉相承的传统，力图在语言分析哲学的基础上构建出元美学的理论轮廓，为中国美学的多元发展指出了一条全新的思路。 结论：千百年来人们很少真正从具体的人的真实的感受出发来研究美学，从人性的角度来研究美学。离开了人的感受，离开了人性及其人性的发展变化过程，美就永远是一个不解之谜。这样的研究，永远不可能看到随着人本身的变化，随着人类所赖以生活其中的自然与社会背景的变化，随着人的精神需求的变化，艺术与人的审美感受本身都在发生着不停顿的变化。所以我只能说，我们既然生在这个人们思想境界还不高的年代，我们就只能通过相当的定义来结实我们所谓的美学，可是，我多么希望，我们所说的美学，不仅仅是艺术家眼中的美丽，它可以走进千家万户，走入平常百姓啊！审美活动则是象征地面对世界、超越世界
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自己写吧,你到网上找,被王老师知道了,会死的很难看,说不定你的这篇“求助征集”已经被她看到了。。。。。其实你要是抱着过的态度，稍微写写就行了，比较容易的。
上个世纪初，在西欧流行一部卷幅浩瀚的长篇小说《芳托马斯》。32卷由两个作家合作完成，每月创作一卷。合作延续到1914年第一次世界大战爆发，后来，路易•菲伊雷德把小说改编成电影，放映后在欧洲引起轰动。 《芳托马斯》的主角是一个十恶不赦的坏蛋，叫芳托马斯。他入室盗窃，诱奸妇女，抢劫银行，无恶不作。警察全力追捕，街上贴满缉拿文告。但是芳托马斯狡诈异常。警察根本不是他的对手。他有高超的易容术，从不露出真容；他身手敏捷，能飞檐走壁；他精通缩骨术，能从极小的缝隙中飞身而过。他经常与警察玩猫捉老鼠的游戏。他化装成绅士出入于酒店、旅馆与赌场，时而与政要侃侃而谈，时而与贵妇逢场作戏。总之，这是一个半魔幻半真实的风流大盗。他有智取法律的力量，敢于向愚蠢的官僚机构挑战，具有超现实的魔力。 《受威胁的凶手》就是芳托马斯的崇拜者之一，超现实主义画家马格利特的作品。关于马格利特的介绍网上可查，不在此赘述。接着返回原画上，整张画面，二名手持简单工具的侦探，一具赤裸女尸，一名穿着讲究不明身份的人，三名围观者。最初看到这幅画时，脑中便充满各种诡异的问号:谁杀了那名女子？留声机旁边的男子到底是谁？那两名侦探为何手持如此简单的抓捕工具？三名围观者到底看到了什么？ 找到了上面的背景，心中稍微宽松，若马格利特真的是在画芳托马斯的话，留声机旁边的男子就应该是那位风流大盗了。刚刚做完案的他正在准备易容逃跑，地上的旅行箱，凳子上的大衣和帽子是他的作案工具。门口的两名侦探正在等待时机，或许是在等候支援的同伴，面对名声大作的芳托马斯不敢轻举妄动，面部表情极其凝重。三名围观者目睹一切后，惊愕、忧郁尽显脸上，一切一触即发。而画家更是将看画人的视角至于这一切发生的最近处，整个场面令人紧张不已。 可是画家在这里开了个小小的玩笑，在已经发明了留声机的年代，两名侦探还手持木棒、绳网，意图逮捕芳托马斯如此这般的江洋大盗，画家拿我们顽固。愚蠢的官僚机构开了一把涮。 老师也讲到过，整幅画人物的面孔全是马格利特，听到时很是迷惑。为何要将自己画成所有人？是技术，用以构成魔幻感么？以哲学绘画著名的画家应该不止有这点想法吧？我这样猜度着。受害者是我，施暴者是我，围观者是我，执法者也是我。画家这么画到底是为什么？ 画家画这幅画的时候，立体主义，野兽主义已经在欧洲普遍流行，达达主义，未来主义，超现实主义正在蓬勃发展。随着照相机的发明，画家的绘画对象，表现手法都发生了重大改变，艺术观念经受着暴风骤雨般的洗礼，画家本人也从一只烟斗开始，去探索相似和近似的概念，，把观念和形象分离开来，挑战了大众的常识，发人深省。用绘画把“是”与“不是”这个哲学问题表达出来。而以上各种主义发展到达达主义反传统，反艺术之后，不论是艺术，还是道德都需要一种颠覆，杜尚用他的作画颠覆了艺术形式，那马格利特这幅画就是对道德的一种颠覆。画家崇拜芳托马斯，崇拜他能玩弄政府机构于股掌，完全自由；在作画职业上，画家却扮演着那两名侦探式的人物，理性，专业；在现实生活中，画家扮演着别人生活的围观者，或许自己也是受害者。一个人身上有多种身份，不同以往，受害者是值得同情的，施暴者是必须谴责的，围观者是完全无辜的。道德不如以前一样代表着绝对的善恶，而是随着人性的胶合越来越暧昧不清。我们的自私，冷漠不再是无事者的无关紧要。因为一切都与自己有关。这也正是体现了现代艺术的本质，对观念的改变和诠释。改变和诠释建立在艺术家大量的思考上。马格利特受不了巴黎的艺术氛围回到了比利时，自己一个人思考，用画笔去诠释，虽然在美术史上不如其他一些大家那般早年得志，却也画出了自己的一副天地。他的画总以哲思出名，比例的夸大，主题的诡异，思想的深奥，挡住了大部分人的脚步，被印在钞票上的《天降》，我倒觉得远不如他《窗》系列那组画来的动人，画布遮挡住窗户，画上户外的景象，真实是什么？画家用这组画来拷问我们。与其说马格利特是魔幻现实主义画家，我到是偏向于把他归为现实派的思想，魔幻的表达手法。他和达利不同，达利执迷于如何表达潜意识，但是马格利特却表达着现实，用魔幻拷问着现实。对于常规，大多数人选择默认，而马格利特却用自己的画笔拷问着这些大家默认的东西。以哲人的身份画画，这就是我想说的马格利特。【参考书目】： 《马格利特：图像的哲学》 刘云卿 广西大学出版社 《现代主义绘画解读》 孙家祥 上海教育出版社 《剑桥艺术史-20世纪艺术》 罗斯玛丽•兰伯特（英） 译林出版社 《世界著名图像的秘密》 张延风 百花文艺出版社 《奢华的冒险-现代艺术的消解与重建》 张彬 北京大学出版社 《二十世纪视觉艺术》 爱德华•路希•史密斯（英）