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中国民间舞蹈的是中华几千年流传至今的宝贵的文化经验还有对现代舞蹈的一个指导作用， 伴随着劳动人民美好愿望的追求，是一种精神感化的意识形念 ，对于民间舞蹈的传承与发展有着非常重要的现实意义 。
舞蹈文化的源头寻找理论依据和审美品格，为舞蹈塑造形象寻找依据，是对舞蹈形象塑造的总关注，同时从中国舞蹈文化的源头寻找理论依据和审美品格，为舞蹈塑造形象寻找依据。舞蹈编导形象语言研究既关注舞蹈创作的独特性，又符合艺术创作的总原则——创造生动的艺术形象，试图为舞蹈的形象塑造和形象语言寻找历史的传承性，以及民族文化基础。同时，学习世界舞蹈理论先进成果并为我所用，创造出与中国舞蹈创作理论和实践相符合的舞蹈创作应用理论。这个理论是指舞蹈艺术的创作核心与任务是塑造鲜活的艺术形象，表达人类情感，摈弃"形式主义"，主张形式为内容服务。同时也研究"舞蹈的纯形式"问题，但目的是为了围绕"表现情感"的核心而展开的。因此，研究有了主张就要紧紧围绕主张的主题而展开。舞蹈需要一个外观，这个外观是一种包含或"形象"，一个以人体为基础媒介的艺术形式，编导者应赋予这个客观存在一定的确定性，或是形象包含或是借助形象表征。总之，如果不希望观众把想象停留在表象的"人的形象上"，那么编导就得研究如何消解原有形象，并通过一定的艺术手段建立新的、编导所需要的形象，或者编导所需要的艺术效果，或者编导所需要的抽象性意境，等等，这些都是舞蹈形象语言研究所关注的核心议题。本书将多年来在舞蹈创作领域中含糊其辞的观念，通过形象语言研究把过去羞羞答答的关于形式与内容的关系问题明朗化了。"语言"虽然有自身的审美意趣和形式感，但是如果仅仅停留于此而不能够进一步深入到内容层面的表述，那么语言在总体上就失去了其"真实意义"。编导者不能停留在"玩"动作上，应当去关怀真情实感的表达，而舞蹈的真情实感的表达往往是通过艺术形象的塑造来完成的。舞蹈编导形象语言研究表明：虽然关注的是语言，但是并不是在关注语言本身的美感，而是关注语言如何能够准确地传达出内容之美，这是第一层。第二层就是深入细致地研究语言本身，也只有这样才能更充分地运用好舞蹈语言本身。第三层才是如何运用舞蹈语言来塑造形象。艺术形象的塑造被列举为舞蹈创作活动的终极目标，任何理由的创作都不能背离艺术形象创造这个艺术活动的最终目的。当然，对形象的认知又是允许有不同的关注角度的。中国艺术传统之中我们可以寻找到讲究"写意"的艺术流派和传统，这个传统不主张割裂地只讲艺术形式，从来都要求艺术作品"神形兼备"，"神气"是居于一定的"外在形貌"之上的，而从来都不主张脱离"内容"只强调"形式"。因此，中国艺术往往少有"形式主义"的单一支脉的发展，这里主要挑明了"形式主义"只能是第二层面地对艺术手段的丰富起到功能性的作用，而不能变成主宰整个编导思维的主干思想，主宰编导思维的一定是主题的追求和思想意义的开掘，而创作生动可感的艺术形象则是一个编导毕生的艺术追求。依据这样的总体思路与观点来展开创作理论的研究，从舞蹈人体的文化承担和舞蹈科学领域对动作已有的研究成果中，继承这些成果用以创造自己的新意，来确立舞蹈编导的语言序列和形象基础。舞蹈的叙事特征是由一整段舞蹈完成作者的一个简单的含义和意念，因此就要求作者尽可能地使其意念选择得节省、集中和精准，只有这样才可能有效地将其意念传达给所要传达的人——观众，这实质就是一个编导者自省的过程，就是要修炼其自身的敏锐度，以及能够将自己的感觉通过极强的行为能力使之变成现实的历程。这个行为能力就是舞蹈的编舞，编舞实质就是将舞蹈动作变成"语言"加以传达。有些编导，只能将动作停留在动作层面，而不能把动作进一步发展转化成为语言，有的是没有这个功力，有的是没有这个认识。一般我们见到一部好的舞蹈作品，其形式与内容的界限是分不出来的，既有优美的舞蹈形式，又展现出好的舞蹈内涵。由于美学界对"有意味的形式"之界定，为纯形式类的作品找到了很恰当的注解，这也使一般人难以分界：一部舞蹈作品哪些属于形式范畴，哪些属于内容范畴。舞蹈编导的训练就是要能够分得出来舞蹈的形式与内容，但这一点有时会很难。