关于基础美术教育发展问题的若干思考美术教育是基础教育的重要组成部分，对提高全民文化素质有特殊意义。在基础教育中，学生应具备的基本素质主要包括思想品德、劳动技能、身体心理、科学文化和审美等素质，这些素质是一个和谐的整体，缺少或忽略哪一方面都不可能是全面发展的人。《全国学校艺术教育总体规划》指出，中小学艺术教育是素质教育课程体系的主体之一。其目标是以审美为艺术教育主线，以学生才能和智力培养为中心，塑造心灵完美、品质高尚的世纪新人。然而，我国基础教育中美术教育的现状却不容乐观。首先是美术教育的教学模式不完善。美术教学还未形成一种完整统一的适合学生生理与心理特点的教学模式。虽然我国美术教育工作者从20世纪的上半叶就开始进行这方面的探索，比如产生了“情感思维教学法”、“眼高手低教学法”等，但各个地区美术教育工作者还是各自为战，自编教材也大多是根据自身情感因素确定教学内容。这样一来，有很多好的教学经验和教学方法难以及时推广和普及。其次是美术教师素质不高。美术教师对美术教育理论缺乏深入研究，把青少年基础美术教育与成人美术教育混为一谈，单纯强调技巧训练。在一些经济不发达的边远地区，美术教师能力水平很低，很难胜任教学工作。再次是家长对孩子培养也是急功近利，在强烈忧患意识推动下拔苗助长，孩子纷纷踏进教育水平良莠不齐的各种美术学习班，严重阻碍了他们创造性思维的发展，扼杀了他们纯真的天性。《美术教学大纲》明确规定了美术教学的目的、性质和任务，并且要求把美术教学的重点放在提高全体学生的美术素质、审美修养和培养能力、发展智力上；在美术教学中，对学生进行基础知识教育和简单训练的同时，要进一步加强美术欣赏、艺术原理、美学知识的教学，使美术教学向多元知识结构教学转化，真正落实素质教育。美术教育的目的在于培养公民的美的素质。对学生来说，美术教育的目的在于提高学生的文化层次，培养发展学生的能力和智力。教育心理学告诉我们：“艺术教育对促进学生的智力发展和创造力的提高有着十分重要的作用。”许多著名的教育专家对美术教育的功能都有共识，他们认为，美术教育直接的目的是寻找种种机会，利用种种方法训练人们的身心和各种感觉器官，使他们的观察力、记忆力、思维力、想象力、创造力及道德情感等本能逐渐自由生长发育。美术教育除遵循教育学提出的教学原则外，根据美术学科的特点以及目的任务和教学规律，还提出以下具体方法和原则：第一，在观察生活中提高学生的鉴赏力。要重视在教学过程中引导学生直接观察对象，认识对象。现代派代表人物马蒂斯说过：“创造始于观看，而看本身就是一种创造性活动，需要一种努力。”通过观察，培养学生正确的观察方法和良好的观察习惯，培养学生的记忆力，进而促进学生的智力发展。比如，要求学生从记忆观察对象入手，用概括表现方法和观察方法给身边的人画像，从外型到个性夸张中发现个性美，反映人的内心世界。看谁画得好，看谁画得“神似”，利用审美原则和艺术分析手段从直观感觉中获取美的表现语言，获取成功的满足感，激发学习的兴趣，提高审美水平。这是发展学生智力的基本保证。第二，在摹仿中提高想象力和创造性。“教育最伟大的技巧是知所启发”。运用启发式教学在于调动学生积极思考，主动提高自己的能力。针对学生感兴趣的问题，由浅入深地进行传授；开放师生关系，开放教学内容；充分利用美术教育的灵活性、多样性、过程性、实践性等，营造民主、自由、平等、和谐的教育氛围；尊重个性，强化学生主体意识，培养良好的非智力因素，发挥各自的专长。课堂教学要求“教”与“学”的优化，教学过程充分体现学生为主体，主动积极参与教学的全过程，激活学生的原动力，最大限度地把他们的智力潜能发挥出发。比如教师把美术大师作品的风格表现手法等，在课堂上恰到好处地介绍给学生，让学生大胆地临摹这些作品，如毕加索的《和平鸽》、梵高的《向日葵》等作品，仅用几个线条和几个色块就已经内涵深远。引导学生尽情发挥想象力去读懂大师的表现意图。想象力触发创造力，从形象思维入手激发丰富的联想，促进抽象思维发展，突出创造力的培养。
论美术教育应以人的素质发展为核心【摘要】 美术教育观，经历了传统美术教育、表现性美术教育、综合性美术教育、素质发展教育等方面的发展。关于美术教育，我们不能孤立地看它本身，而首先应该把他看成是一种社会需求，一种人的成长需要，只有以人的综合素质发展为目标，才是美术教育的本质。 【关键词】 写实性绘画造型、自我表现性、现代派、艺术知识、创造能力、素质教育、写生课、欣赏课 关于美术教育，我们不能孤立地看它本身，而首先应该把他看成是一种社会需求，一种人的成长需要。因为和艺术紧密联系，我们可以认为它也是一种社会意识形态，是基础的上层建筑。恩格斯曾说“政治、法律、哲学、宗教、文学、艺术等的发展是以经济发展为基础的。但是，它们又互相影响并对经济基础发生影响。”① 在漫长的绘画史中，人们借助解剖学，物理学的色谱规律等知识，已经把绘画中的写实性发展得淋漓尽致。亚里士多德就说，艺术“实际上是摹仿。”车尔尼雪夫斯基甚至提出：“再现生活是艺术的一般性格的特点，是它的本质。”②于是，在很长一段时间里，我们的美术教育注重写实性的绘画造型能力。以专业美术人员的造型能力为目标进行的课程设计，对观察和表现都设定了较高的要求。学生不仅要掌握比例、透视、体积、明暗、构图、质感、色彩等造型艺术的基本知识，还要做到能准确真实地描绘观察对象。这种教学方法作为职业美术教育无可非议，它对造型能力的要求也是美术教育中必须要考虑的。但如果只是简单地，一概而论地把它移植到少儿美术教育上，则往往达不到预期的结果。其中造型技能技巧的难度，是理解力还不强的学生，特别是低龄儿童难以达到的。它容易把儿童已有的艺术直觉，潜意识的艺术创作活动压制下去，使学生的艺术思维局限在某一特定的模式中。事实证明，这种实用主义教育在发展学生的艺术技巧和扩展他们的视野方面不仅没有多大帮助，而且造成很多障碍和危害。在许多国家和地区，视觉艺术教育只强调学生对各种艺术的构成要素，如线条、色彩、形状等的把握和训练。 随后，人们发现自己注重写实的同时也失去了一些人类原本的情感和意识，于是绘画中出现了现代派。法国天主教哲学家马利丹（Jacgu-es Maritain）就说：“要求艺术把描写现实作为主要目的，那就破坏了艺术、、、、、、如果艺术是认识手段，它就会比几何学差得多。”现代派画家不满足于对客观的写实性描绘，他们热衷于这些主观唯心主义理论，把艺术的本质理解为主观的“自我表现”，扬弃纯写实性，追求直觉和潜意识活动，把人的内心的情感、情绪通过外在的形象、符号，用不同于前人、不同于别人的方法进行描画和表现。黑格尔似乎比他们看得更清楚一些：“宗教的意识形式是观念，因为绝对离开艺术的客体性相而转到主体的内心生活，以主体方式呈现于观念，所以心胸和情绪，即内在的主体性，就成为基本要素了。”③ 在美国，由于受杜威教育思想的影响，从30年代起，学校艺术教育就越来越强调培养儿童的个人创造能力和自由表现能力。儿童不再被视为灌输技法和知识的对象，而被视为“儿童艺术家”。在此时的人看来，儿童是以一种天真的和独特的个人视野来观看和表现这个世界。这种倾向后来在美国心理学家和艺术教育家罗文费尔德的著作中得到系统阐述和发展，其影响一直延伸到上个世纪八十年代。儿童由于不受现实经验的约束，也未形成固定的思维模式，他们在绘画中常常画出与人们主观认识相反的形象，恰好与现代派绘画的表现手法有着相似之处，发人深醒，令人喜爱。但他们的这种表现通常有两种结果：一种是自生自灭，原因是受到了客观世界的异化，潜意识的萌动渐渐地消失了。另一种则受到外界对绘画作品像不像标准的指责，自我受到挫伤，渐渐地重新受到客观物象的束缚，原有的主观感受也荡然无存了，这是非常遗憾的。 实际上，这就是重“情”和重“理”的两种不同倾向性的教育。传统美术教育，强调的是科学性、合理性、客观性，是重“理”；而表现性美术教育，则强调主观性、意识和情感，是重“情”。 上个世纪60年代以后，一种综合性艺术教育思潮得到逐渐发展和壮大，至90年代已经成为世界艺术教育主流。实际上，它是对这之前流行的两种主要艺术教育观的综合和超越。有两种看法比较典型：一种认为，艺术教育的重要性在于，从艺术中学生可以学到有关我们自身和世界的知识、信仰和价值，这些知识、观点、体验的意义是任何其他学科不能提供和代替的。因此，艺术教育是学校教育必不可少的和关键的部分。另一种认为，开展艺术教育，不仅是因为艺术本身值得学，更重要的是它还为其他学科的学习带来好处。一方面，艺术为学生的情感表达和创造冲动提供了一个出口，使学生心理更加健康；另一方面，通过艺术进行的普通教育，是更生动活泼的教育，也是最成功的教育。在这种教育中，学生不仅学到应学的知识，而且学得更自然更愉快。这种观点进一步发展，人们又认识到，艺术教育强化了知觉能力和表现能力，进而使其语言交流能力、表现能力、批评性思维、问题解决能力大幅度提高。 