楼上的回答得很清楚了嘛~但是我个人觉得，这个问题有点……你真的要考研吗？（表示怀疑）回答你的问题：1，评论类文章可以直接说就是论文,也就是你所谓的议论文，但是议论文是比较初级的一种写作形势。论文包括了议论和适当的事例来支撑你的文章主旨。2,怎样的思维？这个问题问得很没有水准耶。那当然是独特的，有你独到见解的最佳。3，关于评论。你上网去搜索写评论来参考下，借鉴下别人如何写的吧。但是所谓的参考是方向性问题，不是让你就那样写哈。
在古老的时代，艺术经历了对神灵的崇拜，对自然的再现、对主观情感的表现，以及对工业社会的批判。进入到21世纪，科技迅猛发展，在全人类可以更好的改造和利用自然同时，却也给自身带来了消极的负面影响作用。西方的生态学家、社会理论家和哲学家已经充分认识到这个问题，并且从各个角度对科学技术的进步带给人类和自然的伤害进行整体上的反思。艺术也开始了对自然以及人类社会的反思和重新认识。当下的人类审美也已经抵达历尽沧桑后的回归期，无法局限在屑小的人事波澜，‘艺术’担任起了挽救自然和社会之责任。这也是当下的艺术家面临的最大的课题，在思考受伤地球再生的同时，从宗教、哲学、美学、数学、心理学、社会学的角度创造出新的艺术，用以表达当下人类社会的普遍价值。伟大的精神总是宁静的。对于艺术家雨泽而言，他自身充满着知性的修养和厚重的个性，在对艺术的追寻上一直在寻找着自己的救赎之道，那也是中国艺术的最高精神——道法自然，用自己的艺术之道体会思考自然，加入自然并释放出自然的自由精神，保持着精神的纯洁，用以恢复生命的疲惫。他的作品中蕴含着智慧的理性主义哲学思考和顿悟，也充满了浪漫主义的对自然的怜悯，流畅优雅的绘画形态充满着传统美学的物哀思想，把对自然的感伤带入到对人类生命的关照之中。在他的作品中所有深思熟虑，所有人类有意识的意图都通过自然进入到冥思之中。把精神的灵气和生命的自由带入到美好的无限之中，回归自然，回到那个灵魂的息居之所，回到那个内在的、纯粹的、本质的世界。“只有自然赋予人创造的形式才可能赋予世界新的意义”——罗布格里耶。自然和时间，纯粹的质感，美好想象力和天赋的才华融入了一个人的作品之中，一个现代人用他的‘纯素之道“之精神为艺术而艺术，“罗天地万象于胸中”在作品中开境界，抒写性灵，为未来世界提供着新的艺术哲理和真诚崇高的自然思考。 一、从历史中反思从18世纪人类已经开始步入到工业化社会时代，欧洲国家由于技术革命的巨大变革引起了从手工劳动向动力机器生产转变的重大飞跃。随后带动了整个欧洲大陆的经济发展，彻底改变了传统的生产方式，同时促进了美、俄、德、意的科技革命和经济发展，拉开了整个欧美工业化现代化进程，使得资本主义世界体系初步形成。科学技术的发展必然带动生产力的迅速发展，从而对社会政治、经济、文化、艺术、教育也产生重大而深刻的影响。将艺术引入国民教育中，正是欧美强国的举国共识，是一个国家生命力及文化厚度的体现，代表着一个大国自身的脸面与性格。历史告诉我们，真理不是被“发现”的，而是被“制造”出来的，谁掌握了发言权，谁就能创造和改写历史。例如英国，英国是第一个经历工业革命的国家，却成为工艺美术运动的发源国。工艺美术运动在这个国家开出了独特的天才之花，这就意味着到了20世纪，英国又成了国际上新的设计思想的中心。英国出色的工艺美术设计师除了组织他们自己的社团展览，还对设计的发展有另一重要贡献就是他们写下了大量关于他们的设计思想和方法的文字，留下了大量的文章和著作，在国际上一直影响很大。曾经是世界艺术中心的法国之所以称雄，不仅是说它的力量雄厚，还指它的民族是大多数欧洲人公认居于17世纪文明前列的。他们发扬了意大利文艺复兴时期的博学多才。产生了以尼古拉斯·普桑和克洛德·洛兰为代表的一派画家。他们的国王路易十四在当政时期十分明白，法国在欧洲称雄所需要的远不止庞大的军队，即使这个国家业已是最富有或最有实力的主权国家，依然非常需要欣欣向荣的文化生活，才会大大提高其国际声誉。所以，在巴黎艺术学院成立大会上，路易十四野心勃勃地声称：“法国要用艺术统治世界！”传统经典艺术是法国人打出的艺术牌。再看东欧，从解放以来我们一直在学习俄国绘画，在俄国艺术的发展历史中，以批判现实主义最为辉煌，在关注现实和与欧洲的广泛交流中，以其题材、体裁、风格和手法的多样性与独创性，在世界艺坛占有重要的位置，它与当时的法国文艺并驾齐驱，各领一方风骚，各自推出了世界级的大师，组成了文艺史上璀璨夺目的一串明珠。