我们在实践中可以发现由于这些不清晰的理解，一般在处理舞蹈的内容问题时，大部分人采用哑剧形式来表述内容，很难用舞蹈动作来表现内容，这就是认识不到舞蹈的形式与舞蹈动作所具有的语言性，由此可以检验出某人对舞蹈内容的认知程度，虽然他舞蹈跳得很好，但不能代表他对舞蹈语言的认知程度就高，这表明舞蹈对于人们来说，"会跳舞是一回事"，而"认知舞蹈则是另一回事"。《中国舞蹈编导形象语言研究》力图解决编导教学中"隐含着的"有关中国舞编导如何锻造"形象语言"的问题，使多种编舞技术、技法在伊始，就介入形象语言观念。同时研究教学实践中的"动作与语言""语言与想象"及"语言与情感""语言与审美"等舞蹈创作的思想观念、行为意旨和创作终极问题。突出中国舞蹈编导的方向特点，针对中国舞蹈创作建立有特性的"形象语言"的创造性编排技术，并由此产生"形象的本体化"舞蹈语言体系，为中国舞蹈创作提供理论和技术支持，建立《中国舞蹈导形象语言研究》应用理论。在社会效益方面，力图通过理论的研究，使舞蹈编导专业的人才培养走上更成熟的轨道，并为今后舞蹈创作在社会上获得更广泛的认同，以及构建一些审美方面沟通与交流奠定有效的理论资源和方法。同时也使得舞蹈创作的理论研究能为中国社会的文化精神需求贡献艺术美育的力量。
中国民间舞是中国传统舞蹈艺术的源泉。风情醇厚、多姿多彩的中国民间舞蹈在中国历史文化长河中世代生息演进,流传至今。
第一，载歌载舞。中国的民间艺术自古以来就有载歌载舞的传统，如汉族北方的秧歌，南方的“采茶灯”、“花灯”，满族的“莽式”，维吾尔族的“麦西来普”，藏族的“弦子”，这些都是载歌载舞的民间舞蹈。第二，广泛利用道具。这些道具有：手绢、扇子、花绸、头上戴的帽子、面具、腰里绑的腰鼓、腰铃、脚踏的高跷，以及各种道具如：伞、灯、刀、剑、棍等。第三，形象鲜明、情节生动。中国的民族舞蹈一般都以一个故事为依据，舞蹈刻画的人物形象生动，活灵活现。第四，自娱与表演的统一。中华民族的舞蹈文化源远流长，上下五千年，记录中华民族舞蹈发展轨迹的文物图像和文字，连绵不断，这在世界文化史上也是罕见的。
好像是手、眼、身、法、步！我也点叫不准了！不知道能不能帮到你！
舞蹈的本质内涵是艺术的一种。人体本身是它的物质载体。是以经过提炼（典型化）、组织（节奏化）、美化（造型化）了的人体动作，为主要艺术表现手段。着重表现语言文字或其他艺术表现手段所难以表现的人的内在深层的精神世界。细腻的情感、深刻的思想、鲜明的性格，以及社会生活的矛盾冲突中人的情感意蕴，创造出可被人具体感知的生动的舞蹈形象，以表达作者———舞者（编导和演员）的审美情感、审美理想，反映生活的审美属性。舞蹈在一定的空间和时间内，通过连续的舞蹈动作过程、凝练的姿态表情和不断流动的地位图形（不断变化的画面），结合音乐、舞台美术（服装、布景、灯光、道具）等艺术手段来塑造舞蹈的艺术形象。舞蹈是一种空间性、时间性、综合性的动态造型艺术。舞蹈作为一种社会审美形态，起源于远古人类劳动生产（狩猎、耕作等）、战斗操练、性爱活动的模仿再现，以及图腾崇拜、巫术、宗教祭礼活动和表现情感、思想、意识等内在精神世界的需要。它和诗歌、音乐结合在一起，是人类历史上最早产生的艺术形式之一。舞蹈艺术的审美社会功能是审美的愉悦性和审美的功能性的统一。舞蹈也是人们进行社会交往、开展文化娱乐、促进身心健康，具有广泛群众性的一种艺术形式。
核心要素是：舞蹈表情，舞蹈节奏，舞蹈构图。舞蹈动作是经过艺术提炼、组织和美化了的人体动作。来源于对人的各种生活或情感动作以及大自然各种运动形态的模拟、变形与加工。
因为生命在于运动，不管什么样的事物都在无时无刻的进行着有规律的运动。如果宇宙中的各大行星不运转的话，我们能有白天和夜的区别吗？动作嘛，也是这个意思，如果你没有精确的动作，没有在老师的指导下胡乱跳，那只能说是四不像啦，而且你有没有觉得，有时候我们观察一个人，是否也是从他的行为举止其观察呢（动作），所以呢，动作主宰者舞蹈的灵魂，也不问过呀，我们苏州紫舞线也是舞蹈之族呀！