早在1977年，美国就出现了一份题为《回到我们的感觉艺术对美国教育的意义》的国情报告，这一报告提出了15条提议，这些提议主要基于这样一种思想“只有艺术变为每个学生在校内外及各个学习阶段上学习生活的核心时，美国教育的基本目标才能实现。”1988年，美国国家艺术基金会又发布了一个报告，题目是《走向文明：关于艺术教育的报告》这一报告把艺术教育的总的目标描述为：使学生接触和学习到人类文明迄今取得的所有富有意义的成就。培养学生的创造力，发展学生的交流能力，使学生具有在批评性价值的基础上做出自我选择的能力。1994年，《美国国家艺术教育标准》出台，这一标准制定出每一个美国年轻人最起码应该掌握的艺术知识和创造能力。它明确指出，任何一个受过教育的人，如果缺少基本的艺术技能和艺术知识的教育，就不算是受到完备的教育。同样，任何一个自称有教养的人，如果不懂艺术，就算不得是一个真正有教养的人。更重要的是，《标准》还确定了今后的艺术教育绝不像过去那样，仅仅是学习画画和唱歌的技能，还包括了从文化、美学、历史的角度分析、欣赏、评价作品的能力和智慧。我国儿童艺术教育家杨景芝先生的儿童艺术教育实践和理论也正是在这种国际大背景中发展起来，她在《美术教育与人的发展》一书中说到：“我试图探索一条适合我国国情的儿童美术教育途径，我不赞成脱离儿童实际的以传授知识技能为目的的美术教育学科中心论，反对用模仿的教学方法压抑儿童创造力。”⑤ 通过对上述几种观点的综合和提炼，加上多年的教学实践，我也越来越清晰地认识到，艺术不仅有利于学生的个性发展和创造能力的发展，还有利于学生的认识能力的发展；艺术教育不仅教会学生画画和唱歌，还使学生有机会接触人类的许多伟大文明成果，对这些伟大成果的知觉、理解、欣赏和评论，有利于提高学生的全面的文化素质。这就是人的发展必然，美术教育就应该以这种发展为核心目标！美术教学中引入综合性艺术教学思想便可帮助学生发展自主意识，充分调动他们的情感情绪，多唯知识系统地投入美术学习，教学中引导学生在绘画活动中以客观物体为引体，充分发挥主观想象，并不断将其补充扩大，从而达到在美术教育活动中发展学生自我意识和培育完善健全人格的目标。 众所周知，当前除了人们常常谈论的经济危机和环境危机外，还有一个精神危机。这一危机的一个最明显的标志，就是现代社会竟然把人自身之感受和理解的最忠实写照的艺术，这种能在人的精神世界掀起狂涛巨浪的艺术，这种被视为人类“最后的精神家园”的艺术，也当成一种商品或人自身在社会中地位的标志和虚假包装物。与之相对应，艺术教育界也兴起一种急功近利之风，许多人甚至把美术教育视为挣钱的行当，美其名曰培养画家，实则是培养能快快挣钱的画匠，少有真正的艺术家气质和人格。 以素质教育为宗旨的教育思想，把美术教育看作是针对全体学生的基础教育。不是培养专业美术人员，而是提高受教育者的审美素质和审美水平。培养他们的艺术性思维和最基本的美术造型能力。综合观教学较好地体现了素质教育的这一宗旨。其原则是借助客观形象，强调主观感受。摆脱了单纯传授造型技能的教学模式和强调写实性的写生教学，它在教学中提倡发挥学生的艺术直觉，在写生作业中，它要求学生不仅仅要观察事物的外在形象而且能联想到与观察对象相关联的其它事物及自己与观察对象之间的某种联系并把它在画面上表现出来。它鼓励学生在观察与表现中不拘泥于客观事物本身，学生可不受客观限制将观察视点扩展，进行自主的表现。学生在创作式的写生作业中学习基本的造型技能。这种教学方法，充分发挥了学生的主观能动性，引发了学生的艺术冲动，培养了审美能力。它使每个学生都能充分展示自己的艺术感受，使每个学生都能自由地表达他对客观事物的理解。这种方法还可以用在美术欣赏课的教学中，从而使学生审美意识和审美水平得以发展。学生在这些活动中确立了自信心，这些活动中没有失败者，每个孩子都能在活动中充分展现自己的艺术感受。表现性美术教学培养的是学生的审美素质、创造性思维能力和最基本的造型能力。具备了这些品质的学生，无论将来他们从事什么职业，都应得益于这种美术教育。美国著名的美术教育学家罗恩菲德指出：“教师的目标是激发更多的思想，扩大参照框架，以便使学生自己的经验内容变得更精确复杂。要做到这点只有向学生提供更多和仔细观察的机会和用于标示和改善鉴别力的必要词汇，并能用发展新观念和观察能力的方式启发他们。而只用一种机械的方式指导他们画画是达不到目的的。”这是罗恩菲德在美术教学中提出的一个革命性观念。它把激发更多的创作思想作为教学目标，把发展新观念和观察能力做为教学目的，它表明用单一的美术教学形式是达不到这一目标和目的的。杨景芝先生也说：“美术学科的课程内容应以学生发展为中心，以学科价值为基础，以适应本国基础教育发展特点为依据，可以通过表现和欣赏两方面教学活动，全面完整体现教育目标”⑥在这一理论指导下，为探求多种不同的美术教学形式，笔者对学生美术课中的写生课作了新的尝试，引导学生按综合性美术教学的要求，观察对象，表现对象：（1）以特征为主线的观察和表现传统写生课的观察，要求学生观察物体的形状、比例等客观属性。是一种以客观性为标准的被动的观察方式。其结果是在观察阶段就制约了学生的思维活动。而对描绘对象特征的变形夸张，则在绘画艺术中比比皆是。这种对事物主体特征的概括把握及在这一基础上对其进行的变形夸张等艺术加工，是艺术审美心理中重要素质之一。在写生“仙人掌”一课的教学中，笔者对教法做了新的尝试和改动。引导学生在观察仙人掌基本形态的基础上，继续观察它的特征——主茎上交错生出许多茎片，茎片上有一组一组向外放射生长的小刺。然后要求学生不拘泥现有的植物形象，充分运用仙人掌的特征，在画面构图上对仙人掌的形象进行任意组合。学生在作业中表现出了十分丰富多彩的构成组合。有的强调仙人掌生长的茂密拥挤，有的突出刺的尖利，有的把一盆花扩展成多盆花，有的则把盆栽的侧人掌“移植”到原始沙漠环境中。学生的画面形态各异，特征鲜明。这种教学思路是：只要求学生掌握对象的基本特征，不做其它方面的具体要求，留给他们更多的空间和表现契机，让学生充分表现自己的直觉感受，任意组合植物生长的状态，置换植物的生长环境。这样的观察与表现方法把学生从纯客观、纯自然的观察与表现手法中解放出来，极大地调动了学生在观察中的主动性，学生不仅观察了解物体本身，还要意识到与它关联的其它物体与环境，从而延伸了学生的视觉空间，使学生的思维发生了质的变化。（2）联想性观察与表现艺术作品的魅力之一就是通过艺术形象引起观赏者种种审美联想。绘画者在其创作过程中也会产生种种联想，并通过他的作品把这种联想与自己的审美情趣表现出来。孩子天真无邪的天性与好奇心，使他们在绘画时更容易产生各种联想。联想性观察就是要求学生在观察物体基本属性的基础上，逐渐忘掉物象的自然属性，联想它的情感或它与其它事物的相通之处，然后再进行艺术上的加工与发挥。在写生“手”这一课上，笔者改变了过去仅引导学生观察手指、掌骨、手腕等解剖部位的做法。而是先用手做了几个不同的姿态让学生联想其代表的情感含义。攥拳头表示愤怒或力量，兰花指表示放松和优美；挑大姆指表示赞许。还通过做手影游戏，引导学生联想手与其它事物的联系。这使学生的思维表现得非常活跃，他们根据不同的手形，通过与其它事物的联想，将手表现为和平鸽，老鹰，大树，蛇群等。赋予手以艺术生命。正如杨丽萍的舞蹈，舞蹈者用人的形体动作来表现孔雀、大树，表现水与火。人体的各种姿态，通过观赏者的审美联想转化为其它形象的艺术再现。什么样的观察将决定会有什么样的表现。如果我们要求学生的观察是建立在纯客观的基础上，就把学生引入一个以客观为尺度的现实世界，表现的结果将比较单一。如果要求学生的观察是带有主观联想性的，我们就能充分挖掘学生潜在的、丰富的内心世界，调动起学生发散性思维活动，使学生运用变形的手法完成对描绘对象的超额观表现。达到“鼓励学生运用发散性思维，超脱常规的成习，去看待我们司空见惯，习以为常的经验世界，发现组织和创造新的形象。”（摘自尹少淳先生语）的效果。使学生的对客观事物的自我感觉能力得到进一步培养，绘画的表现形式进一步丰富，内心的情感表现与绘画能力同时进展。 （3）不同角度的观察与表现 这种观察与表现要求学生不满足于客观提供的条件，还要根据现有的条件将观察范围再扩大，再补充。比如写生“眼睛”，可让学生通过镜子观察自己的眼睛，观察别人的眼睛。看眼睛是由哪些形组成的。然后再观察在瞳孔中看见了什么。进而联想眼睛看风景，看动物等时，瞳孔上会留下什么形象。经过这样的引导，学生的作业产生出各种各样的画面，有的眼睛里装着满天的乌云，有的眼睛里装着洁净的冬天，有的眼睛装着美丽的花朵。还有一名学生画出了眼睛中自己的形象及自己眼睛中映射出的外部世界，生动地表现了大眼睛小世界的特殊关系。超现实性观察用已有的形象作为框架，然后替换其中一部分，再加入还未发生或在异地已经发生的情景作为补充和夸张。作为眼睛的本体这时已经演变为一个具有引体和联想功能的特殊画框，恰似古代园林隔墙上的透窗，为学生的自由联想提供了新的空间。