关于毕业论文选题，一般学校是会分配题目到院里，再由院里分给各个导师，导师再分给学生：也有直接院里的题目分给导师再到学生。这样的弊端会有些耽误时间，特别出现有些不负责任的导师就会很烦恼。当然自主选题也是可以的。有想法的学生有可能在很久之前就已经想好题目，早早进行筹备中了。但是大部分学生还是要由导师分配题目。下面是一些音乐类的毕业论文题目，一起来看看。 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达 试论多媒体在声乐教学中的运用 释析巴罗克(古典/浪漫)时期声乐作品的风格特征 试论声乐教育的评价体系 怎样运用歌声传达情感 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲 歌唱艺术中的情感体验与表现 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求 中国古代声乐没血发展初探 童声训练的原则与方法 声乐教学中应注意名族问题 歌唱心理调控在人声训练中的作用 民族声乐歌唱方法探析 美誉与音乐教育 试论童声合唱的训练方法 音乐新课标下的课堂教学方法研究 中小学音乐教育与合唱活动 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育论 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用 二十世纪中国学校音乐教育发展研究 合唱在中小学素质教育中的作用 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养 论中学音乐课堂教学方法的多样性 析理查斯特劳斯交响诗《唐吉坷德》中的引子的主题内涵 论赵元任声乐作品的民族性鱼延长表达以上就是关于音乐类毕业论文选题的相关内容，希望对大家有所帮助，想要了解更多内容，欢迎关注本平台!
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提供一些声乐方面的论文题目，供参考。陕北民歌艺术研究陕北民歌的艺术特色陕南民歌的艺术特色青海花儿之我见秦声初探秦腔音乐特色老腔艺术初探长安乐鼓探究声乐小组课利弊谈如何构建合理的音乐课堂模式11．声乐演唱发展多元化《XXX》作品分析及美学特点XXX作曲家作品风格及特点14．（不同时期）某一时期声乐作品风格特性戏歌初探高师声乐教材民族化与本土化的回归欧洲歌剧与中国戏剧的异同论歌唱中的论声音造型与音乐艺术构思的表现谈个性化声乐技巧在歌唱艺术表现中的作用论歌唱呼吸的艺术运用共鸣训练对声乐技能发展的意义论歌唱情感的艺术表现试论良好歌唱心理的培养论歌唱中的紧张与放松论声情并茂论字正腔圆论“十三辙”与歌唱的民族风格论民族声乐艺术传统的继承试论五四时期中国艺术歌曲的音乐风格及演唱特色从中国歌剧的发展谈歌剧的民族化试论民族歌剧音乐风格的构成浅谈美声唱法的民族化《某歌曲》的艺术处理与声乐表现论宗教题材声乐作品在欧洲传统声乐文化中的历史地位简述宗教题材声乐作品的演唱风格德国艺术歌曲的特点及表现舒柏特艺术歌曲风格与演唱刍议浅谈舒伯特艺术歌曲的音乐特征试论普契尼歌剧咏叹调的艺术特征试论莫扎特歌剧咏叹调的音乐风格试论合唱中色调与协调的辩证关系论童声合唱训练的特殊规律论指挥语汇在合唱艺术表现中的作用谈变声期的生理保护与声乐训练声乐教学中技能教学法与形象教学法之比较声乐集体课教学的问题与对策试论某歌唱家的演唱风格及艺术特色论欧洲艺术歌曲的风格及演唱特点如何将声乐学习作为音乐文化的积累浅论合唱音色变化在作品中的具体运用浅谈三声部合唱作品在艺术师范教学中的适应性浅谈中国合唱发展的群众基础浅谈地域音乐特征在其民歌合唱作品中的表现手法及运用浅谈演唱和声性合唱作品时声部音色的运用及要求浅谈演唱复调性合唱作品时声部音色的运用及要求