俄国这一阶段的文艺创作，成为一个多世纪以来人们研究的重点之一。在二战之后成为世界头号强国的美国，在艺术上从抽象表现主义到波普艺术，体现了美国艺术的独特性，也由此构成了所谓艺术中的美国性。美国合国家社会之力，以经济发展、文化政策、艺术投入为引擎，来推广美国的抽象表现主义和波普艺术，反过来又影响了整个西方画坛，甚至引导了整个世界近一百年的现代艺术走向。这是美国人打出的反映着自己价值的艺术牌。对于我们的近邻日本，在60、70年代，经济复苏强大，逐渐在亚洲称霸也打出了自己的艺术牌。日本人在发扬东方美学思想上做的比较纯粹，无论在艺术、设计、动漫、音乐、影视等方面更能够探究到东方美学的真谛。日本政府很早就明确提出，要从经济大国转变为文化输出大国！与此制定了一系列文化产业发展战略。为落实这些战略，日本政府相继出台了一系列配套政策，并且将动漫文化产业确定为国家重要支柱产业，通过推行工业化大生产、建立文化产品产业链、扩大文化产品出口等，积极推动文化产业发展。回过头来再看中国，改革开放之后，我们国家的GDP日渐壮大，随之追上日本及欧洲诸国，成为世界第二大经济体。但是我们悠久的文化传统与文明却历经了“五四革新”和“文革颠覆”，当下我们所有的文艺创作，无论观念、形式、语言、媒介都鲜明地反映出一种集体的现代意识和西方现代主义的影响；那么面对全球化浪潮的侵蚀和整合，本土文化的独特性正逐步丧失，传统文化如何在当代传承，当代文化如何体现原创特色，我们必须提出自己的文化立场和态度，确立起一个明确的学术定位方向；并且要建设当代中国人的审美概念，将之转化成民族凝聚力；在全球艺术语境中展示中国文化自身的特质，通过学术层面对国际产生重要影响。未来10年或20年，中国真正强大了，那么我们该打一张什么艺术牌呢？无疑是水墨、而且必然是现当代水墨。二、美术史的启发以上所述，通过研究美术史我们更能够发现到，任何一个流派的产生都必然与之母文化相关联，例如：日本的物派，不是站在西方美术的框架上发展的，而是在禅宗文化的延续下与之产生；“物派”在精神上强调尊重自然、重视自然的存在，提倡意识和存在的相互依存关系，同时强调了艺术家主观体验的自然性和直接性；在形式上，是把未加工的物质与自然界的物体以一定的手段加以联系，使其毫无雕琢地反映出自然的本质状态，也就避免了人为的定义化。这恰恰是吸收了禅宗的哲学因素：禅不依靠任何理性和概念的东西，而只靠直觉去体验生命的一种传承关系的逻辑。同时，艺术涵盖着文化精神，日本“物派”艺术正是蕴含着日本传统的禅宗精神：禅的心性，就是破除一切人工的形式，真正把握住其背后隐藏着的精髓。正是这种心性，哺育着日本人牢记大地、亲近自然，不断品味那不加任何雕饰的浑朴。其次，从西方美术史的角度来谈，我们可以发现：西方近二百多年来艺术的发展，也是在逐渐借鉴东方的艺术元素与艺术内涵在往前推进，这点已经被西方美术史学家们普遍认可。西方文化的再创造历史并没有中断过，在这个漫长的文化再生产过程中，西方文化也融合了世界文化。那么当下，我们中国自身的文化当中是否还有可以被西方所继承和探究的理论与精神，是否能从中国传统儒释道精神中，再发现出那些能够被当下中国艺术家所传承和吸收的精髓；是否能够在对传统文化的衍生中进行不断的再创造，没有创造，传统文化又如何衍生？所以，一个国家文化艺术的崛起也并非是要照搬历史或者说是复古，体现在人的精神层面的文化才是最重要的。因而，不能只复形式而忽略了精神。同时，从五四运动以来，我们的文化艺术领域也在不断的学习西方，但是，我们依然只是学到了形式而非精神。如果一个国家的文化艺术不反映出民族自身的文化特性和精神价值，既无法引出国人的共鸣，也得不到国际上的认可，我们学别人只是为了做给别人看。三、东西方哲学的比较上思考在中国，传统的思维方式是综合的一元论，二元论本质上是西方的思维方式，但是随着科学和工业社会负面性的突显，以及人类对自然过分的肆略和极大的破坏开采给人类自身带来了伤害，中西哲学都开始高呼中国的传统天人合一（西方称之为主客合一）思维方式的意义。从我们自身的哲学精神看来，人类与自然和谐相处，达到天人合一，进入到主客统一的状态，在中国的道家理论体系中，早已完成了这种哲学逻辑关系。