用美国教育学家罗恩菲德的话来说就是扩大经验范围，在新的经验范围内加进已有的旧的经验，使学生感到既新奇又不陌生。激发了学生的思维活动。把静态的形象变为动态的形态。把未来的和将要发生的意念变成现实。使思维跨越时间、空间达到超越现实的神奇意境。这种表现性的写生教学即有一定的写生意义又有大量的创作性活动。是以客观为引体，以主观为主导的实践活动。“把学生的参与化为学习的积极性。”（杨景芝）把学生游戏的天性迁移到绘画活动中。（4）构成式的观察与表现 平面构成是现代美术的产物，它有意打破物象的自然秩序，按绘画者主观审美意识进行重叠组合，具有超然的装饰趣味。在这一思想指导下上人物头像写生这一课。画人物头像较难，人的面部是学生最熟悉的同时也是最难画的。学生的观察易停留在局部，难以把握人物头像的整体和心理特征。根据学生现有的水平，改画完整头像为部分头像，让学生从不同形状的镜子里画自己脸的上半部、下半部、左半部、右半部。然后利用构成的方法把镜子和镜中的形象重叠排列在一起造成好似误入镜子商店，使画面中从镜子里到镜子外都流动着自我的影子。画面效果奇特有趣。这种方法不同于一般的写生，减弱了对形体整体把握的难度，把学生的表现能力转移到对局部形的基本认识和基本表现，强调的是构图上的形式美和思维上的超前，技巧的难度相对降低了，易于学生表现。其结果是构成的组合美感提高了，学生的自主性得到了充分展示和发挥。构成式的表现信息量大，加强了学生的空间想象力，学生可不受时空限制，任意组合画面，但又要遵循形式美的构图法则。 欣赏美术作品是美术教学中重要的组成部分，它是提高培养人们文化修养的有效途径。在学生中开展美术欣赏活动，不能照搬成人美术欣赏的模式，必须依照学生的心理发展阶段和他们的生活经验进行设计，使学生在欣赏他人的作品时，把自己的情感情趣加入进去，与作品、作者、与自己的同伴交流，通过作品，引起联想，教师应鼓励学生大胆地对作品评头论足，使自己成为美术欣赏活动中的主角。学生欣赏一幅作品时，要求他们不仅要了解作品的内容、主题还要看它有什么不足，需要怎样改动和完善。学生纷纷发表自己的见解，把自己的经历感受带进作品欣赏过程中。有了这样的引导欣赏，许多学生对名家名画也敢于提出自己不同的见解和改进意见，无形中增强了自己对艺术作品的理解和艺术感受。参与性欣赏调动了学生的主观性感受，让他们以其亲身感受和经历来体会理解作品，在补充完善作品的同时，完善自己的情感表现，达到与作品交流的境界，避免了以往欣赏课中的被动接受他人情感，而自己则完全是局外人的欣赏模式。教师在参与性欣赏活动中要注重鼓励学生了解作品，并敢于对作品提出自己的看法。让学生了解美术中没有对错之分，只有合理和欠缺之分。对学生提出的合理建议大加赞扬。对有欠缺的想法提出补充和修改意见。对一时提不出什么意见的学生也不要轻意否定。留给学生课外思考的余地，这样有助于维护学生学习的积极性。在美术欣赏课的教学活动中，常常有一些学生不爱发言。原因是当他们看到欣赏主体形象后，产生了思维定势，对欣赏主体形成了一种固定的，先入为主的理解。使进一步的赏析思维活动受到阻滞。针对这一现象，笔者改变了以前先看作品后谈感受的作品欣赏模式，一开始先不让学生看原作品而仅把作品题目告诉学生，让他们讨论该怎样表现这一题目，再让学生翻开书看要欣赏的作品。让学生观察比较什么地方值得自己学习，什么地方自己的想法比原作品要好。这样那些不爱发言的学生也能排除思维定势的影响，加入到欣赏活动中来。 这也是一种积极活跃的因素。它既能联结欣赏者与作者的情感，又能调动和发展学生的情感情趣。它使美术欣赏课的教学活动，从静坐观看的被动模式中解脱出来，使欣赏课变得生动活泼，使学生以自己的感受体会积极主动地参与艺术欣赏活动。欣赏教学活动中，学生在接受了学科知识教育的同时也接受了自信心理的暗示，使他们敢于对名家的作品提出自己的看法和建议，认识到艺术作品中没有唯一的标准，在作者的笔下是结果，在欣赏者的眼中则还可以发展。这也有助于培养学生接纳他人意见和敢于提出问题的良好品德和学习态度。这也是罗恩菲德倡导的统整观念在艺术教育中的体现。素质美术教学鼓励学生对所要描绘的各种物象进行转换夸张。从而创作出新的形象。扩大了学生的经验世界，扩充和完善了他们的知识结构。培养了他们的自主能力。使他们在绘画中不仅获得了精神上的快乐。更是亲身经历了一种不同以往的审美活动。素质美术教学引导学生从各种角度去观察物象，将自己的情感和关注渗透到对静态世界和动态世界的观察中去。它一反以往以机械的、纯客观的态度来观察表现对象的模式。加强了人与物交流，易于培养学生对生活的热情和积极主动的生活态度，有助于建立起受教育者健全的人格。我国美术教育比起其它学科教育要年轻的多。美术教学很难对学生的表现做出量化的标准。但它涉及面很广，涉及到造型技能技巧、审美意识、儿童心理发育，甚至包含一些哲学上的观念与认识。美术教育对学生的潜在影响是其它学科不能替代的。尤其是素质美术教学观念，它已经不是一个单纯的以美术学科自身内容为中心的教学观念。它包涵了美术学科中基本造型要素，美感训练等诸多内容。通过美术的形式从另一层面，另一视角，让学生来观察世界，描绘世界。同时在这一活动中使学生对自我有了新的认识。它将使教师更尊重学生的心理特点和发展规律，摒弃揠苗助长的实用主义观念。尊重学生已有的经验世界。不断在帮助他们充实和扩大学生的经验世界。而不是否定他们或用成人的经验取代他们的经验。尊重学生自主意识。尽可能地留给他们自由发挥的余地和空间。这种教育将不仅给学生用艺术手段表现大千世界，表现他们内心世界的能力，同时也通过这一独特的艺术教育活动促进了学生健全人格的发展。 参考文献：①《马克思恩格斯选集》第四卷，第506页。②《艺术与现实的审美关系》车尔尼雪夫斯基，1979年版中译本， 第109页③《美学》第一卷，黑格尔，1979年版中译本，第132页④《艺术心理学论纲》李正天，引言。⑤《美术教育与人的发展》杨景芝，1999年版，第18页⑥《美术教育与人的发展》杨景芝，1999年版，第76页
中国历代名家 三国两晋画祖——顾恺之在中国绘画史上，魏晋南北朝 ( 公元 420—— 公元 581 年 ) 是一个非常重要的历史时期。长期南北战乱，朝代频繁更替，使当时的文化思想格外活跃，促进了艺术的发展。这一时期的石窟壁画、墓室壁画、石刻、砖刻以及漆画等都已达到相当高的水平，出现了开宗立派的专业画家、书法家，作为奠基中国绘画理论基础的 “ 六法论 ” 也在这一时期提出。在绘画上，被尊为画祖的顾恺之和他的卷轴画最具有代表性。 顾恺之 ( 公元 344—— 公元 405 年 ) 是东晋时期（公元 317—— 公元 420 年）的画家。原名长康，字虎头，晋陵（今江苏无锡）人。出生在一个官僚家庭，年青时做过官，有机会游览各地的风景。他精通诗文，历史上关于他的轶事有不少记载。有一年，当时的都城建康 ( 今南京 ) 城里要修建一座寺庙，主持和尚因找不到资金而没了办法。这时候来了个贫苦的年青人，说要捐一百万钱。主持以为他吹牛，起初不相信。青年人提出要在一面粉刷好的墙上画一幅维摩诘 ( 传说中一个佛教徒 ) 像，可以向前来观看他作画的人征集捐款。就这样，一连三天，观众人山人海，把寺庙挤得水泄不通。等到最后，这个年青人为维摩诘点上眼珠的时候，画上的人物就像活了一样，观众的赞叹声、掌声、欢呼声响成一片。这时募集的钱早超过了一百万。这个年青的画家就是顾恺之。顾恺之画画不仅重视刻画眼神，还特别注意表现人物的特点。有个叫裴楷的人脸颊上有三根长汗毛，别人为他画像时，都不画出来，顾恺之却把这三根汗毛画得特别突出，而强调对象的特征。可见顾恺之善于用特征衬托人物的个性。 《洛神赋图》是根据三国时期曹操的儿子曹植所写《洛神赋》创作。《洛神赋》描绘了曹植与洛神相逢又相别的情节，发挥了高度的艺术想象力。画家注重对人物情态的刻画，山石、树木都富有装饰性。这一作品，与同一时期的敦煌壁画有相近的风格，对后世中国画产生了深远的影响。 顾恺之在绘画理论方面也很有成就，他留下来的论著有《论画》、《画云台山记》等。他主张作画要形神兼备，他提出的 “ 传神论 ” 成为中国绘画的基本理论之一。根据记载，顾恺之的作品有七十多件，他画过历史故事、神佛、人物、飞禽走兽、山水等题材。可惜，现在能看到的只有《女史箴图》、《洛神赋图》和《列女仁智图》三幅卷轴画摹本了，它们是现在所知道最早的卷轴画。 画圣 —— 吴道子 在中国古代艺术史上，有三位艺术家被称作 " 圣 " 人：一位是晋代（公元 265-- 公元 420 年）王羲之，被称为书圣；一位是唐代（公元 618-- 公元 907 年）杜甫，被称为诗圣；还有一位被誉为画圣，那就是唐代的吴道子。 吴道子一生主要活动在唐朝开元、天宝年间 ( 公元 713-- 公元 755 年 ) 。吴道子出生在阳翟 ( 今河南禹县 ) ，小时侯就失去双亲，生活贫困，为了生计向民间画工和雕匠学习，由于他刻苦好学，才华出众， 20 岁时，就已经很有名气。唐代皇帝把他召入宫中担任宫廷画师，为他改名道玄。成了御用画家的他，没有皇帝的命令，不能擅自作画。这样，一方面对他这样一个平民意识很强的艺术家是一种约束和限制，另一方面，他得到了最优厚的生活条件，不再到处流浪，可以施展自己的艺术才华。 吴道子性格豪爽，喜欢在酒醉时作画。传说他在描绘壁画中佛头顶上的圆光时，不用尺规，挥笔而成。在龙兴寺作画的时候，观看者水泄不通。他画画时速度很快，像一阵旋风，一气呵成。当时的都城长安是中国的文化中心，汇集了许多著名的文人和书画家。吴道子经常和这些人在一起，相互促进、提高技艺。 吴道子主要从事宗教壁画的创作，他创作的作品题材广泛，数量也很大。据说寺廊壁画有三百余件，有记录的卷轴画有一百多件。其中佛教、道教题材最多，还有山水、花鸟、走兽等。《送子天王图》这幅画反映了吴道子的基本画风，他打破了长期以来历代沿袭顾恺之的那种游丝线描法。吴道子开创兰叶描，用笔讲究起伏变化，和内在的精神力量。他在创作的时候，处于一种高度兴奋与紧张状态，很有点表现主义的味道。