浅谈声乐艺术二度创作的要素声乐是一种表达情感的艺术，演员需要通过作品来表达自己的情感。因此，对于一位演唱者来说，要对作品进行二度创作，激发内在感情和外在表情，让歌曲的情绪感染听众。如果一个演唱者的能力强、水平高，作品所带给观众的感觉是非常美好的。相反，如果作品好，而演唱者水平却不够高，演唱组合再努力、再用心，成功的可能性也很小。演唱者是要通过声音把作品的内涵、情感成功地展现在观众面前的，因此被观众接纳，所以，作品的二度创作至关重要。一、什么是二度创作在音乐艺术的创造活动中，音乐创作，即作词、作曲是第一个创造过程，称一度创作。音乐表演，是第二个创造过程，不仅把乐谱上的记载和基本情绪相对，而且在演唱中揭示出了作品深层内涵，显示了自己与他人不同的艺术个性，从而使作品因其演唱而增色的声乐表演就称作二度创作或者叫做再创作。如果说一度创作称为盖房子，那么二度创作就是房子的装修，也是演唱者所能够征服观众的重要手段。二度创作是沿着一度创作主旨方向上的创作，是因演唱而加强一度创作主体的感染力，而不是削弱或改变主题。其次，二度创作应该尊重一度创作的时代背景和民族、地域风格。再者，就是二度创作方案一定要在自己的技术能力许可的范围之内。二、二度创作在声乐演唱中的要素忠于一度创作思路的内容与情感。二度创作绝不是任意、自由和无限制的，它有一个原则和范围。这个原则和范围也就是一度创作和二度创作之间维系的一种辩证统一关系的纽带。因此，二度创作的首要原则就是：必须在一度创作规定内容主体的范围内活动，即不能离弦走板，歪曲内容和作者的基调，违背作者当初创作的初衷。演唱者在演唱一首歌曲是在“解释”原创作的基础上，还要善于在自己的意识中反映出不同的感受。从音乐创作过程来说，作曲家对社会生活的体验通过乐音、歌词加以表现，他们总是或明或暗，或直接或间接地通过音乐作品，抒发对时代生活的感受和种种以情感为核心的内心体验。每首歌曲都凝聚着作曲家的强烈思想感情，作曲家的深情厚意蕴藏在每一个音符之中。特别是由于音乐是以抒发情感为特点的艺术，因此，对作品的内涵与情感的把握就显得更为突出。歌唱者要在诗歌主题和一朵朵音符的花丛中，引发自己的感情，并引申这种感情。歌唱者对歌曲的感受越深，在演唱时的表达则越纯真、越完美。情感想象在声乐中的运用音乐是一种情感艺术，音乐的魅力在于能给人一种驰骋想象的空间。要丰富演唱者的情感体验，就应在实践中充分挖掘音乐形象的情感因素，引导他们由浅入深地去体验音乐的情感。挖掘音乐情感应当引导他们对音乐作品的节奏、旋律、和声、调式和调性有全面了解。从节奏方面看，要掌握好舒展的节奏使人沉静，激扬的节奏使人振奋，战场上催人奋斗的战鼓与节日欢庆的锣鼓都向我们表明了不同节奏所具有的作用。挖掘音乐情感不能忽视音乐的表现手段(速度、音高、力度)对音乐的情感起积极作用，从而懂得表现激动、兴奋、欢乐活泼的情绪是与快速度相结合的。田园风格的比较抒情，则往往与适中的速度相配合，而赞歌、挽歌、沉痛的回忆等则大多用慢的速度。也就是说，同一曲调用不同的速度产生不同的情绪，将生活经验与音乐作品的表现手段联系在一起。掌握作品的风格，突出个性的体现。任何歌唱者，要唱好歌，不能没有良好的演唱技巧和对作品的二度创作。这就要求表演者不仅对音乐作品有自己独到的解释，并且还能够根据自己的条件和特长，找到最适合于自己的表演方式，从而形成独特的个人表演风格。在自我认识的基础上，重新去诠释作品。当然，这种个人风格的体现，决不能失去原作的风格色彩，掌握歌曲的地域、民族风格特点是十分必要的，谁也不应把延边地区的歌曲唱成西藏民歌，把群众歌曲唱成京戏；也不能把俄罗斯的浪漫曲唱得像德国的艺术歌曲。个人风格的体现是在忠实于原作艺术色彩的基础上，发挥表演者的创造个性，是音乐表演的真实性和创造性的结合。声乐艺术中情感的运用是基础，技巧是手段，二度创作是二者的完整统一。只有这样，声乐才能提高到艺术境界，才能感染人，才具有美感。二度创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。作为声乐演唱者一定要好好学习和积累各方面的知识来为作品的二度创作服务。这样，我们的演唱才能打动听众，声乐演唱的艺术道路才会越走越宽。
亚洲的音乐史料及其历史研究状况客家山歌音乐的发展创作手法探讨电视音乐的结构特殊性音乐与诗歌关系”笔谈〔五篇〕_声学论文基督教与西方音乐_声学论文希望对你有所帮助~