中国艺术最高精神就是“道”的精神，这种精神以扫荡现实人生，达到理想人生状态，用修养的工夫追求人生境界，所用的工夫正是一个伟大艺术家的修养工夫，也是今日之艺术精神。例如《庄子庖丁解牛》中，庄子所追求的道，正是体现出一种道与艺术精神的相吻合，首先，未见全牛，因而他与牛的对立解消了，即是心与物的对立解消了。其次，由于他的“以神遇而不以目视，官知而神欲行”，因而他的手与心的距离解消了，技术对心的制约性解消了。于是他的解牛，成为他的无所系缚的精神游戏，他的精神由此而得到了由技术解放而来的自由感与充实感；这正是庄子把道落实于精神之上的实例，是由技术所成就艺术性的效果，是从技术的观念中净化出来的艺术之精神，而这种精神更适用于现代之艺术精神。所以，当我们对于道的人生体验得到顿悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神，并且对中国艺术的发展，于不识不知之中，发生了深远的影响。西方近代美学在探索过程中，也从人生宇宙之根源寻找美和艺术何以能成立的根据，并且由此把握到的也只是“一”“玄”“无”。例如谢林在《艺术哲学》中提出存在所以有差别相的原因，归之为展相（POTENZ），展相有三，“实在地形成的冲动”“观念的内面化的冲动”，和“无差别的”，是将世界、万有归入于“一”和“无”，而可以给艺术及美以基础的，正是第三展相。西方诸多哲学家，在穷究艺术与美得以成立的历程和根源时，常会出现约略与庄子在某一部分相似相合的立场，则所谓中国道之精神，其本质是艺术的，由此可得到强有力的旁证。费希尔认为，观念愈高，含的美愈多。所以，当下的艺术家进行原创创作时，首先要解决的是世界观的问题：对世界的认识，对自然的认识，也就是最能符合当下先进的思维模式，和更好的诠释出当下人类社会普世的价值观，进而产生方法论上的革新与探究。四、近30年现代水墨引发的思考改革开放之后，虽然实验水墨等所谓新的艺术形式相继出现，但事实上，还是依然延续着西方现代主义的理念，补西方现代艺术的课而已，并没有从总体上解决认识论的问题。在当下依然有人还没有完全认清楚这点，一提到水墨就和所谓的“民粹”进行联想；当代水墨最能够阐述中国道哲学的阴阳关系，精髓在于没有把人剥离开来，没有把人与自然相互对立起来，而是传承了道家的人与自然遥相呼应、人是自然的一部分的，人类顺应自然发展的精神理念，因而，水墨艺术家也是秉承着此种精神，对世界万物的看法是以阴阳哲学为认识论的基础出发的。西方有许多学者，例如海德格尔，已经认识到西方现代哲学逻辑已经走入到了死胡同里。包括马克思也曾经认识到这个问题。基于这一点，对于当代水墨的创作和所谓的“民粹”主义没有任何关系，系无稽之谈；不能因为强调“道”或者“禅”的精神与当下的关系，就泛泛的说是民粹主义。如果把这些人都认为是民粹主义，那么是否显得在知识结构层面的浅薄和无知，以及视野上的狭隘与封闭呢？当今中国艺术界形成了多元化、多样式的格局。面对这种艺术争鸣的时代，每种艺术观念都是平行发展的艺术空间和原则，同样也不是通过简单复制、粘贴就能够达到相互交融的。我们要保持水墨艺术的生命力，最重要的是艺术家应该在其创作中保持“民族性下的文化纯粹”。对传统文化的理解和把握，并不是狭隘的民族主义，而是要保持艺术家的真挚的艺术理念。在这样一个文化纷繁的时代中，立足于对传统文化理性的分析上，才能对现实与艺术做出正确的判断。当代艺术创作的形态和方式可以丰富多彩，形式的获取和对语言的挪移现象确实存在，但真正重要的是如何借用西方文化的这些形式和语言去面对传统的中国的文化，去透视中华文化的生存本质。代表中国甚至整个东方绘画母文化如果偏离了这一根本，就无法在艺术创新与现代化发展中找到自己的位置。眼下，当代水墨面临着左右为难的双向尴尬状态，当代水墨如何发展，首先要基于中国的经济强盛，如何在自身的情况下完成文化艺术的传承，中国的当代艺术如何走出自己的独立面，如何在当代国际化、多元化的生存境况中，对水墨艺术作出新的思考与确立，这些都促使着我们依然需要在水墨上找出重大的突破方向，而这个方向的总体精神依然是在呈现自然这种理念下进行发展的。当代水墨应该是术理，是哲学的艺术或者是艺术的哲学，不同于传统水墨是在“叙事”“说情”与“谈意”。当代水墨在未来世界发展的大趋势下，要完成很重要的任务是：如何展现出中华文化的当代性和当代时空下的国际性。