这个问题太高深了，回答者都可以给你一篇论文了······
我才是房老师，同学们不要随便相信网上的胡言乱语，作业慢慢写，不要急，能down就down
- -南广同学？
同学，老师早就知道百度没有这个题目。如果我发现有类似百度的文章，我会很不客气挂掉你的这门课程。自己仔细想想，头脑风暴一下。老师要你真实的想法。加油。CUCN
房老师真心是好老师，上她的课起码学到很多东西
其它主要参考书目： 1、《美术史的观念》邵宏著中国美术学院出版社 2、《自我的迷宫》顾铮著山东画报出版社2003年版 3、《黄昏后的契机——后现代主义》『英』奥顿奈尔著王萍丽译北京大学出版社2004年版 4、《文艺学美学方法论》胡经之王岳川主编北京大学出版社1994年版 5、《艺术鉴赏讲座》『美』劳丽•S•亚当斯著时易译上海人民美术出版社2004年版 6、《Self-PortraitWithaBandagedEar,VanGogh》J
非艺术在读大学接受艺术教育的重要性摘要：通过对时下最新美术教育新闻及专家对其问题的看法得出美术鉴赏的教育对非艺术在读大学生多方面的重要作用。包括审美教育，学生身心健康及德育方面的重要作用，以及和文化的紧密关联。正确认识专家的建议，充分认识到艺术教育及艺术创造的重要性。关键字：艺术教育，德育，审美，艺术创造，文化（一）时下有关新闻 新华社杭州1月23日专电（张冬素）今后，浙江省的大学生在校期间必须选修一门艺术类课程，并且要通过考核取得2个学分才能毕业。这是记者从省教育厅获悉的消息。日前，浙江省委宣传部、省教育厅、省财政厅出台《关于进一步加强高等学校艺术教育工作的意见》，出台这一规定的目的，就是为了通过各种形式的艺术教育，以全面提高大学生的文化素质，从而更加自觉主动地推动社会主义文化大发展大繁荣。近几年来，浙江省有关部门一直努力全面提高大学生艺术素养。2006年4月，该省启动以“走近大师、聆听经典、陶冶情操、提高素养”为主题的高雅艺术进校园活动。送进校园的高雅艺术从开始时的交响乐、京剧、越剧，扩展到去年送话剧、绍剧等，让近46万人次学生接触到传统艺术。据了解，今后浙江省将继续以优秀经典剧目为主要演出内容，把交响乐、京剧、昆曲、越剧、绍剧、婺剧等高雅艺术送进大学校园，并在大学生中开展艺术专家学术讲座，普及高雅艺术知识。据介绍，本次浙江省有关部门规定的高校艺术选修类课，分限定性和任意性两类，限定性选修课程包括《艺术导论》《音乐鉴赏》《美术鉴赏》《影视鉴赏》《戏剧鉴赏》《舞蹈鉴赏》《书法鉴赏》和《戏曲鉴赏》，每个学生在校学习期间，至少要选修其中1门，并通过考核取得2个学分才能毕业。浙江省要求高校要努力创造条件开齐艺术类选修课程并计入学分。(二)专家看法 著名教育家这样谈论了自己的感受。我老是引用美国的第二轮总统亚当斯的话，他说我们这代不得不在马背上打仗搞政治，是为了让我们的儿子一代搞数学，让我的孙子一代搞音乐和舞蹈。他不是真的讲自己的孙子，自己的儿子，不完全是这样，他就觉得一个人类的目的性的过程，我们这代不得不骑在马背上搞军事搞政治，军事、政治不是人类的终极目标是过程。为了搞科学，为了搞哲学，最美好的人类还不完全是如此。在这个意义上，艺术的地位不可小看。（三）艺术教育的重要作用 美术教学在现代教育中的现实意义和美术在艺术世界的特殊地位不容忽视的，它是人类的亲密伴侣，它和人类的生活息息相关。马克思历来就十分重视审美教育，要求不但要掌握科学，而且要懂得艺术，认为艺术不仅能帮助人们认识世界，而且能鼓舞人们改造世界，去创造美好生活，他曾说过，社会进步就是人类对美的追求的结晶。美术作为一种视觉艺术有其独特的魅力，而美术教育更是一门教育的艺术，在当今素质教育中起着不可低估的作用，对于培养德、智、体、美、劳全面发展的一代新人具有重要意义。1美术教学的德育作用 五育之中“德育”首位，美术教育融“德育”于一体，美术教学通过描绘祖国的大好河山，欣常优秀的美术作品，使人精神振奋与之共鸣，从而产生强烈的教育效果，例如欣赏董希文的油画作品《开国大典》可感受到作者通过构图、色彩、形式表现出了中国人民从此站起来的信心和气魄，自觉产生强烈的自尊心和自豪感激发高涨的爱国热情。欣赏白石老人的国画作品《却教蜂蝶为花忙》透过蜜蜂在凤仙花中飞舞采蜜的忙碌的情景，颂扬了勤奋劳动的精神，歌颂了普通劳动者的勤劳品质，让同学们不仅体会了生活小景中的高雅景致，也激发了学生对劳动的热爱和敬慕。2艺术教育的美育作用 审美教育对人们的潜移默化的影响，历来被许多人士所认可。我国早在西周和春秋时期，在教育内容上就有德、行、艺的内容，实际上包含了德、智、体、美几方面的内容。封建社会晚期，艺术虽未被列为必修课，但“琴、棋、书、画”却一直作为士大夫阶层文化素养方面自我完善的内容之一，我国著名的艺术教育家丰子恺先生曾这样说过：“能用作画一般的心来处理生活，对付人生则生活美化，人世和平。”此为艺术的最大效用，法国雕塑家罗丹说过，生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。美的事物在生活中处处可见，但并不是每个人都能感受到和欣赏的。只有通学习、培养、训练才能使人的审美意识不断提高。3素质方面的作用 （1）有助于发展人的全面思维一个人必须把逻辑思维与形象思维、科学思维与艺术思维有机地结合起来，才能形成高质量、高素质的健全的思维。小时候有想象力，思维得到了健全的发展，以后才能有更好的创作。玩沙子、捏泥人、看蚂蚁搬家，对孩子来讲都是十分重要的，是一个人在成长过程中的必要的营养素。离开了这些，没有童心，没有童趣，缺乏想象力，就很难培养出健全的人格。（2）有助于培养学生健康、丰富的感情世界 教育不能够离开感情，在教育过程中，教育者和被教育者之间必须以感情作为桥梁，作为纽带，才能产生教育的效果。教育离不开感情，感情最能教育人，最能打动人，最能收到良好的效果。艺术教育的特点不仅仅是以理服人，更重要的是以情动人、以情感人。（四） 与文化的重要关联 艺术课程关注文化，其实并不是现在的事情，因为艺术课程始终就没有脱离文化，也不可能脱离文化。区别在于，过去的艺术教育与文化之间并没有形成一个明确的关系意识，也没有如此理直气壮地高呼着走向文化的口号。现在的则以自觉的态度，高唱着走向文化的进行曲，态度张扬地浩浩荡荡地走进了文化。且让我们倾听那震耳欲聋走向文化的进行曲：“艺术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用艺术形式传递情感和思想是整个人类历史中的一种重要的文化行为。……通过对 艺术课程的学习，有助于学生熟悉艺术的媒材和形式，理解和运用视觉语言，更多地介入信息交流，共享人类社会的文化资源，积极参与文化的传承，并对文化的发展作出自己的贡献。”“艺术是人类文化的一个重要组成部分，与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系，因此艺术学习应视为一种文化学习。应通过艺术教育，使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性，人类社会的丰富性，并在一种广泛的文化情境中，认识艺术的特征、艺术表现的多样性以及艺术对社会生活的独特贡献。同时，培养学生对祖国优秀美术传统的热爱，对世界多元文化的宽容和尊重。”“我国的艺术有着悠久的历史和辉煌的成就，与其它国家和民族的艺术共同构成世界艺术的多元文化。艺术是人类文化的重要组成部分，具有人文教育的功能推荐书籍：《美术鉴赏》陈洛家主编；《美术鉴赏：造型艺术美学分析》作者樊林；《中国民间美术鉴赏》孙建君主编；《中外美术鉴赏》朱旗；戴云亮主编：《中外美术鉴赏十六讲》杨淇主编；