对此，本文就已竣工交付使用的广东星海音乐厅的声学设计作出一概要介绍，并就其中的一些声学问题提出个人的见解，供设计参考 关键词：扩场系统 音质 声学问题 星海音乐厅是以人民音乐家冼星海的名字命名的。音乐厅建于珠江之畔风光旖旎的/html/Constructs/20090316/html
（一）合理运用音响设备，发挥音响效果技能。 自然声源发出的功率是有限的。在离声源较远的地方，声压级迅速降低，同时由于存在环境噪声，声音就听不清楚，甚至于完全听不到。因此，在厅堂和广场内要用扩声系统来将演员的微弱音频信号，通过技术处理器传送至听众。而音响合量的好坏不仅和放大设备的技术有关，而且还依赖于声源的声学特性以及传声器和扬声器所处环境的声学条件。在通路的增益足够大时，系统就会失去稳定性并过滤到自振状态。自振频率通常在可听范围内，产生啸叫。这种信号的畸变非常严重地影响舞台气氛的展现音响效果，破坏演员舞台气氛的展现情绪的投入。 长期以来，音响一直混同于扩声，偏重于电声转换和信号的放大。这是由于对声学问题重视不够，忽略了声源和听众周围环境的声学特征以及听觉得心理感觉对音响技师的影响。实践证明，音响效果的好坏，是舞台气氛的展现成功的基础。他能根据不类型的演员嗓音条件，通过高、中、低补偿和音频衰减以及周边设备的调试，而取得理想的音响效果，在演员嗓音条件欠佳的情况下，亦能起到改善和弥补的作用。 音响效果的使用，在舞台艺术中占有十分重要的地位，它是剧情、人物的个性息息相关。效果的出现，不但对演出情境的营造、舞台氛围的渲染、戏剧悬念的设计有着至着重要的作用，而且能使观众在欣赏过程中有一种身临其境的感觉。 （二）注重音响效果的生活性、形象性、可行性 音响效果是舞台艺术的重要表现手段，观众在剧院里除了用眼睛观看，不要用月一朵去倾听。音响效果是听觉上的点染，是辅助演出的另一种艺术手段，从这种意义上来说，音响效果是艺术中的另一种“语言手段”。所以，我们在创作过程中，要重视音响效果的使用。 音响效果既要准确，又要精练。在使用音响时，剧中人物处在不同场所，就要不同处理。我们往往在实践中会忽略这一点：前后音域一样，没有远近之感。有此则相反，一开声音太大，则违背了生活规律。再者，上场与下场的声音大小一样。因此，我们在工作时，首先要领悟剧情，对剧中的人物个性，以及剧情的发展，必须热记，该渲染的必须加以点化，不能误导观念，同时要精练。 （三）音响效果要生动、易懂 既来源于生活，又富有艺术性，使观众在看不到任何形象时，能一听就明自，就要联想，就能将听觉迅速构成一幅画面。任何一种演出样式都是综合性的舞台气氛的展现，每一个舞台形象的再现都是艺术综合的结果。音响效果的综合作用，就是把舞台上具有音响性质的各个部分综合起来，树立一个完整的“音响形象”，在纳入到舞台气氛的整体形象之中，使观众能获得一个可感的立体形象。如果不对舞台音响进行艺术综合，那么，这样的舞台音响必定是单一的、零散的、破碎的。例如在安徒生童话音乐剧《卖火柴的小女孩》中，主角小女孩倦缩在黑暗的墙角时，音响效果出现的风雪声，给观众感觉是一个寒冷的风雪交加，饥寒交迫的场景，随着小女孩划亮一根又一根的火柴，音响效果风雪声渐渐淡弱消失，火柴的温暖赶走了黑暗，驱散了寒冷。由于效果的出现，渲染了舞台气氛，不知不觉地将观众吸引到剧情中去。 五、结论 音响效果在舞台气氛中的作用，逐渐被人们所重视，随着社会的发展，科学技术的不断进步，千变万化的新型音响设备涌现出来，这就要求我们更新观念，接受新事务，掌握新设备的功能和技巧，进一步挖掘和总结经验。一方面，在理论上弄清楚，另一方面，用理论去指导实践，不断提高自身的艺术修养等等。只有这样，才能在舞台气氛中，把音响效果达到理想的最佳状态。让人们观赏完圆满的舞台气氛的展现之后，真正的感受到音响效果是十分重要的，是令人难忘的。在成功的舞台气氛的展现中，音响效果应摆在举足轻重的位置。
对此，本文就已竣工交付使用的广东星海音乐厅的声学设计作出一概要介绍，并就其中的一些声学问题提出个人的见解，供设计参考 关键词：扩场系统 音质 声学问题 星海音乐厅是以人民音乐家冼星海的名字命名的。音乐厅建于珠江之畔风光旖旎的/html/Constructs/20090316/html