五、当代水墨佐证着新哲学与新科学的发展当代新水墨是在生宣上渗化所产生的虚静淡雅的意境和虚无飘渺、空灵、神秘、悠远的视觉效果与道家所追求的天人合一的思想是相符的。其实墨色是对彩色的抽象，它体现着道家由灿烂多彩归于朴素平淡的哲学观念。当代水墨艺术创造从现实世界转至心灵秘境，并最终转向“本真”是完全符合道家思想和当代西方哲学的探索。这种探索是在精神层面和哲学命题的探索。一切带有形象或形象暗示的水墨都不是当代水墨的主旨。当代水墨是超越主客二分的并超越时间与空间的。它不是对客观世界的再现，也非主观意识的表现，它是超越主客关系的哲学表述和精神追求。人们把分形与耗散结构及混沌理论共称为20世纪70年代中期科学上的三大重要发现。美国著名科学家约翰·惠勒(John AWheeler)说过“可以相信，明天谁不熟悉分形，谁就不能被认为是科学上的文化人”。关于分形几何的概念和与艺术的关系，我们以在另文论述了。在自然界中，分形现象普遍存在，俯拾即得。譬如：微观世界中晶体的生长，相变过程和化学反应，宏观世界中河流的走向，树枝的分叉以及地震震级的分布等；就连我们人体血液循环系统中血管的分支和脑电波分布都是分形的。分形理论认为自然界存在着“分形者生存”这一规律。我们可以延展的说：一切有机生命或曾经的生命体，都是在分形几何的关系中存在的，分形几何其实就是自然几何，这一切都是水的作用而形成的。我们认为水墨在宣纸上的氤氲和运动痕迹就是分形的。水墨分形的动力是水。水墨相互交融侵润而产生的墨迹线的扩张、延展、交汇等，人们对于这是熟悉的，因为这种类似的分形几何关系是时时刻刻发生在我们身边的。譬如：树叶的边际，花朵的花边，树木的年轮等等。新水墨艺术发展的突破口就是“水”，其实“墨”在真正的中国艺术家眼里，也决不只是种材料、颜料，它是能够出现丰富的色彩和构成物象的“有”。而使墨蕴含着这种玄机和易变的就是“水”，也可以说是“无”。我们之所以强化、强调用水的意义和作用，它可以使水墨画更多地融入了道家的思想、画家的情感、自然天成的意趣等生命意义，将自然之美上升到更高层次的天人合一，也就是西方当代哲学所说的主客合一。文：张清源 朱雨泽
首先要明确一定是议论文其次要明确你考得学校的侧重点就是说你学校的老师喜欢从哪些角度入手 喜欢用什么理论这个很好确定 导师就那么几个人 看看他们发的论文就晓得了然后要拟定几个角度的切入口例如诗歌的结构 模式 音律 内容等等选定各个切入口的理论支持如诗歌模式包括哪些 这些模式的来源 最典型的例子就是十四行诗 学得是莎士比亚接下来去网上多看点具体作品的文学评论自己研究出适合自身的论文格式看你是由结构到内容 还是由宏观到具体等等最后自己写几篇文章请老师看看 提出建议最重要的是你要搞定文学理论 理论支撑一定要有 最好背一点原句然后根据理论展开而且整个文章一定要至少有一个细节分析或者个人创见
被遗忘的英雄——读鲁迅《奔月》有感 无论传说或是历史，一经人写出来便有了属于作者的感情，这种感情即使是记录史实的史官也不例外。因为史官也要以它所效忠的政治利益团体为中心，所以他的记录要在一定程度上有所取舍。因而在很多时候，传说和历史都是一种工具，是作者为吸引读者或便于抒情而使用的一种工具。 《奔月》的男主人公后羿是我们非常熟悉的大英雄，他射日的史绩至今被人传诵，他和嫦娥的爱情故事也是人间最美丽的传说，我们总相信英雄会被人永远记住，后羿和嫦娥虽然是悲剧二人应该相互思念，至死不渝。然而在鲁迅先生的《奔月》中，我们看到了不一样的英雄，不一样的嫦娥奔月。我们看到，当九个太阳被射落后，英雄并没有想象中的风光，他得到的是没有人崇拜，没有人关心。他的天生神力，它的精妙的箭法都没了用武之地。此时的他早已不是什么人人敬仰的天神，它只是一个拥有大庄园，拥有表面上的风光，而实际上为油盐酱醋而烦恼的普通人。如果他的从前还有留给他什么，那就是回忆，还有人们对于射日英雄的潜意识中的崇拜。但那崇拜是对天神的，不是对他的，人们早已忘记了天神的真正身份。我们的英雄不见了，因为我们不再需要这位英雄，那些他曾应以为傲的一切都没有了用处，有些甚至成了他现在生活的阻碍。他的箭是他寻求食物的工具而非英雄的象征，可是后来就连寻求食物的工具也变得勉强。他的弓太强，箭头太大，所以将麻雀射碎了；他的箭法太准，百发百中，以至于漫山遍野的飞禽走兽都被他打完了。我们的英雄迷茫了。 但是对那些辉煌的过去，后羿是自豪的。