关于中外美术院校之美术教育的现状分析◎周浩然黄婵（四川师范大学四川·成都610101）摘要中外当代美术高等教育在专业设置、课程安排、学校与社会、社会与艺术本质的关系等方面的探索和研究具有自己鲜明的特点。文章通过比较中外美术高等教育的现状, 尤其是俄罗斯美术教育，对我国美术高等教学进了改革的设想,期望能给予我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。关键词中外美术高等教育改革文章编号1671-0703(2010)10-198-03由于我国“美术学院”作为我国现代专门的艺术教育机构，无论是从其名称还是其制度来看，都属于西方的“舶来品”。自上世纪50 年代以来，我国的美术教育长期受苏联契斯恰科夫体系影响，虽然在美术改革期间，我国美术高等教育为了适应时代和社会的需要，进行了相关的改革，但是大部分高等美术院校的美术教学在课程设置、教学目标、教学内容和方式等方面仍因循守旧， 学生依然在进行所谓的技术、技巧方面训练，很少地从艺术本质上进行探索和研究。本来服务于人民，服务于生活的艺术成了少数人的“技巧”，这种趋势不容乐观。本文通过对中外最著名的一些美术院校的研究，试图通过中外美术高等教育现状的比较、分析，为我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。一、我国美术高等教育现状我国的美术院校从八大美院到综合性大学的美术学院或者美术系，美术课程的设置大同小异，除了必修的政治理论以及外语等，在专业课上主要开设艺术史论、美术学、各种设计专业，包括计算机多媒体的应用等课程。如上所述，技法、技巧的训练以及计算机的运用依然是美术教学的主要内容。在时间安排上，前一到两个学年主要是基础课，以素描、色彩为主，同时开设国画、油画、设计辅修，目的是学习巩固一些基础知识。后两个学年进入专业课程学习，一般分为美术学、设计、史论三个专业方向，学生根据自己的爱好和专业能力自主选择。创作课几乎没有作系统、整体地安排，大多数学院只是在一个相对集中的时间段里进行毕业创作，在日常教学活动中对于创作少之甚少。当然比较可观的是创作形式现在相对比较自由。古典、现代、抽象、具象乃至装饰画、多媒体可以全面地运用。优点是相比以前丰富了形式，但是缺点依然存在：对于审美规范、审美的标准莫衷一是。对于中国传统的、民间的艺术几乎在学院难以推广，这是中国美术教育的一大憾事，学院派排斥民间艺术，已成为不争的事实。虽然艺术史论等课程普遍开设， 但由于师资力量的匮乏、开设时间过短，教学模式的僵化等原因，一般每门课程只开一个学期，每周一到两节，学生囫囵吞枣，浅尝辄止，仅仅记住一些艺术家和作品的名字，对艺术品的美学内涵和文化脉络缺乏明确了解和整体把握，不能深刻领会作品所传达的艺术精神，甚至只是简简单单地应付考试，所以面对艺术以及艺术作品常常感到茫然，言之无物甚至不少学生感觉到自己只能机械地做选择题。加之学生亲临美术馆、艺术博物馆的机会非常少，学生很少有机会看到艺术品原作。同时学生外出写生、实践的机会非常少，缺乏文化内涵、缺失艺术标准、匮乏源于生活的元素是高等美术教育所面临的主要问题。最后，所谓的到实践中去，也成了一种简单的形式。本应该是艺术教育的一个重要环节，有的照本宣科，有的敷衍了事，甚至有的直接弄虚作假，从而实习失去了实践的真正意义。虽然有关部门意识到了这点，集中安排学生实习，但由于实践基地匮乏，实习学生过多，部分学校老师的片面追求完成任务，最终也没有取得好的成效，这是一个亟待解决的问题。二、俄罗斯美术高等教育现状俄罗斯圣彼得堡列宾国立美术学院是俄罗斯最好的美术学院，它们的美术系代表了俄罗斯美术的最高水平。美术学院最主要的教学任务是：从事严格的美术专业教学活动和培养俄罗斯一流的美术家。主要有绘画系、建筑系、雕塑系、版画系和美术理论系。主要开设素描、色彩、装饰艺术、金属工艺、陶艺、雕塑、造型艺术教学法、电脑绘画、俄罗斯美术史、外国美术史、俄罗斯历史、哲学等课程。在教学安排上，素描和色彩教学（主要指油画）是最主要的学习任务。从大一到毕业都有。一般是早上9 点至11 点进行素描教学，在短暂的午饭时间后，接着进行色彩方面的教学，下午3 点至5 点又是再次素描教学。素描教学活动主教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学199要在室内进行，因为在圣彼得堡漫长的冬季使得他们不得不选择室内教学。解剖课的要求非常严格，经常安排在一张纸上画同一个人头部的正面、侧面和3/4 面，或者在一张头像边上画骨骼和肌肉。学校有一个专门的解剖教室，陈列着人体骨骼的各个部分以及一部分动物骨骼，学生可以随时来此写生，有专门的教师指导，素描作业一般都用索斯、歇比亚、桑基那做底子，做成各种深度的灰调子，人像与环境融为一体，空间感极强，这也是为了与油画课程进行很好的衔接。而在绘画材料上也非常广泛：从炭笔、木炭条、炭精棒到俄罗斯特有的索斯、歇比亚、桑基那，包括色粉笔、蜡笔等。美术教学对构图课极为重视，构图要符合美的规范，反复权衡修改以求获得最佳效果。创作课从大一开始设置，方式是课上辅导、课下画构图、期末总评，手法要求用现实主义方法，题材范围是现实生活、个人生存体验、普希金诗歌、卫国战争、俄罗斯历史与宗教，绝对不允许进行现代艺术以及一些“非艺术的艺术”尝试。教学大纲是高等美术教学的“最高准则”，教学中出现偏差，马上就由教学大纲来纠正，学生学习也有矩可循，老老实实按教学大纲学就是了，可叹的是这种大纲几十年不变。这也和俄罗斯这个民族的传统息息相关。学校注重对学生动手能力的培养，美术系设有工业造型、陶艺、雕塑、木工等实习车间，从图纸设计到制作完成都一丝不苟，从中可以看出俄罗斯学生严谨、扎实的学风，这种对学生严肃认真作风的培养不仅仅是为了制作一两件作品，更是为了让学生形成优良的工作品质与生活品质。其中，他们对中国这种绝大部分的室内教学也曾提过建议，因为中国绝大部分地区都有充足的阳光照射，而不同于俄罗斯。所以他们建议我们国家的美术院校学生，应该把素描、色彩教学更多的集中于室外，感知大自然最纯真的艺术。每年6 月，是毕业生的答辩时间，学生作品分成两部分:一是自己的毕业创作;二是在教学实习中收集的中小学生完成的作业。这是对创作能力和教学能力两方面进行评估。列宾美院还和各地美术院校进行交流，互派学生，反馈毕业生的工作情况，不断对自己的教学计划进行改进和调整。三、意大利佛罗伦萨国立美术学院佛罗伦萨国立美术学院为世界美术最高学府，始创于1339 年，是世界第一所美术学院，开创世界美术教育先河，1562 年正式建立。他们在学院门类较多，有艺术视觉学院、应用美术与设计学院、交流与教育学院、裸体学校。意大利佛罗伦萨国立美术学院上课是丰富多样的。学院安排的课程宛如宴席，学校会统计学生的“消费”，如果达到学校的标准，就准予考试和毕业。学校平时上课时间很多，艺术形式已经不局限于传统，当代的各种艺术形式都有表达和涉及。学校会安排很多活动、画展开幕、电影会、讲座，等等。作为一个学生，必须除去上课之外还得参加各种艺术活动。在各个场所里，这些场所里面有学校的签名单，签名表明学生参加了，然后一块汇总到学院或老师，然后老师和学院再评估学生吸收的养分够不够，作为依据评判、考核学生。表达形式也是各种各样，有动画设计、行为艺术、灯光、理念。在这里一切都是开放的，当然日常的固定上课也是必须的，不过课程会分布在佛罗伦萨各个地点，如博物馆、当代艺术馆、画廊等等。在考试上，每次考试大概有3 名以上的教授在场，然后出示作品、问答、表达观念，教授再讨论、评估、给分。主要考察各个方面，如学生参加课程以及活动次数的多少，学生艺术作品的层次，对艺术作品理解的观念等。另外，学院的老师也非常严谨，对学生的要求非常严格，让学生很难“走后门”，蒙混过关。四、法国巴黎国立高等美术学院国立高等美术学院是法国在美术界最知名的学校，培养了大批优秀的艺术家。该校除了美术、油画之外，还开设有雕塑、计算机图像与录影图像等专业，学制5 年，学生毕业时可以获得DNSEP，国家承认大学四年级文凭（homologubac+4）。学校里传授传统和现代艺术的技巧与理念，目的是培养高水平、多能力的艺术家。学校有1/3 的学生是外国学生，这使得各国的艺术得以充分交流，并积极地影响着学生的艺术水平。学生在画室中工作，每个学生都有专门的教授指导。学生在素描、油画和多媒体3 个方向中选择1 个或多个专业。第一年学生要完成4 个学分，其中一个由教授指定，两个是绘画技术，另一个是艺术理论。学生在5 年内要修完12 个学分才能毕业，其中包括1 篇论文和答辩。同时学校招生非常严格，700 名考生中只有150 人被录取。要求上一年级的学生年龄在18~24 岁之间。首先要提交自己的作品集，作品应在20 份左右，其中至少10 份为原作。