现代舞基础理论和创作应用理论术语指舞情、舞律、构图又称动的表情、动的节奏、动的构图德国现代舞理论体系中最先使用舞情和舞律的概念分析舞蹈的基本构成元素，后在欧美和日本的现代舞理论中被发展为三要素说中国舞蹈家吴晓邦首先在国内使用此说，并结合国情做了发展舞情，指舞蹈创作和表演中由人的内在感情所引发的各种动作和姿态，包括面部表情和动作表情舞律，指动作的节律人体舞动在时间和空间中进行，舞情遵循着节奏的规律而运动才能清晰、生动地显现舞律体现于动作的力度、速度、幅度中，展示为动作的强弱、快慢、动静、虚实、大小、刚柔、抑扬等对比性的变化构图，指表演者在固定的空间中用动作、姿态和队形所造成的运动轨迹和图形构图之变化无穷无尽，其核心是艺术家的创作立意，它还受到不同国度、不同民族、不同地区生态环境等因素的影响，反映出不同舞蹈文化传统中的运动思想吴晓邦指出中国传统舞蹈的艺术构图深受对称的平衡和轴心论运动思想之影响；西方现代舞的构图则受到自然平衡法则和矛盾运动思想的制约三要素的相互关系是舞情决定了舞律的动势，舞情只能在舞律中得到外化，二者相合产生构图三要素说原为艺术家们对舞蹈成份所做的客观剖析，吴晓邦将其与人的生理呼吸机制、心理想象机制结合，强调各要素之间的制约关系，使其更接近于音乐的乐理学说
先说一个坏消息，中国“古代”舞（或者古代宫廷舞）因为各种原因早已失传了。好消息是，新中国成立后的1950年，艺术大家欧阳玉倩先生提出，创建一种新舞种——中国“古典”舞，算起来，中国“古典”舞诞生已有70年了，几乎与新中国同年。舞蹈虽然失传，可曾经却熠熠生辉，光照人间！有古人诗词画作为证。唐代《霓裳羽衣舞》飘然转旋回雪轻，嫣然纵送游龙惊。小垂手后柳无力，斜曳裾时云欲生。——白居易白居易惟妙惟肖地描绘了《霓裳羽衣歌》的动人场面：轻盈的旋转、流畅舞步、突然回转身、柔婉的“小垂手”、衣裙如浮云飘起，飘飘欲仙当然，如今我们得见的《霓裳羽衣舞》并非历史的模样，而是当今舞蹈家、艺术家们考证了大量文献、记载，包括白居易这首著名的诗篇，以及绘画、壁画以及砖画，再加上想象、头脑风暴等等因素，再造重现出来的。唐代诗人李群玉在《长沙九日登东楼观舞》为著名软舞《绿腰》写道:南国有佳人, 轻盈绿腰舞。华筵九秋暮, 飞袂拂云雨。翩如兰苕翠, 宛如游龙举。越艳罢前溪, 吴姬停自苕。慢态不能穷, 繁姿曲向终。低回莲破浪, 凌乱雪廪风。堕珥时流盼, 修裾欲朔空。唯秋捉不住, 飞去逐惊鸿。珍贵的《韩熙载夜宴图》/南唐画家顾闳中现藏于北京故宫博物院的南唐画家顾闳中画作《韩熙载夜宴图》，描绘了官员韩熙载家设夜宴载歌行乐的场面，蓝衣女子正在跳《绿腰》，说明《绿腰》在唐朝很流行。急管清弄频,舞衣才揽结。含情独摇手,双袖参差列。騕褭柳牵丝,炫转风回雪。凝眄娇不移，往往度繁节。裙裾旋旋手迢迢，不趁音声自趁娇。未必诸郎知曲误，一时偷眼为回腰。元稹在《曹十九舞绿钿》中也对《绿腰》寄予了无限深情，他迷恋她——那个舞者。公孙大娘《剑器舞》昔有佳人公孙氏，一舞剑器动四方。观者如山色沮丧，天地为之久低昂。燿如羿射九日落，矫如群帝骖龙翔。来如雷霆收震怒，罢如江海凝清光……这是杜甫对唐代舞蹈大腕公孙大娘《剑器舞》大加赞美。都说舞评难写，因为把肢体动作、舞蹈语汇转化成文字，直接让人大喊“臣妾做不到！”可古人写起来，游刃有余，百字不到，一副舞蹈山水就勾勒出来了。接下来，就得写一些枯燥的事儿。一、中国“古代”舞与中国“古典”舞一字之差，含义大不同所谓不同，是从发生学角度看的。中国“古代”舞或汉人宫廷舞是古代产生的，古时候客观存在过的舞蹈，因为朝代更迭、战争变迁等原因，在历史上和现实中失传了，再也看不到原貌。中国“古典”舞是当代产生的、试图还原古时候客观存在过的舞蹈，是一种重建的系统。它是一种当代艺术“再造”的产物，但却代表着经典传统文化。“最好的传承，是活态保护”。尽管中国古典舞并非中国古代舞真正意义上的“活态”，却也担负起传承的重任了。日本能乐和歌舞伎，在广泛吸收中国“古代”舞的养分后，再与本民族传统特性相结合逐渐发展形成。从发生学看，它们产生于1000多年前古代，可时至今日依旧保留着古代日本的审美传统。拥有严格的传承体制，保留了完整的历史文化特征，2008年被联合国教科文组织列为非物质文化遗产。用不着对着历史创伤嗟叹！中国“古代舞”的历史痕迹虽不具体，相信我国舞蹈家们经过艰辛漫长的“文化寻根”后，总有一天中国“古典”舞能将历史的全部原貌展现给世人。现在我们知道了，中国古典舞是今人对中国古代舞的重新构建，旨在还原经典传统文化的精髓。二、遣唐使“拷”走中国唐代乐舞，日本能乐起源可追溯到汉代“散乐”谈起日本舞蹈，首先想到的是日本能乐，其次是歌舞伎，它们是日本最具代表性的传统乐舞，也是国宝。