他常常会想起那满山遍野的飞禽走兽，常常会想起他那箭法带给他的荣誉和那无穷尽的食物。多么辉煌的过去啊！“当我射封豕长蛇的时候，野兽是那么多。”“丈母娘门前就常有黑熊走过”“熊只吃四个掌，驼留峰，其余的就都赏给使女和家臣们。后来大动物射晚了，就吃野猪、兔、山鸡；射法又高强，要多少有多少”。 可是正是这些辉煌的历史，使他现在的生活笑得更加凄凉，每日为讨好嫦娥而烦恼，曾进的事迹被广为传颂但主角却变成了背叛的逢蒙，为打猎要从早出发寻找好几里地却有可能只打到乌鸦。我们看到我们的英雄正被生活所折磨着，人们忘记了英雄的名字，英雄的贡献。后羿家中的彤弓、彤矢、卢弓、卢矢、弩机、长剑、短剑统统都没有了用武之地。
我认为一般情况下 不是写比较 权威 的 对 大师 的东西 些评论 就一般的 都不难写啊其实就是把你对这件艺术品的 赏析 感受 看到什么写什么 就比如 梵高的 什么什么画 你观赏 后 你觉得 他的画 的笔触呀 色调呀 这幅画所表达的东西呀 都可以写啊 这幅画的 手法 再写你对这幅画的自己的一些想法 都是可以的呀
参考《艺术概论》及《艺术评述》
艺术评论想要更好的书写，必须要对艺术作品所涉及到的艺术表现手法和内涵的价值体现进行有效的总结。
帮助读者深入地理解和感受作品理解作品的意味如：中国传统小说中较少直接描写人物的心理活动，作家只是用行动、对话来暗示人物心理领会这种暗示，需要感知的敏锐和细心的揣摩，一般的读者容易忽略过去《水浒传》第36回“船火儿夜闹浔阳江”中，有一处对宋江的心理描写，它的精彩全靠金圣叹的评点才得到众多读者的赏识宋江在张横船上受了惊吓，忽听有人救他，宋江“钻出船上来看时，星光明亮”，金圣叹评论说：“此十一字妙不可说非云星光明亮照见来船那汉，乃是极写宋江半日心惊胆碎，不复知天地何色，直至此，忽然得救，夫而后依然又见星光也” 2、帮助读者正确地选择和鉴别作品1）文学批评对读者阅读的导向作用别林斯基非常赞赏果戈理小说的描写，向读者推荐说：“你们记得他关于德聂伯河流域广袤无垠的草原的描写吗？多么豪迈奔放的画笔！什么样的感情的放纵！在这些描写里，有着什么样的华美和朴素！鬼抓你去，草原，你在果戈理君笔下是多么出色呀！”2）文学批评对读者欣赏的榜样作用（教材P262）如鲁迅对柔石《早晨二月》中肖涧秋性格特征的理“浊浪在拍岸，站在山岗上者和飞沫不相干，弄潮儿则于涛头且不在意，惟有衣履尚整，徘徊海滨的人，一溅水花，便觉得有所沾湿，狼狈起来……他其实并不能成为一个小齿轮，跟着大齿轮转动，他仅是外来的一粒石子，所以轧了几个，发几声响，便被挤到女佛山——上海去了”（二）帮助作家提高创作1、帮助作家分析创作、提高创作1）发现作品的价值内涵2）指出作品的不足2、引导作家调整创作（三）影响社会价值观念1、文学批评具有文化价值判断的属性批评家经常分析文学作品和它所反映的社会生活之间的关系，分析作品中的政治因素、道德因素等具有文化价值的东西别林斯基分析果戈理早期作品《小品集》时，从作品引人发笑的艺术效果入手，指出这种喜剧性中隐含着对现实生活中的卑污一面的反映，隐含着揭露封建农奴制度罪恶的深刻意义这种批评，把读者的接受心理从审美的境界引向对现实生活的关注和思考，进而把握作品所具有的巨大思想深度2、文学批评具有价值引导和规范作用。
一、导入新课： 人们常说：“天有不测风雨，人有旦夕祸福。”其实，对于艺术品来说，它们的命运也是如此。就在半个多月前，这座走过了1500多个春秋的、为人类所共有的艺术珍品——巴米扬大佛——在塔利班的炮声中轰然倒下，从我们的视野中永远地消失了！ 这是上个月拍回来的乐山大佛，我们可以看见，它的庞大的身躯上已经爬满了青苔和其他腐蚀物，面目已经模糊。 还有这座胜利女神雕像，被发现时，它的高贵的头颅已经不知去向。 还有就是这座维纳斯雕像，1820年在希腊的米洛斯岛被发现时，她的秀丽的双臂已经残缺。为了区别于其他众多的维纳斯雕像，人们习惯上把她称为“断臂的维纳斯”或“米洛斯的维纳斯”。 历史是无情的，战争的炮火是无情的，大自然的风雨雷电是无情的。但这世界毕竟还有许多热爱生命、热爱艺术的人们，于是人们一方面加强保护，一方面对已遭毁坏的艺术品加紧修复。 这其中就有许多人一直试图为维纳斯的断臂复原，要为她重新安上那残缺的双臂。然而，一百多年来，却始终没有一个复原的方案能得到绝大多数人的满意。