在通过对作品的选拔后，学生还要经过3 个考试：实物素描、对一件作品的文字描述与评论、面试。学校接收资格入学，如果考生不到26 岁而且已经完成了大学二年级的学业，那么可以向招生委员会提交自己的作品集，学校根据学生作品的水平在二年级、三年级、四年级中选择一个适合的年级。五、英国皇家美术学院英国皇家美术学院，自从1768 年成立以来迄今已有237年，与意大利佛罗伦萨美术学院，法国巴黎美术学院，俄罗斯列宾美院并称世界最杰出的四大美术学院。皇家美术学院表示有意申请的国内外学生必须具备绘教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学200画、雕刻、数码印刷或摄影专业的学士学位。该校是英国提供这些领域三年进修课程唯一的艺术学院。有数据表明目前该校仅有一名华人学生就读。进入的难度可想而知。这所学校所开设专业几乎涵盖了所有美术以及相关门类。他们追求在于不同寻常地表现在它的艺术并置在一个特定的设计环境和设计在艺术环境。艺术和设计的原则，是对知识的进步，他们的关注到工业和商业的具体流程并认为知识可以产生信念。他们的学生通过分析和问题回答获得奖学金。在学校里，他们不断试验和艺术品和设计创新例子，注重发展的基础项目的研究，鼓励跨学科学习，以促进了快速增长的研究实效。以上是该学校的总体理念。学校的师资要求也很高，绝大多数全职教师，在大学里首先是专业艺术家和设计师。正是这种高要求，在他们学校，作为艺术和设计工作的专业人士认为，只有不断拥抱和不断发展的新思路，才能够将他们的学术工作向前推进。学校每年提供各种讲座，研讨会，大师班，以及个别辅导。他们包括前著名艺术家，设计师，来自在国际舞台的全国知识分子和商界人士会来到大学，因为他们喜欢分享他们的知识和经验。他们认为学生会从中找到灵感，并受益匪浅。这所学校正是采用这种高强度，同时也是高度自由的学习、教学模式。使得他们学制成为世界上最短的。六、我国美术高等教育的教学改革设想了解中外美术高等教育现状，旨在为我国美术高等教育改革提供一些参考意见，推进我国美术高等教育。针对我国当前美术高等教学存在的问题，作者认为可以进行以下几方面的改革：1、文学修养的培养。对于艺术史、文化史，尤其是中国艺术史、中国文化史的学习，应该引起足够的重视。应该让学生对人类各种视觉艺术语言有一个全面的了解，不仅仅停留在“知晓”这个表面层次上，而是深入了解它的社会背景，分析它的艺术时代语言、造型特点，分析画家的思想，为什么要这样创作，懂得这些造型语言在表达现代人的精神感受上的潜在价值。应该鼓励学生提高自己的综合知识修养，经常阅读文学作品和哲学著作，理解并欣赏音乐、舞蹈、戏剧等各种艺术。2、关于绘画题材、内容，我们更应该关注画面所应达到的精神高度，人类艺术从诞生发展到现在，风格手法层出不穷，发生了巨大的变化，但根本的东西没变，那就是质朴、大方、纯正的品格，这种品格在不同的时代通过不同的形式得以体现，每一种形式都烙刻着深深的时代印迹。无论是造型艺术还是非造型艺术，这是一个真理性的共性。3、美术基础教育的过程应该是把视觉艺术史上的一切经验和创造全部介绍给学生，让学生看到造型艺术的多元性。应试教育下的考试制度，使学生过早地甚至一味地陷入单一化、重复化的教学模式中，他们虽然具备一定的造型能力，但通常是闭门造车，形成一种人为的封闭环境。写实造型训练依然是今日艺术院校美术基础教育的最主要内容，这种严格的规范性教学是必要的，通过写实的训练，培养学生把握控制造型语言的能力也是至关重要的。我们不能厚古薄今，但也不能反之。我们应该用更宽泛的眼光审视造型的基础教学，把注意力从准确地再现转移到现代造型语言的认识和掌握上去。对于诸如素描、色彩、速写等，我们除了关注其本身的语言外，更应该注重其精神表达。这些应该不只是是在大学低年级反复强化训练的东西。基本功训练不仅仅是能够准确地再现物象，还应包括结构画面、结构色彩、经营材料的能力，这是当代美术工作者必备的基本能力。比如，作为油画专业的学生，坦培拉技法、古典油画技法、直接画法等专业语言更是必须了解和掌握的。自由开放的造型训练，使学生在技能训练中逐步摸索适合个人精神表达的语言手段，把学生潜在的艺术想象力诱发出来。又如雕塑、建筑等，我们除了掌握最基本的手法、技巧外，应该鼓励学生走出去，学习国内外好的范本，去粗取精，而不是一味地走“样式主义”路线，同时也不是盲目的创新。应该体现民族自身的文化底蕴和内涵。正是所谓“越是民族的，越是世界的”。总的说来，作为美术专业大学生应该掌握以下三种能力：(1)一般具象造型能力，这是指有价值的具象——真正能反映生活的，有价值的特性。(2)对造型中的抽象规律的掌握，严谨、准确地抽出最基本的绘画语言规律。(3)认识当艺术世界的能力，通过学习艺术史了解艺术家如何认识他所处时代的社会生活，又是怎样表现那个时代的生活的，并把这种规律运用到认识当代生活中去。（4）积极主动地学习文化知识，将文化和艺术高度统一。4、应把传统民间艺术列入必修课程并提高学生的动手能力，增强学生的劳动生产技能和社会适应能力。5、加强教学实习基地建设。使美术高等院校与各种艺术单位形成良好的互动关系，及时了解中社会的艺术需求，相应调整学习的教学思路和方向。6、提升师资队伍自身的素质，只有老师有了深厚的文化积淀和熟练的美术技能，才能将其所学传道授业。只是非常重要的一点。参考文献：[1]邢莉自觉与规范中国人民大学出版社，[2]李平俄罗斯学院派素描技法江西美术出版社，[3]孙韬，叶南涅瓦回望人民美术出版社，[4]常锐伦，唐斌美术学科教育学人民美术出版社，[5]
中国美术近代史上最让人难忘的“二徐之争”lijun8886中国历史2008/7/10 14:58:510599复制本帖1929年，国民党政府教育部举办了第一届全国美术展览会，在此期间，当时颇有影响的艺术家：徐悲鸿、徐志摩、李毅士等人之间，展开了一场友好、直率而又针锋相对的争，论争的焦点集中在如何看待西方印象派和野兽派绘画上。这是中国西画发展史上第一次公开的不同艺术观点之间的论争，对当时的中国美术界产生了深远的影响，也在一定程度上活跃了美术界的研究空气，标志着中国西画运动从创作到理论进入了一个新的阶段。这场论争奠定了中国西画向多元化发展的基础，以后诸多艺术观点和主张，都可以在这场论争中找到端绪。在这次美展中由于存在着受西方现代派艺术影响的西画作品，时任中央大学艺术系主任的徐悲鸿拒绝出品参展。并在《美展》第五期发表了一篇题为《惑》的文章，开头便直截了当地说：“中国有破天荒之美术展览会，可云可喜，值得称贺。而最可称贺者，乃在无塞尚Cezanne、马蒂斯Matisse、博纳尔Bonnard等无耻之作。”他在文中肯定了一批[ 转自铁血社区 ]法国画家，如普鲁东、安格尔、达仰、柯罗、米勒、莫奈、杜米埃、德加等，却以“庸”、“俗”、“浮”、“劣”等字眼分别否定了马奈、雷诺阿、塞尚、马蒂斯，并且认为法国现代派画家中“最脍炙人口之美术家，多带几分商业性质”。他声言：“若我国革命政府启其天踪之谋，伟大之计，高瞻远瞩，竟抽烟赌杂税一千万元，成立一大规模之美术馆，而收罗三五千元一幅之塞尚、马蒂斯之画十大间（彼等之画一小时可作两幅），为民脂民膏计，未见得就好过买来路货之吗啡海绿茵。在我徐悲鸿个人，却将披发入山，不愿再见此类卑鄙昏聩黑暗堕落也。”在同一期的《美展》上，发表了徐志摩的《我也惑》一文，徐志摩在这篇长文中首先赞扬了徐悲鸿“不轻阿附”的气节和“你爱，你就热烈的爱，你恨，你也热烈的恨”的直率性格，紧接着，他指出徐悲鸿对塞尚和马蒂斯的谩骂过于言重，并把这种谩骂比之于罗斯金骂惠斯勒。徐志摩认为，塞尚、马蒂斯的画风被中国画家所效仿，“那是个必然的倾向，固无可喜悦，抱憾却亦无须”。他追述了塞伤进行艺术探索的艰苦历程，然后辩解道：“塞尚在现代画术上正如罗丹在塑术上的影响，早已是不可磨灭、不容否认的事实，他个人艺术的评价亦已然渐次的确定——却不料在这年上，在中国，尤其是你的见解，悲鸿，还发见到1895年以前巴黎市上的回声，我如何能不诧异，如何能不惑？话再说回头，假如你只说你不喜欢，甚而厌恶塞尚以及他的同流的作品，那是声明你的品位、个人好恶，我决没有话说。但你却指斥他‘无耻’‘卑鄙’‘商业的’。我为古人辩诬，为艺术批评争身价，不能不告罪饶舌。如其在艺术界也有殉道的志士，塞尚当然是一个。如其近代有名的画家中有到死卖不到钱的，同时金钱的计算从不孱入他纯艺的努力的人，塞尚当然是一个。如其近代画史上有性格孤高，耿介淡泊，完全遗世独立，终身的志愿但求实现他个人独到的一个‘境界’这样的一个人，塞尚当然是一个。换一句话说，如其近代画史上有‘无耻’‘卑鄙’一类字眼最应用不上的一个人，塞尚是那一个人。”徐志摩的这篇文章在《美展》上连载了两期。徐悲鸿、徐志摩之间的争论还在继续，李毅士也在《美展》第八期上著文发表了自己的意见，他在《我不惑》一文中认为：“悲鸿先生的态度，是真正艺术家的态度，换一句话说，是主观的态度。