二者都具有综合的舞台艺术形式，集舞蹈、音乐、戏曲于一体，从艺术品格和审美趣味上对日本舞蹈产生了深刻的影响。二者之中又以能乐更为重要。能乐的起源可以追溯到汉代的“散乐”，倒不是说散乐在汉代那会儿就到了日本，而是直到唐代才传入的。遣唐使路线图1）公元8世纪时，孕育了李白、杜甫、白居易的唐朝是一个伟大的时代，胸襟博大，日本派出的遣唐使频繁穿梭于于两国之间，其中尤以阿倍仲麻吕、吉备真备随行的第八次遣唐使最为著名。日本政府对于“公派”人员来中国学习甚是热心，每次派出多达百人以上，有时多至五百人的遣唐使团。中国的律令制度、文化艺术、科学技术以及风俗习惯等，都是遣唐使学习的科目，舞蹈方面，他们几乎把唐代的整个乐舞文化照搬回了日本（奈良时代）。《教坊记》/崔令钦唐朝宫廷舞主要分“健舞”和“软舞”，据唐人崔令钦《教坊记》、段安节《乐府杂谈》记载：“健舞”有《阿辽》《柘枝》《黄獐》《剑器》《胡旋》《胡腾》《阿连》《达摩支》等共12种；“软舞”有《绿腰》《兰陵王》《凉州》《甘州》《苏合香》《垂手罗》《春莺啭》《凉州》《团圆旋》等共13种。《乐府杂谈》/段安节后来到了朱雀天皇承平年间，日本《倭名类聚抄》中记录唐曲132首，其中包含上述软舞的有《团圆旋》《春莺啭》《兰陵王》《甘州》《苏合香》《凉州》6种，健舞有《剑器浑脱》1种。日本唐乐研究家岸边成雄根据中国古代文献整理证明了上述情况。上述史料传递了至上三个信息：1、唐代文化那是很有档次的；2、日本开始对外来文化进行咀嚼与消化；3、日本舞蹈对唐代舞蹈的吸收，偏重软舞，而对健舞接受无能。4、令人诧异的是，唐代人偏爱的软舞《绿腰》，到了日本，却受到冷落。个中原因后面会分析到。盛唐的舞蹈名家有：公孙大娘、杨贵妃、梅妃、谢阿蛮 、张云容等。2）古时候的舞蹈和音乐是不分家的，所以称“乐舞”。其实就连“雅乐”也包含舞蹈，并非纯音乐。雅乐《兰陵王》/日本宫内厅式部职乐部演奏雅乐《兰陵王》日本宫内厅式部职乐部演奏时至今日《兰陵王》在日本依然大行其道，成为日本雅乐演奏最有名、最重要的曲目。雅乐是日本宫廷祭祀时的音乐舞蹈，现在宫廷内仍上演。雅乐节奏缓慢，动作不同于一般的日本舞蹈，保留“剑指”等姿势。所用的打击乐器是鼓，弦乐器有筝、琵琶和琴。负责雅乐演出的部门是日本内阁府宫内厅的式部职乐部，据说这个式部职乐部继承了大约百首雅乐乐曲。难道，就是日本《倭名类聚抄》中记录的唐曲132首吗？3）公元14世纪时，平安时代（相当于中国元朝），对唐代乐舞进行整理、改造，使其成为日本宫廷与民间舞蹈艺术的“养料”。此时，日本能乐基本成型。4）宋元杂剧在能乐成型过程中，施展了一定的影响。比如能乐表演上的虚拟化、强烈的程式化以及对日常生活加以高度凝练、概括和集中的方式。在面具使用上，宋元杂剧后来用勾脸替代了面具，但是能乐依然保留着面具，并将面具分门别类，作为程式化的一部分。日本舞蹈动作高度程式化：如迅速的退后两步表现痛苦，一个轻微的前倾迈步代表喜悦，等等。这与宋元杂剧理念相通。程式化和虚拟化的呈现5）17世纪日本江户初期，歌舞伎形成。“能”执着于王朝趣味，而歌舞伎则追求民众生活，并深深融入庶民社会。作为对宫廷舞蹈的互补，歌舞伎则成为民间舞蹈形式的一种。歌舞伎是作为“能”的逆反者而诞生的。——苏娅《中、日、韩三国古典舞蹈比较研究》歌舞伎与能乐这种冲突互补关系，间接地说明歌舞伎也是被能乐催生出来的。能乐和歌舞伎在日本众多的乐舞形式中影响最深远，是日本舞台艺术的代表，凝练地体现了日本舞台艺术的审美特征和艺术特点。理解了能乐和歌舞伎，就理解了日本舞蹈整体的审美特征，即古拙素朴的艺术风格和偏向于精神世界的美学追求。——闫桢桢（博士 /北京舞蹈学院 ）《东方舞蹈审美论》总之，日本能乐就是中国唐朝文化与日本民族传统特性相结合的产物；进一步说，日本传统舞蹈发展的主要基础，是建立在向中国乐舞文化学习和借鉴之上的。三、一枝拙：日本舞蹈古拙朴素之美日本舞蹈的整体审美特征为“拙”态审美，日本舞者的舞姿造型往往留给观者一种静态的雕琢之美，而不是流动的飘逸之美。——闫桢桢无论能乐还是歌舞伎，所有演员全都是男人，当他们扮演女性时，就带上面具1）节奏缓慢 、落腰、低姿态、脚不离地面相传，日本某代天皇，为了不让平民百姓欣赏能乐，便下令将演出节奏降低四倍，于是成功地设置了欣赏门槛。那些有着一大堆生计等着去做的人们，哪来的闲情逸致去欣赏能乐？