维纳斯的双臂到底应该是怎样摆放的，这成了艺术史上的一个谜。同学们都是正处在最富有创造力和想象力的年龄，在这节课开始前，不妨也来想象一下，为揭开这个谜而提供一个方案。二、文学常识 清冈卓行，日本诗人，小说家。生于中国大连。毕业于东京大学。1964年起在法政大学任教。曾在《今日》、《鳄鱼》、《现代批评》杂志上发表过诗作和评论。受超现实主义的影响。诗集《冰凝的火焰》（1959）、《日常》（1962）通过戏谑的自我韬晦来体现批评的精神。还有诗集《四季写生》（1965）、评论集《废墟中捡到的镜子》（1960）、《生的变化》（1960）、《手的变幻》（1966）等。《手的变幻》通过人手的表情，从美术、文学、音乐、电影、摄影等多个方面进行独特的评论。1969年起开始创作小说，作品《早晨的悲哀》（1969）、《淡绿色的季节》等。小说大都取材于自身的体验，富于抒情性和音乐感。1969年获得芥川奖。三、、整体把握——分析提炼课文的中心句和关键句。本文是一篇文艺批评。学习本文，要在初步了解课文内容的基础上，对关键词句仔细揣摩，领会其内涵本文以米洛斯出土的维纳斯引出话题，首先详细描述了维纳斯因失去双臂而产生的无穷魅力，进而否定了复原维纳斯的种种方案，最后作者通过比较分析为何失去双臂比失去其它部位更有魅力。 从内容结构上讲，本文从文艺鉴赏的角度深入浅出地阐明了米洛斯的维纳斯雕塑之所以有如此魅力的原因。因此，本文的中心论点应该是“她为了如此秀丽迷人，必须失去双臂”。 文章第一部分从正面来阐述作者的观点，重要的语句有，“这是一次从特殊转向普遍的毫不矫揉造作的飞跃”，“这是一次借舍弃部分来获取完整的偶然追求”，“是向着无比神妙的整体美的奋然一跃”，形象地突现了“断臂美神”的艺术震撼。 文章第二部分从反面来阐述作者的观点，重要的语句是：“人们对丧失了的东西已经有过一次发自内心的感动之后，恐怕再也不会被以前的、尚未丧失的往昔所打动了吧。” 文章第三部分从侧面来阐述作者的观点，重要的语句是：“除了两条胳膊之外，其他任何部位都丧失不得”，“它是人同世界、同他人或者同自己千变万化交涉的手段”，“米洛斯的维纳斯正是丢失了她的双臂，才奏响了追求可能存在的无数双手的梦幻曲”。四、重点语句1、 作者是否赞同为维纳斯修复双臂？文中有这样的话：“如果发现了真正的原形，我对此无法再抱一丝怀疑而只能相信时，那我将怀着一腔怒火，否定掉那个真正的原形，而用的正是艺术的名誉。”作者为什么这样说？（重点语句体会如下） （1） 维纳斯作品本身被一种“人们称为美术作品命运的、同创作者毫无关系的某些东西出神入化地烘托着”，才如此秀美迷人。 （作品的原创、散失、偶然发掘、缺损、引起人们的关注和兴趣、人们为求得完整美而作出的设想和追求，这一系列可以说成是“作品命运”的东西，使作品本身充满魅力，而这与原创者是没有直接关系的。从这个意义上说，找到原形意味着那些烘托作品的“遭遇”和“过程”就失去了，作品不再充满魅力） （2） 维纳斯的美在于它“是一次从特殊转向普遍的毫不矫揉造作的飞跃”，“是一次借舍弃部分来获得完整的偶然追求”。 （如果维纳斯是完好无损的，它便是单一的具体的特定的那一尊雕像。而它的缺损，使之变成了不确定的、不具体的、带有普遍意义的雕像――许许多多人们所想象的饱含了无数可能的那些雕像。因此维纳斯的偶然的并非刻意和人为的“部分”（手臂）残缺，换来的是人们对完整雕像的揣测、设想和追求。这正是断臂维纳斯的魅力所在，因为真正的魅力在于因此能激发人们的想象力和对艺术美的追求！） （3） 那失去了的双臂正浓浓地散发着一种难于准确描绘的神秘气氛，或者可以说，正深深地孕育着具有多种多样可能性的生命之梦。换言之，…… （缺损―――获得不可思议的抽象的艺术效果：暗示着可能存在的无数双秀美的玉臂，更有一种神秘气氛，吸引人们的视线，诱发人们的想象，激起人们的兴趣，演化成一种追求，而“艺术”的魅力也正在于此） 完整―――具体、实在、凝固，没有想象的余地） （4） 这一方是包孕着不尽梦幻的“无”，而那一方却是受到限制的、不充分的“有”。 （有――双臂不缺损：具体的、单一的、实在的、凝固的、限制人们想象的雕像 无――失去双臂：不具体的、包孕着无数可能的、引发人们不尽梦幻和想象的雕像） 2、 作者为什么说：“除了两胳膊之外，其他任何部位都丧失不得”？ （手对于人、对于形体的意义：它是人同世界、同他人或者同自己进行千变万化的交涉的手段，维纳斯正是丢失了她的双臂，才奏响了追求可能存在的无数双手的梦幻曲）五、哲理引申 1、 艺术——注重虚实相间 如国画中的“留白”艺术；如音乐中的“此时无声胜有声”； 如唐诗：松下问童子，言师采药去。只在此山中，云深不知处。（贾岛）妙就妙在“云深不知处”，倘使改为“只在此山中，岭后石头上”，则成村夫俗语。 《红楼梦》中描写林黛玉形象：“两弯似蹙非蹙 烟眉，一双似喜非喜含情目……娴静时似矫花照水，行动处似弱柳扶风。”美不可言的效果来自虚写，人间没有谁可以扮演林黛玉，她只能活在读者心中。 2、 生活——缺憾也是一种美 四大美女各有缺陷；美玉微瑕；梁祝爱情成千古绝唱。 唐诗：“去年今日此门中，人面桃花相映红。人面不知何处去，桃花依旧笑春风。”动人之处在于留下的遗憾和悬念，如事情成为“人面已到山后去，骑驴迎来不宜迟”，就简直是赵本山演的小品了。
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您好，我给您推荐中国艺术家罗小平-2144/2007/01/htm
世界上没有任何一件艺术品能像《蒙娜丽莎》那样誉满全球，同时引来各式各样的说法和评价。我们根据瓦萨利的记载，可以确定，画中人为佛罗伦萨银行家佛朗斯柯·捷列·佐贡多的妻子丽莎。她出生于1479年，芬奇为她画像时间是1503年，正是丽莎24-27岁的时候。画中人的主要神情是“微笑”，世人称之为“神秘的微笑。”银行家佐贡多以丰厚的酬金请芬奇为夫人作画。当夫人出现在画家面前时，她身着华贵的连衣裙，梳着时髦的发式，一绺绺卷发散在双肩，身体显得丰满，眉毛齐整，两颊绯红，颈项和手臂佩带着名贵珠宝，全身充溢着纯真和天趣。 《蒙娜丽莎》是意大利著名画家达芬奇在1503年到1507年间创作的，它代表达芬奇的最高艺术成就,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。 画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 除了微笑之外，就此幅画来说，更重要的是表达了达芬奇作画时的情感及所处的社会背景。 首先是微笑的神秘，有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达?芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。 绘画作为一种重要的艺术形式，它的主要特点表现在它是通过可以直接看见艺术形象这一点比一般的文字艺术更易于被观众接受，但它又有只能表现一个相对静止的瞬间的局限性，优秀的绘画作品善于选择人物或者事件最富有概括性和表现力的瞬间，使这固定不变的瞬间展现出可以穿越时空的美，散发永恒的魅力。达。芬奇就是敏锐地抓住蒙娜丽莎一刹那间微笑的表情描绘出她坦然的神态。你看她那轻盈的微笑，这种非人工所为的线条和韵味，让人不由的想起“风乍起，吹皱一池春水”的诗句来。 达芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达?芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图,透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。在作画时，勾起了达?芬奇对生母阿尔别的回忆，似乎从丽莎的身影中看到生母的形象，丽莎成了阿尔别拉的神秘化身。因此，大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘，他要把自己的美感和体验，用画笔传达给所有的人。文艺复兴的到来使神从神坛上走下来，成为有血有肉、有情有欲的人。 达芬奇是处于欧州文艺复兴时期，文艺复兴之前是宗教统治时代。西欧人经历了一千多年残酷蒙昧的封建统治和基督教禁欲主义的精神摧残，早已丧失了思想自由和幸福生活的权利。现实生活的一切喜怒哀乐都被视为触犯上帝的天条。所以在中世纪的画像中，圣母，耶稣也好，普通人也好，总是那样呆板，僵硬，面部毫无表情。直到文艺复兴时代的到来，一切才发生了变化，使丧失已久的笑容又回到人间，特别是回到获得解放的妇女们的脸上。