志摩先生的言论，是评论家的口气，把主观抛开了讲话”。他承认：“凭我主观说，我是极端赞同悲鸿先生的态度”。他说自己研究了二十多年洋画，对塞尚、马蒂斯的画“实在还有点不懂”，“假若我的儿子要学他们的画风，我简直要把他重重的打一顿”。虽然他承认塞尚马蒂斯的作品是“十二分的天性流露”，他还是以社会效果为衡量艺术价值的标准反对他们的画风在中国流行。他担心：“如果塞尚和马蒂斯一类的作品在中国有了代价，那末我知道希腊、罗马的古风是再也不会攒入中国的艺术界来。欧洲几百年来的文明，在中国再也没有地位了”。他提出的主张是：“欧洲数百年来艺术的根基多少融化了，再把那触目的作风，如塞尚、马蒂斯一类的作品输入中国来。”针对来自徐志摩的批评，徐悲鸿仍然独执偏见，又在《美展》第九期和增刊上发表同一题目文章《惑之不解》予以反驳。他认为徐志摩之所以竭力为塞尚辩护是“激于侠情的义愤”，因为塞尚“奋励一生……含垢忍辱，实能博得人深厚之同情”。他提出自己的写实主张是“细心体会造物，精密观察之，不必先有什么主义，横亘胸中，使为目障”。他认为：“艺Art Plastignt之元素，为form，色次之”，“形即不存，何云艺乎？”这场争论的产生，有着纷繁复杂的社会文化背景，这一时期内勃然兴起的洋画运动、自由解放的艺术思潮、盛极一时的全国美展等等不一而足的因素，都使得这场争论的产生在所难免。在这一时期内，美术学校纷立，画会蜂起，西画创作队伍日益壮大。随着出洋游艺的先驱们的陆续归国，西方各艺术流派旋即在中国流行开来。画家们各行其是，进行了种种尝试和探索，西画作品的题材内容和表现手法丰富多样。西画家们，或是受师承关系的影响或是出于个人的审美倾向，逐渐形成两大主要阵营：一是写实派，这派画家严肃认真，力求真实地模写自然，如物体轮廓的比例、色调的明暗、人体肌肉的解剖等，丝毫都不敢苟且；另外一派则是现代派，这一派所受西方现代艺术的影响较大，艺术主张不完全一致，他们的画风有的接近印象派，有的接近后印象派，更有一些艺术青年，以火一样的热情，幻想着新奇，以野兽主义标榜，模仿马蒂斯、凡·东根、德朗的画风。可惜他们缺乏严格的训练，狂热和激情还会不时地淹没他们的鉴别力，仅仅停留在表面的抄袭上。时人对西画界出现的这种现代艺术倾向，感慨道：“青年思想之复杂，无过于今日之我国者，正如流水冲激，万马横奔，操纵于其中者，不能执于一定准则”，“画家之思情与感情萦绕时新之创作精神，不受以前之一切羁绊，乃焕然而各放其异彩。”这一时期的上海是中国洋画运动的发端地、中国西画发展的中心，所以原本打算在杭州举办的第一次全国美展最终决定在上海举行。在动荡不安的社会里，上海的确是一个吸引人的地区。上海是来去海外的大码头，更是中国的出版业中心，上海的外国租界也可以为有独立思想的人物提供避难所。继上海美专之后，上海先后出现的美术学校（或系科）、西画家团体有：艺术专科师范学校、神州女学的美术专科、上海大学美术科、东方画会、天马会、晨光美术会等。在同一时期的北京，有国立北京艺术专门学校，杭州有国立艺术院，南京有国立中央大学艺术系，洋画运动也在上述地区有不同程度的发展。[ 转自铁血社区 ]在这场争论中，三位艺术家各执己见，言辞激昂。由于他们各人的经历、所处的环境、艺术观点等方面有种种的差异，在对待西方现代艺术的问题上，自然是话不投机。徐志摩曾经留学欧美，耳闻目睹了潮起潮落的西方诸流派艺术的流变，深谙艺术史。他对塞尚的经历和人格阐述是比较公允客观的，他对徐悲鸿的批评也是中肯的。作为一个新月派诗人，徐志摩也涉足美术评论。在《美展》第二期上，他著文《想象的舆论》对美术革命发表了见解，这和他对塞尚、马蒂斯的认识是一致的。他认为：“凡事一经大变动，往往陷入一种昏迷的状态，你得容他一个相当时期等他苏醒过来，然后看创建有否一种新气象、新来的精力表现。说这时代是革命的或革命性的当然是没有错，但如果我们以此就认为这时代已经完成一个或几个阶段，因而期望甚而责成它在艺术里应有某程度的反映，那我们这前提就不对，结论当然是错。”在《我也惑》一文中，他谈到了技巧与艺术的关系：“技巧有它的地位，知识也有它的用处，但单凭任何高深的技巧与知识，一个作家不能造作出你我可以承认的纯艺术的作品”，真正的美术家应当“凭着绘画的或塑造的形象表现他独自感受到的某种灵性的经验”，“我们不该因为一张画或一尊像技术的外相的粗糙或生硬而忽略了它所表现的生命与气魄。这且如此，何况有时作品的外相的生硬或粗糙正是它独具的性格的表现。”这些独到的艺术见解表明徐志摩不是站在某家某派的立场上，而是站在艺术本体的层次上评价艺术的，当然，徐志摩的“艺术批评是独立的，不容纳道德的观念”这种主张带有“为艺术而艺术”的味道，毕竟远离迫切的现实需要。但是从另一个方面而言，“为艺术而艺术”的理论和创作在特定的历史时期，鼓励个性解放，反对文艺为封建礼教和官僚政治服务，却具有一定的进步意义。况且，艺术毕竟不等同于政治宣言，特别是作为视觉艺术的绘画，并不是非带有政治色彩不可，有些艺术样式，如花鸟画、山水画、静物画、书法等虽然毫无政治倾向性，却广为大众所喜闻乐见。因人生的目的不可能是一个模式，大众也是各种层次，即便是为大众、为人生而艺术，艺术家也有权利选择各种各样的艺术表现形式，因此，艺坛上素有派别之争也就不足为奇。徐志摩反对徐悲鸿的偏见、固执，而要“为古人辩诬，为艺术批评争身价”，道理也在于此。过去一段时期内，徐志摩的文学及艺术批评被一种固执的、孤陋寡闻的偏见所否定。在谈及他和徐悲鸿的这场争论时，往往给他扣上“资产阶级颓废诗人”、“形式主义的卫道士”的帽子，这对英年早逝的徐志摩来说是极不公正的。
纵观当前小学阶段的美术教育，正是学习的启蒙阶段。此时的孩子，由于生理和心理双重因的正常制约，往往在学习过程中，一碰到困难和挫折，便会产生低落的情绪，注意力的持续性比较低，对美术课堂上的创作缺乏了解。这些，使得本应充满活力的艺术学科在孩子面前变得黯然失色。那么，如何克服这种求知的浮躁，让他们爱上这个课堂，使得我们不得不重新审视我们的教育。我们应遵循马克思主义的辨证法来看待教育，弄清内因与外因的辨证关系，明确教育中起决定作用的内因是学生。只有内因得到充分的调动，教育才能培养出具有创新意识、创新精神、创新能力的下一代。下面就结合美术课堂教学来谈一谈如何点燃孩子们的艺术火花，让学生爱上美术课堂。一、 寻找创作的源泉在教学中，我们往往被纯技能、技巧的追求的所垄断，并将此放在教学目标之首位，用它作为衡量美术学科成与否的标尺，在这样一种教学动机的指导下，学生就会跟在教师后面去模仿，他们观察到什么？感受到什么？一切很难找到答案。我认为在美术教学中，首先应考虑的是孩子对生活经验的积累。没有对生活的密切接触、认识、体验，就如同盲人摸象，根本不能理解事物的构造、形象，又何谈有新的创造呢？我在教学“交通工具”一课时，发现有很多学生的作业上出现了多次抹擦的痕迹，还有学生在下面小声地自言自语：“ 我不画了，我不会画！”我感到很奇怪，开始他们一个个兴趣盎然，举着手，争先恐后地告诉我自己知道的交通工具。于是，我把一个原先要画摩托的小男孩找来，问他为什么不想画了，他指着自己只画了几笔的摩托告诉我，不知道那里该怎样画。这时，我才突然领悟：创作源于生活！没有生活中的接触与观察，学生怎么画得出原本的摩托的部件、构造都不明确，难道我还能要求学生凭空来设计、想象吗？那不是闭门造车吗？生活处处有美，艺术就善于从生活中捕捉。而孩子们还不是艺术家，就像一头刚刚学习捕食的小狮子，还必须在母狮的循循善诱下学习捕获，掌握时机。学生的各方面能力正处于发展阶段，潜在的能力需要教师的引导、开发学生对美的感受能力、欣赏能力和评价能力，从而使学生能够感受到生活的美，并从中捕捉到美 ，产生对美的表现欲望，以达到创造美的目标。二、 激起创作的兴趣美术这门学科，从总体上看是大多数学生喜欢的科目。但具体到每一个学生对这节课有没有兴趣、感情有多深、持久性有多长，就要看老师如何调动他们的积极因素激起学生创作的兴趣。