于是，能乐成了有钱有闲阶级的专利消遣品。有人拿太极与日本舞蹈文化相比较，认为二者的律动方式有着深刻的内在联系，主要表现在信仰观相连、“气韵”观相通、舞蹈“韵律”与太极“气韵”观相近等。这不是不可能的，6世纪时，日本聘用中国五经博士、医学博士、易学博士等学者到日本。这些学者带去了儒家、医学、占卜等书籍。日本江户时代的学者林罗山就这样讲道：“太极理也，五行气也，太极之中本有阴阳，阴阳之中亦未尝不有太极。五常理也，五行气也，亦然。”日本舞蹈很少有大幅度的腾踏跳跃等激烈动作：行进过程中，全脚掌着地，重心自然垂向大地，拖地而行，表现出一种对土地的眷恋之情。舞蹈姿态一般表现为屈膝半蹲、坐腰、后背挺直、臀部下垂、五指并拢。天竺国之舞浓艳热烈、媚态四射，尤其动作变换多端，令人目眩。日本舞蹈相比之下，不特别强调手势的丰富和多变，除了一些特殊的角色使用特殊的手型之外，大部分舞蹈的手型是五指并拢、自然伸直，没有手指动作的繁复变化。很多舞蹈动作具有固定的程式化套路，没有过多的花哨矫饰，舞蹈中很少出现交叉、扭拧、缠绕等复杂线条的身体状态，它的手臂动作绝不会像印度舞蹈一样上下翻飞令人眼花缭乱，而是多为直线性、单线条的缓慢运动。天竺舞：手舞足蹈，手势繁多朝鲜舞则是在每一呼每一吸之间，保持着仙鹤式的步调和杨柳式的身条，雅致而潇洒；与之相比，日本传统舞蹈基本算是“比划”。日本舞蹈的上身动作显得简洁明确，动作路线十分清晰，动作平稳、节奏缓慢、舞姿柔和但又包含着一种内在的张力。我们还可以与芭蕾舞比较，借此说明日本舞蹈“古拙”的整体气质。芭蕾舞步伐是轻快、跳跃的，日本舞蹈则贴着地面“滑动”或是“蹭行”，基本与地面黏合在一起；芭蕾舞将胯部努力提起，以显示身体的轻盈，日本舞蹈则很强调臀部的下沉。芭蕾舞努力对抗地心引力，体态与动势往上，向着天空，日本舞蹈则是努力贴近大地，将身体的沉稳端庄之态发挥到极限。2）舞蹈是身心修炼：姿态、构、向内观看日本舞蹈不是让人嗨的，更像是坐在一群修禅的僧人中，体会宗教般的力量。你不会心旌摇荡，不会跃跃欲试，而是不由自主观察起内心世界来。不浮夸、不矫饰、不张扬、不随意。日本舞蹈非常强调姿态优雅，几乎到了苛刻的地步，坐姿、行礼、头部动作、颈部动作一样不落。日本人认为：真正的美人，脖子一定要直。颈部线条的造型美感高度展现日本舞蹈魅力。被包裹在厚重的服饰里，全身上下只有颈部与一部分手臂可以裸露，于是日本舞蹈在开发颈部造型美感上下了大力气。颈部与头部的“倾”和角度/颈部造型美感/三道弯保持端正的姿势进行立、坐等动作，这是体现举止、动作优美的关键。“坐左起右”，坐下的时候先将左腿向后撤，然后坐下，而起身的时候则要从右腿开始。行礼时，注视对方，然后上半身向前倾，再慢慢将身体恢复直立状态，将眼睛抬起注视对方。头不能低得太慢，显得过于卑躬屈膝；也不能低得太快，会被认为蛮横无理；最高境界就是不卑不亢，恰到好处。由于身体整个中段的相对稳定，所以日本舞蹈对颈部与头部的“倾”和角度非常重视。那些名家和出色的演员，摆出的姿势看起来似乎轻松自如，漫不经心，但不会给人懈怠之感。 ——花柳千代 《日本舞蹈的基础》每一个动作都是千锤百炼后才展示于人，才会达到“神形合一”的境界。“构"：演出前的身心准备和准备姿势有经验的人在开场和终场时做出“构”的姿势，是别人模仿不了的“拿手好戏”。——花柳千代“构（gou）"在日语中指演出前的身心准备和准备姿势。“构”不仅反映在日本舞蹈方面，其他诸如武术、茶道、花道等艺术都与日本舞蹈息息相通，对于准备姿势都要进行长期的严格的训练，才能达到完美的境界。不同的角色有不同的构，不要小看一个简单的站姿，演员的修养和表演造诣往往就通过一个站姿体现出来。3）昂贵的和服对日本舞蹈的风格具有很强的塑造作用服饰往往形成一种对舞蹈风格的限定和规则，素朴的动作和华丽的服饰、矜持的表情和复杂的情感、丰富的象征意味和一丝不苟的艺术态度构成了日本舞蹈独特的“古拙之美”。能乐装束一般以绢为主要材质，制作厚重奢华。服装以绢为主要材质，制作厚重奢华宽大的袖和长长的褄（qi）：宽大的袖子随着手臂的摆动摇曳生辉，长褄裹住腿部让步伐变得细碎，呈现女性矜持内敛，这是增添舞蹈美感必不可少的部分。和服全部花色与饰物都集中在腰带上：腰带很宽，避免腰部的紧束，在视觉上造成上下“两截”，从而将胸、腰、胯三块儿组成一个整体。