那笑容里充满着新时代新人物的自信和乐观，洋溢着他们对未来，对真善美的渴望。 达芬奇是意大利文艺复兴美术最杰出的代表人物，也是整个欧洲文艺复兴运动最重要的代表人物之一。恩格斯在赞扬文艺复兴时代的“巨人”时列举的第一个就是他。他作为与时代休戚相关的艺术家，敏锐地感受到这一点，并天才地表现了这一点。他一扫过去肖像话上那郁郁寡欢，象幽灵一般的阴影，绘出了自由明朗的笑容。他用艺术形象向欧洲中世纪压抑人性的神学统治和禁欲主义宣布：人从禁欲主义小解放出来，它不再是徒有形质，没有七情六欲的模具，人能够向人微笑了！所以，《蒙娜丽莎》具有了强烈的时代精神，蒙娜丽莎的微笑不仅成为这幅肖像画的重要特征，而且成为文艺复兴时期女性美的典型，生动地体现了一个新时代的精神美。 《蒙娜丽莎》如亮丽的玫瑰刺破了午夜的黑暗与沉寂，过人们的心注入一缕芬芳与希望，成为画家可以放开手脚倾心颂扬真善美的象征，成为西欧人结束了漫长中世纪痛苦生活的标志，如恩格斯所说“这是人经受煎熬而取得的最伟大的进步的转折点。”这正是《蒙娜丽莎》历史意义所在。 作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会明白为何这幅画竟有如此巨大的魅力或是震慑力
要写篇关于一件艺术品的论文最好要注意以下两点：1、艺术家想要表达什么？2、艺术家表达得怎么样？这个标准在可以在几种情况下使用。这是相对而言较好的标准（如果你不会不切实际地看待作品的话），这个标准划出了一道底线，在这道底线上看作品就会避免出现过好或者过低的评价。你可以用这种方法去写书籍、电影、戏剧表演、绘画、音乐以及任何创造性艺术作品。写艺术论文的大量工作时间是用在分析作品以及写提纲上的。在写作中，会面临许多挑战，不过要是你有个足够完美、坚实的大纲的话，论文就会很好写了。难度：比较简单说明你需要的东西：你要写的作品的图文本，电脑/纸和笔分析作品1、写出你认为艺术家想通过作品表达什么。16世纪莱昂纳多·达·芬奇画的著名的《蒙娜丽莎》，众所周知，而且高深莫测。很明显，你不能准确知道达·芬奇本人通过这幅肖像画究竟想传达什么。许多有成就的艺术史家写了大量关于这幅画的文字。所以，你能表述些什么呢？很多很多。在这个例子里，在一篇关于名画《蒙娜丽莎》的论文中，你可以总结说艺术家试图透过肖像画讲述一个特殊女人的故事。这可能看起来很明显，不过你要记得，你要描述的作品是很不一样的，比如，一张宗教教学画作，或者一副现代抽象画，因此，关于这种特殊作品的评价就会变得完完全全的不同。2、写出你看到这件充满创造力的作品时的认识和感受。举例而言，从达·芬奇画的女人身上你感受到了什么？这些感受不用和她的身份有关，但如果你知道了她背后的故事，会更加令人印象深刻。尽量忠实具体地描述你的反应。别在意自己有没有权威性。你要写篇关于《蒙娜丽莎》的好文章，不必先成为一个专业艺术批评家，或者曾画过意大利式杰作。3、检查一下第1步和第2步，你的反应是否和艺术家想要表达的相符合——这件艺术作品是成功的么？记住，你喜不喜欢你写的东西不重要。重要的是，你正在用你自身的感受去写一篇艺术作品分析。记住，你可以写篇文章，比较一下用同样的表现手法的成功与不成功的作品。4、把所有创作作品过程中的变量都列下来——所有艺术家自觉或不自觉做出的决定。在《蒙娜丽莎》的例子中，这种变量可以是主题、构图、材料（颜料和肌理）、色调、笔触和细节表现程度。5、在每个变量下写个短小的简介。比如，《蒙娜丽莎》，你可以写“主题——女性”，“构图——肖像近照，画面中心”，“色调——宁静”，等等。论文发表声明与大纲敲定1、用上述步骤写一份发表声明的粗稿。别用第一人称，即使你的自身感受影响了你的很多想法。发表声明粗稿可以是“莱昂纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》是一副优美的画作，运用文艺复兴的绘画技巧，但主题仍然成谜。”你的发表声明可不能是“《蒙娜丽莎》真是太美了啊”。2、在发表声明里把变量整合一下。你不用把列表里的变量一一写出来，可以每个变量写段话。3、把每个变量如何使作品成功（或者不成功）表现记下来。写正文1、描述变量的时候写得越详细越好，把你的感受也写进去。一般来说。这些描述会让读者更相信你的观点。2、写个引人入胜的介绍和令人满意的总结。3、校对文章。