你的美术教育论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？ 老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。毕业论文怎么写？毕业设计和毕业论文是本科生培养方案中的重要环节。学生通过毕业论文，综合性地运用几年内所学知识去分析、解决一个问题，在作毕业论文的过程中，所学知识得到疏理和运用，它既是一次检阅，又是一次锻炼。不少学生在作完毕业设计后，感到自己的实践动手、动笔能力得到锻炼，增强了即将跨入社会去竞争，去创造的自信心。这里仅将我们教研室老师近年指导本科毕业生论文中的体会整理出来，希望能对学生毕业论文有所帮助。选择一个相关的题目，应该是你感兴趣并且和你所学的专业相关的。进行文献检索，查找有关这个主题的所有研究成果，并且进行深入的研究。在广泛的吸收别人的成果的同时，思考自己在这个问题上的观点和看法，这是你能做的最重要的一步。参考科技论文的写作规范，先写出大纲，再增加内容形成草稿，反复修改，最后定稿。需要注意地问题： 标题是文章的眉目。各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。参考文献又叫参考书目，它是指作者在撰写毕业论文过程中所查阅参考过的著作和报刊杂志，它应列在毕业论文的末尾。列出参考文献有三个好处：一是当作者本人发现引文有差错时，便于查找校正。二是可以使毕业论文答辩委员会的教师了解学生阅读资料的广度，作为审查毕业论文的一种参考依据。三是便于研究同类问题的读者查阅相关的观点和材料。
生活在现代生活中的雕塑 摘要:中国雕塑源远流长，发展至近代已陷入低谷。本文简要介绍位于我的高中校园的一件雕塑作品,并且记录了五个不同身份、不同职位、不同年龄的人的理解对这件雕塑的认识和理解，然后我再就这件作品发表了一点自己的看法，围绕这件雕塑展开一个专业和非专业的调查。 雕塑在现代环境中新的生存地位，是一件很值得研究的设计与艺术课题。 随着生活水平的不断提高，人们外出旅游的机会越来越多了。每到一地，人们总会看到这样那样的雕塑：北京天安门广场的人民英雄纪念碑、陕西临潼的秦始皇陵兵马俑、甘肃敦煌莫高窟的彩塑、四川乐山的大佛、江苏南京和丹阳一带的陵墓石雕、香港的回归纪念碑、美国纽约的自由女神、新加坡的鱼尾狮、……。有人要问：怎样欣赏雕塑艺术作品呢？ 雕塑通常被看做是一座城市的坐标。它使我们可以更方便的去了解一座城市，它是城市的透视镜。透过它，我们可以看到这座城市的过去和未来。 天安门广场的人民英雄纪念碑，属石雕、圆雕、纪念性雕塑。纪念碑正面镶嵌着毛泽东主席题写的“人民英雄永垂不朽”八个金字，背面镌刻周恩来书写的碑文，下部四周镶嵌一组浮雕，概括地表现出中国近代革命历史的重大事件。纪念碑是圆雕，可以从四面欣赏，下部的浮雕只能从正面欣赏。 我国陕西临潼的秦始皇陵发掘出的兵马俑群，数量惊人，形体硕大，气势磅礴，震撼了世界。其中的将军俑身高95米左右，不仅是我国最大的俑，而且具有高度的写实性，其形象似以秦军将士为模特儿塑造的，他们的相貌、神情、性格各不相同，有的稳健，有的威猛，有的稚气未脱，甚至可以看出是哪个地区的人。兵马俑真实地再现了每个细节，体现了秦代雕塑家写实的功力。兵马俑的出土，不仅否定了“中国古代雕塑不发达” 的说法，而且以鲜明的雕塑风格和宏大的气势，向世人展示了秦代雕塑的高超艺术水平，即使同时期的古希腊雕塑也没有如此惊人的数量所体现的宏伟气魄和浩大精神的作品。 下面我即将要介绍的是，位于我的高中校园的一件非常漂亮又大气的雕塑。这是一件再平凡不过的雕塑，它没有悠久的历史，没有太多吸引人的外表，但是它在我的心中确实是一件很重要的雕塑。它毕竟陪我走过了三年的高中时光。而这三年也是我很难忘记的。 就这件雕塑，我寻找了五个人。请他们分别谈一谈对这件作品的看法和理解。 第一个人，身份是高三学生，性别男。我的这位学弟认为这件作品，首先它的教育意义很大。因为这件雕塑摆在每天去教室的必经之路上，所以，每天上学都会看到它。因为这件作品的形象非常简单，所以它的表意非常清楚，一看就可以知道。他认为这件作品并不单单只是一件摆设，它对于学生来说还是具有一定的启迪。每次看到它，都会很亲切。学习的时候，一想到它，就会更加用心。它的积极意义很大。 第二位，是一位早已远离高中的大学生，性别女。对于已经不是高中生的这位学姐，她对这件雕塑的印象也是很深。这件雕塑简单易懂。而且它的位置很显眼，位于每天去教室的必经之路上。每天看它一眼，在上学时已经成为了一种习惯。时间长了总会有感觉。所以，毕业这么多年了，怀念高中生活时，还是会想起这件作品。还是很感谢这件作品，可以陪伴她一起走过那么艰苦的高中生活。 第三位，是一位工作在学校的老师，性别男。对于已经在高中校园工作了多年的一位老教师来说，学校的一切都已经再熟悉不过了。这件雕塑也陪伴着他经过了这么多年的风风雨雨。其实，越是熟悉的地方越是没有风景，整天看一件物品，也是容易造成视觉疲劳。不过这件作品，已经基本上成为了学校的标志。它的存在，使得学校变得更有文化氛围。整个气氛就上来了。 第四位，是生活在学校周围小区的一位奶奶，她经常在假期时来学校转悠。这件雕塑对于这位奶奶来说，可以说只是一件摆设品。不过，奶奶还是感觉这件雕塑的颜色还挺鲜艳的，是红色的。老人一般喜欢鲜艳的颜色。总的说来，奶奶觉得这件雕塑总体上还是挺好的。 第五位，是专门在学校收破烂的一位奶奶。也是和同学们一样。奶奶经常会经过这件雕塑的旁边。对这件雕塑，奶奶也是习以为常了。说实话也没有什么不同的感觉。就是它摆在那儿就摆在那儿了，也不会去关心它。因为学校的雕塑很多，也不会去特别注意一件，而且奶奶根本不会去想着件雕塑怎样怎样，只是每天都会经过它罢了。 通过对以上几位来自不同身份，不同职位，不同年龄等人的采访，让我加深并扩展了对这件雕塑的认识。对同一事物，每个人还是有不同的态度的。这件物品是确切存在的，这种差别也是存在的。雕塑在现代社会的存在意义还是值得关注和研究的。 雕塑是拥有很久远的历史的。追溯到远古，雕塑最早称为不动的艺术，迄今所知世界最早的人体浮雕距今已约3万多年。 雕塑一般是运用多种物质材料、多种手段制作的，反映社会生活、表达审美感情的三维实体的造型艺术。是属于纯观赏性的艺术。 雕塑按所用的材料分类，可分为石雕、木雕、根雕、泥塑、陶塑、金属雕塑、石膏像等。按空间形态分类，可分为圆雕、浮雕、透雕（镂空雕）。按功用和置放地点分类，可分为城市雕塑、园林雕塑、纪念性雕塑、室内雕塑、案头雕塑等。由于用途的不同，也分为架上雕塑、纪念性雕塑、装饰性雕塑、建筑性雕塑等。 远看雕塑，首先触目的是“影像”效果，“影像”就是作品形体大的起伏呈现的总体轮廓。这个“影像”可能给人以或是宏伟崇高、或是宁静沉重、或是升腾飞跃、或是活泼可爱。各种雕塑通过自身形体的“影像”，给予欣赏者不同的感受。位于我的高中校园的这件雕塑作品在形体上没有繁琐的细节,整件作品也显得单纯，从而更富有表现力。所以，当人们还没有走近这件雕塑的时候，首先获得的是一个形式美的感受，这就是雕塑特别讲究体积意识的原因。这件雕塑高大厚重，它所显示的矫健有力的外轮廓，给人以难以忘怀的印象，使人产生对于这件雕塑的追忆和丰富联想。 不同的公共场所的雕塑，有不同的文化心理和文化背景。纪念性雕塑，是以重大事件、历史伟人等为题材的雕塑，具有庄严与永久性纪念碑特点。例如天安门广场上的人民英雄纪念碑，南京雨花台烈士纪念碑等。园林雕塑，是置放在公园、街心花园、绿地、水池等处的，是以美化环境为目的的雕塑，具有抒情与活泼的特点。如丹麦哥本哈根海滨公园的《美人鱼》、南京莫愁湖的《莫愁女》等。 雕塑作品的风格应与建筑风格相协调适应，一般来说，现代建筑前的雕塑就应具有现代风格，古建筑前的雕塑应与古建筑相适应。例如石狮置放在古建筑宫殿前非常威武庄严，但置放在现代建筑大宾馆、大商厦门前就不适宜了。 雕塑作品形象单纯，不可能作复杂精细的描绘，所以通常赋予形体以象征性来表达主题，这就是象征意识。中国雕塑多用装饰性较强的人物、动物形象，赋予象征性和寓意性。例如《锚》，作者以“锚”象征充满生机活力的海滨城市大连。汉代霍去病墓雕刻，以“马踏败将”，象征大将霍去病的丰功伟绩。中国住宅建筑门口，以狮子形象寓意镇宅驱邪。古代帝王陵墓前的雕刻，华表象征“王者纳谏”。天禄、麒麟等神兽，象征帝王封建法权的高贵尊严。石马、石羊、石象等，象征驯服与祥瑞。文武侍臣象征仪仗和护卫，折射君臣宗法秩序井然。这些具有象征性和寓意性的雕刻，构成宏大威武的气势，给人以既富丽宏伟又庄严冷峻的感觉，使人产生崇高感，更觉得自身的渺小，达到宣扬封建法权之目的。 现代化的雕塑，要求更为概括、精练和简化的艺术形式与之相适应；现代化的速度、力量、效率这些对视觉来说比较抽象的因素，刺激艺术家去进行抽象美创造的尝试。新材料、新技术的不断产生，为抽象雕塑的创作提供了条件。越来越多的抽象雕塑会将城市环境装扮得越来越美。人们对抽象雕塑的理解能力，也会随着艺术修养的提高而提高。其实，我国不少风景区有许多自然景观就是大自然创造的抽象雕塑，例如黄山奇特的山峰造型，桂林、宜兴溶洞中千姿百态的钟乳石造型等。我国很多古典园林中造型怪异的假山石，更显示出古代工匠杰出的抽象雕塑水平并不比西方的差，细细品味，人们可以产生很多联想，获得审美享受。 雕塑是一面镜子，折射出一座城市的过去与未来。透过雕塑，我们可以更清楚地去认识和了解一座城市。雕塑折射了我们的城市，折射出我们的生活。雕塑，存在于我们的生活中，它是我们城市的形象代言人。希望今后可以有更多的人来关注雕塑在我们现代生活中的生存地位和价值，更多的来关注雕塑与我们的生活