这是保证身体端庄优雅的必杀技。4）丰富的道具，用具象表达抽象观念扇子就如同武士的刀一样，是舞蹈中非常重要的道具。注意不能边扇着扇子边上舞台，不能在热天扇扇子乘凉，不能将扇子当做玩具一样玩”。——花柳千代日本舞蹈中使用扇子、手巾、棒、刀、伞、拐杖、斗笠等多种道具。普通的技艺学习中，各个流派基本上都会使用绘有家徽图案的扇子。随着级别的不同，所用的扇子也会发生变化。手巾也是非常重要的小道具，它有很多种用法，例如把它当作船篙，或拭目以表现悲痛的情绪等。日本舞蹈中的扇子在图案和颜色方面也非常丰富，扇子的颜色和图案的画法就多达50余种，根据服装的不同，变换扇子的颜色和图案，日本舞蹈对道具的使用是非常严肃和严谨的。花柳千代强调，“不能乱用扇子。”扇子表现圆形器物扇子在日本舞蹈中作用非常大，大致有以下六种作用。做各种舞蹈前的准备姿势，显示威严；表现指、举、遮等动作；表现自然现象：浪花、风、瀑布、落花、雪、雾等；比拟和模仿各种事物：酒盅、酒壶、烟袋、书信、伞、斗笠、枪、刀、乐器等；借助投扇、转扇等动作，使剧情更加惊心动魄；用来衬托手臂等身体部位的美感。特定的名词动词有特定的舞蹈语言，如：“花落”这个动词的舞蹈语言是手拿扇边从斜上往斜下“8”字绕扇。扇子表现“花落”四、一枝逸：中国古典舞蹈轻柔飘逸之美如果说日本舞蹈的魅力在于朴拙自持的态度，那么中国古典舞的魅力在于轻盈跳脱的意境。影片《十面埋伏》中的两段舞蹈实在惊艳啊！我知道，你要说用了替身王亚彬，可后期剪辑技术如此高超，把刘德华扔豆子作为切换气口，完全不影响舞蹈展现和欣赏。日本舞蹈非常适合拍静态大片，而中国古典舞更应看视频或现场。《仙人指路》当代的中国古典舞以戏曲、武术为框架，并吸取了芭蕾的训练体系，既 有“拧、倾、圆、曲”的美学特点，也有芭蕾“开、绷。直、立”的审美要求，逐渐形成了独特的“身韵”美学。典型的风格特征有：“圆”的艺术、“神形兼备”、“气”的运用等。《佳人曲》1）圆”的艺术：平圆、立圆、八字圆通俗易懂地说，平圆，就是身随手动，手臂伸出在身前，由左到右或由右到左，划出平行于地面的虚拟圆弧线。立圆，则是手臂从下往上划出垂直于地面的虚拟圆线。八字圆，就是划出阿拉伯数字8的弧线。巧的是上面我们谈到，日本舞蹈在表现“花落”时，手拿扇边从斜上往斜下“8”字绕扇。除了动作轨迹有“平圆、立圆、八字圆”之分外，中国古典舞无论是造型还是动律，都能明显地看到“圆”的痕迹。将“圆”的动态拆开来看，可以概括为拧、倾、圆、曲、含、仰、翻、卷；风火轮，探海等舞姿动作以及元宝跳、点翻身等跳转翻技巧都包含这类元素。《仙人指路》2）神形兼备：眼随手动只要手一动，眼睛一定要跟上，眼睛跟上，身上必定跟上，然后你那个‘法儿’就来 了。—— 戴爱莲（著名的舞蹈家）有“韵”就有“味儿”，想要跳出古典舞的“味儿”，就必须把握住“神”，无神则韵散。中国古典舞讲究“神韵”与“身法”的统一，也就是“神形兼备”，要求表演者要“眼随手动”和手眼身法步的互相配合。3）“气”，呼吸也：吸气是“提”，呼气是 “沉”舞蹈呼吸与人醒时的“自然呼吸”一样，吸气“提”，呼气 “沉”；人熟睡时，采用“腹式呼吸”，即吸气“沉”，呼气“提”。练过瑜伽的人会发现，舞蹈呼吸与瑜伽的腹式呼吸相反。“气”很神秘，看不见，摸不着，似乎又早已融于我们的生活中，在中国传统文化中，无论是书法、太极、中医都会提到 “气”。五、浅析中日舞蹈审美意识的异同日本舞姿造型是一种静态的雕琢之美，中国古典舞是流动的飘逸之美。前面03、04的内容直接展现中日舞蹈的美，现在用审美意识加以理性综合分析。审美意识指审美活动中，人对审美对象的能动反映，即广义的美感。审美意识可分为：形态美感和意识美感两个方面。形态美感，是人在外在形状姿态上对美的主观反映和评价；意识美感，是人在内在精神活动上对美的主观反映和评价。1）从形态美感分析第一、中国古典舞主要具有轻柔、线性、变化、旋圆等特点，形态美感的核心是“圆”，包含了外部形式和内涵的审美原则。日本舞蹈则以娴静、柔和、曲线、平稳等特点，形态美感的核心是“稳”。后倾“三道弯”曲线美第二、中国古典舞追求线性的律动美感。日本舞蹈由于本身就沉、静、稳了，所以相当注重静态后倾“三道弯”曲线美的开发，以及我们前面介绍过的颈部曲线美的开发。下肢的踝、膝、胯形成的“三道弯”上肢的腰、胸、颈形成的“三道弯”还有上肢、下肢和腰胯部分共同形成的“三道弯”第三，中国古典舞以腰为形体运动的轴心，“纤腰似柳”，是中国古代评价舞蹈美丑的标准。日本舞蹈不仅不强调腰部的轴心作用，反而要“落腰”。鉴于日本舞蹈不以腰部为轴心，所以，唐代中国人偏爱的软舞《绿腰》，到了日本，却没被选用。第四、中国古典舞流转有韵，在变化中体现轻盈飘逸感。日本舞蹈注重造型美，但不注重动作之间的衔接，缺乏动作与动作之间的延续性。第五、中国古典舞一直以来都非常重视面部表情，突出表现在对眼神的要求上，没有眼神，舞蹈就没有灵魂。日本舞蹈面部表情很少，甚至通常以浓妆和面具淡化、消除表情，不能想象一个日本舞者在舞台上涕泪横流或得意忘形。中国古典舞：以腰部为轴心2）从意识美感分析第一、中国古典舞追求声色悦人、纵情舞蹈和最大程度满足审美愉悦感。日本舞蹈则偏重心性与修行，哀而不怒，悦而不喜，舞蹈不是让人嗨，让人愉悦的。也是，一个有着“茶道”，“花道”，“棋道”的民族，舞蹈似乎也理所应当地追求“道”。第二、中国古典舞似穿上“红舞鞋”般地不断飘旋来激起观者心中的怜爱。日本舞蹈则将“物哀”文化的审美发挥得淋漓尽致。日本孤悬海外，饱受台风、地震、海啸侵袭，对自然力量生出莫名的敬畏感，“物哀”的审美意识逐渐形成。中国地大物博，自然环境优越，地理位置又好，怎可能有“物哀”呢？第三、中国古典舞以虚映实、空灵巧妙、灵动超脱、意味深远。中国文化认为空幻灵动的境界为最高。张法在《中西美学》中谈到，中国文化世界观和宇宙观非常重“虚”而轻“实”，是“以无为本，从无到有”。第四、日本舞蹈“花观半开”、“酒饮微醉”，表现为以“闲寂”为主的“静”，体现“武士道”的隐忍和自制精神。日本文化认为，极度的绚烂伴随着消亡，因此要舍弃“昙花一现”式的极致美，而追求一种适度绵长的中和美。第五、由于步伐的限制，日本舞蹈往往将舞动区域局限于一个很小的空间范围内。前面我们也分析了，日本只选了《剑器浑脱》1只健舞。一方面，健舞刚健，行动矫捷，表演时需要较大的空间；另一方面，不太符合日本的意识美感。殷硕在北京奥运会开幕式表演飞天独舞《丝路》结语我们是幸运的。从奥运会开幕式到春晚这样的重大场合、从古装影视剧到综艺节目，我们都能欣赏到中国古典舞不同视角下和不同层次的美，甚至它已经走进人们的日常生活，成为形体训练、舞蹈美育不可或缺的一部分。（全文完）
华彩中国舞蹈的核心理念是“快乐、科学、健康”。表演性、娱乐性相结合，达到在快乐舞蹈中，完成舞蹈艺术素质教育的最终目的。华彩中国舞蹈考级教材共分10级，适用于4-16岁的少年儿童。其他舞蹈的区别1、教材不同：中国舞蹈家协会的考级教材比较老旧，这是因为在2014年的年底舞协就已经终止了考级培训等教育类职能，因此考级教材也不会再继续更新。华彩的考级教材比较新，因为它是以中国舞协教材为基础来重新进行编创的，所有的考级内容一直都在更新，因此大多数初学者在选择教材时都会优先考虑华彩。2、机构不同：中国舞蹈家协会属于行业协会，最早成立于1949年7月21日，是中国各民族舞蹈家组成、中国共产党所领导的专业性人民团体，简称中国舞协。华彩属于文化部直属单位，是由从中国舞蹈家协会出来的人所创立的，但是相对于中国舞蹈家协会而言会少一些权威性。
新中国第一代专业舞人学习中国古典舞,没有现成的教材和舞目。他们大都是从学习舞蹈性比较强的京剧、昆曲的折子戏入门,老师从戏曲中提炼、整理舞蹈片段,如起霸、趟马、水袖、剑、刀枪把子等,都一一当做教材。所谓“当代中国古典舞”不啻是在教学所需的“逼迫”下,经过几代舞人的艰苦探索,实现了“脱胎”与“再造”。它继承了戏曲、武术等中华传统文化的精粹,提炼了东方神韵的审美特质,借鉴了西方舞蹈体系化构建的经验,融铸成这一舞种的“大概念”。它不限于一种体系(学派),除北京舞蹈学院以“身韵”为核心的中国古典舞教学体系占据主流;还有以复现汉唐舞蹈文化遗存为支撑点的“汉唐舞派”;以敦煌壁画中的舞姿形象为依据的“敦煌舞派”;以及新近从昆曲中提炼、生成的“昆舞”流派。尽管它们在深入开掘、继承传统文化精神和凸显东方神韵方面,有待进一步完善,但我们可以从各个流派的训练体系的相对完整、舞蹈语言的相对自恰、已经累积了以其语言体系为创作基础的优秀舞目等,来验证这个工程的卓有成效。也正是在流派纷呈的发展态势中,展示出“当代中国古典舞”的独特的风景(图11)。在当代中国,超时速蓬勃发展的芭蕾舞及其民族化的成功探索,方兴未艾的现代舞,无不表现出中国文化的包容性、消化力和内蕴风骨。对此之论述,篇幅所限本文不赘。正是在对外来舞蹈文化的汲取、融合中,中国当代舞蹈创作除拥有风格性的民族舞蹈语言、程式化古典舞语言为支柱,还得以运用“掺糅型”、“通用性”舞蹈语言,获得更灵活、丰富的创作手段和更广阔的表现空间。站在巨人肩膀之上的“天之轿子”――当代舞人,若时时领悟先人的恩泽、大师的风范,时代的沐浴,力避动辄自诩“独创”、“首创”的虚妄,把握“自信与自知之明”的心理平衡,将葆有其长久的创造力,必将奉献无愧于伟大时代、具有经久魅力的舞蹈作品。四、结语信马由缰,舞蹈实难概说,只能从文化特征及审美特点上做一宏观概览。话又说回来,忖度舞蹈、亲近舞蹈主要靠“观赏”与“参与”。当我们回味2008北京奥运会开、闭幕式演出中那壮观的舞蹈场景,国庆60周年国家领导人与群众手拉着手联欢共舞的情境,诸此等等,定会感悟舞蹈作用于人的生理、心理的冲击力更直接、更强烈! 正如英国哲学家赫夫洛克•埃利斯所说:“如果我们漠视舞蹈艺术,我们不但对人的肉体生命的最高表现未能理解,而且对精神生命的最高象征也一样无知。
中国古典舞动作形态是以“圆”为核心的，它源自中华民族朴素的、唯物的自然观，“圆”预示着向内寻求“至善”和向外普施“兼爱”，具有包容性和博大的人生修养，预示着人与自然、身心与天地回流不息的和谐状态。在舞蹈“圆”的动态中，由拧、仰、含、腆、移、冲、靠等静态元素，连接起来便形成了“平圆”“立圆”“八字圆”的三圆的运动轨迹，它总是在收与放、静与动、松与紧中求得一种平衡，在动之中特别着意“线”的流畅迂回，在线的流动中又体现身体的节奉、动势、性格、意趣之美。
舞蹈表情： 运用舞蹈手段表现出来的人的各种感情。它是构成舞蹈形象的重要因素之一，也是观众对舞蹈作品进行舞蹈欣赏时获得审美共鸣的桥梁。但是我们所说的舞蹈表情不仅仅是指舞蹈表演者的面部表情。舞蹈是一种人体动作的艺术。因此我们在舞蹈表现人物形象的思想感情时，不但需要面部表情，还需要我们的肢体，通过节奏的变化快慢力度等等来抒发和表现。 舞蹈节奏：舞蹈的节奏都指舞蹈作品中的伴奏，音乐，是舞蹈必不可少却的要素之一。节奏的快慢强弱，构成了我们将要表述的情感。节奏在我们每个人的行为中，形成了不同的风格，节奏之于个体，是人的性格，节奏之于艺术，是作品的风格。舞蹈构图： 舞蹈构图是在舞蹈表演中在一定空间与时间内，对色、线、行等个方面关系的合理布局。空间分为三种，一度空间，二度空间，三度空间。分别指在地面上进行动作，站立进行动作，在双人舞中在对方肩上进行动作。时间是在表演过程中情绪的变化，年轻到老去等等。色主要是服装，灯光，舞美，妆容。线是对舞台路线的合理运用。形讲的是姿态身体的一些。舞蹈基本的三要素分别包含有舞蹈表情，舞蹈节奏和舞蹈构图三个基本要素，舞蹈构图是由舞蹈表演者的表情还有节奏的变化构成得来的，含有空间因素；造型性舞蹈表情是通过舞蹈家创造的人物形象表达人的情感和思想，所以它跟我们一般自然状态下的情绪有所不一样，不只是限于面表情，更加主要的是通过我们肢体的“力度”、“速度”和“幅度”去体现去呈现。这些对比的形式和舞蹈的节奏，结合着表情构成了我们舞蹈上动的构图，通过动的构图，表达了任务形象特定的思想感情，创造出各种美的舞蹈想象空间。 总的来说舞蹈的这三要素相互结合，互相作用，形成了舞蹈艺术独特的表现形式，舞蹈这三个要素缺一不可，但在不同的舞蹈形式表演中却有不同的侧重，例如一般紫玉性舞蹈主要侧重的方向在于节奏，而舞蹈表演的舞蹈则三者结合起来密不可分。
舞蹈艺术的特点：舞蹈是人体动作的艺术，舞蹈的艺术形象必须在空间展现，通过人的眼睛来感受，它和美术中的雕塑一样，都具有空间艺术的特点。同时，舞蹈在表现过程中，又必须在音乐中把人体的动作一个接一个地连接起来，舞姿与舞步都是在流动中构成，具有时间的持续性和顺序性，它又和音乐中乐曲演奏一样，都具有时间艺术的特点。舞蹈不同于其他艺术，它是以人体的动作为表现工具，将空间、时间和动作力度这三个因素结合在一起，形成了舞蹈这门艺术的形式特征。
舞蹈 既是一种肢体语言的表达 也是一种残酷的艺术，每一位舞者都知道只有忍受了舞蹈的疼痛，才能赢得掌声和鲜花，不过舞蹈也是一种感觉，感觉对了也就会让别人领悟了！！！