任何声音在产生出来之后，接着是传输(包括录制和重放)和接收的问题。乐音的传输是电声学和厅堂声学的内容。乐音的接收，须计及人的心理感受亦即主观评价，这是心理声学的一部分。它们虽不属于音乐声学范围，但却与音乐声学紧密相联，至关重要。录制或重放设备或技术的缺陷，往往会破坏优美动听的音乐节目的色彩；一件原来不够完善的乐器，其声音效果也可通过调音在一定程度上来补救。
太广泛了吧、、、 给你一篇 不协和理念的变异论 一部完整的西方音乐的发展史；如果从某种角度上看也可以视为一部和声发展史；如果再从更细微、更具体的侧面上观察，其实也是一部不协和理念的发展史。从历史的历时态方面来考察，“不协和”的理念永不具备一种静止不变的特征，也绝不会体现着自然界存在的“能”的那种“守恒定律”。用今天符号论的术语来说：它们只是一种“漂浮的能指”；而从共时态方面来考察，“协和”与“不协和”虽然是来自于两极概念的矛盾体，但它们自形成以来就从未间断地在历史发展的“漂浮”运动中相互影响、相互渗透、相互辅佐，甚至互为宾主。 不协和的理念在和声思维上主要是指和音或和弦在纵向结合时给人产生出的一种听觉上的反应，它的属性以及它的本质概念始终伴随着音乐历史发展的轨迹同步迁移，由于和弦结构复杂化而造成不协和理念的变异，对于多声部音乐语言的发展有着最为直接的关系。 在音乐发展的最初阶段，音乐本身就指一种和谐的理论，古希腊数学家，唯心主义哲学家毕达哥拉斯在音乐的研究中认为:“是数的比例构成了和谐，并将此应用到宇宙天体上，认为天体之间也是按照数的比例排列的，因此整个天体就是一个秩序井然的和谐体。”[2] 从古希腊一直到19世纪中叶，关于音乐美学的定义和本质上的概念虽然不断地发展着，但是“美”与“和谐”的统一这一传统的理念却没有实质上的变异。但是如果将视觉角度转移到和声意义的“不协和”理念上来看，“不协和”一词的实质性概念和人们听觉的心理反应始终在替换中发展。“不协和”的理念以及它的实质性差异，是由两方面因素导致的：一是音乐历史的阶段性；二是人们听觉习惯的可变性。二者之间形成了一种互为因果的能动力，使音乐发展中的“不协和”理念不断更新和变异。 首先让我们讨论一下“纯四度”音程，它是一个由协和——不协和——协和，变异性最大的音程之一。在早期多声音乐时期，即“奥伽侬”时期，“纯四度”被认为是协和音程；而到了严格对位时期，它又变成了必须需要解决的不协和音程；即使到了古典音乐时期，如果低音形成的四度关系也通常被认为是不协和音程。[3]当然到了后来“纯四度”音程无疑已被认为是协和音程之一了。 再让我们回顾一下有关三度音程的发展状况。从古希腊开始，八度、五度、四度的协和音程观念就已牢固建立了，在初期的‘奥伽侬’中所谓协和音程也仅限于此。直至13世纪，大三度音程才从不协和音程的行列中挣托出来。而小三度音程在中世纪音乐中，长期以来都被认为是一个不协和和音；一直到巴赫时期，这种观点仍局部地表现出原来观念上的痕迹。如：通常在小调式的作品结束时，用以大三度来代替，形成所谓的“辟卡迪三度”。到海顿和莫扎特时期，才不再对小三度的协和本质发生任何疑问。从这一意义上来说，“所谓的“协和”，不过是随着音乐思维的发展与人们听觉习惯的改变而不断地对“不协和”音程的“解放”而已。”[4]由于三度音的解放，使传统三和弦的出现已成为了一种可能，直至18世纪法国作曲理论家拉莫（Rameau）1722年出版的《和声自然原理论述》总结了前几代人的理论与创作并随着数学、声学理论的发展，以三度叠置结构的和弦构成原则在理论上正式确立。 随着大、小调体系的形成以及和声功能体系的建立与完善，在以三和弦为统治地位的和声王国中人们就不断地尝试着对不协和音的使用，并且在无数作曲家日复一日、年复一年的音乐实践中日益复杂起来。正如勋伯格所说：“不协和音是作曲家们摆脱陈词滥调的原动力。”多声音乐在时间展开的过程中正是依靠和弦间的“协和”与“不协和”的对比获得的。在伯尼（Charles Burney）的《法国与意大利音乐的现状》（1771）中，有一段便是这样的看法。他写着:“不协和音在多声部音乐作品中是必需的，我相信现在没有人会否认了。看来，不协和音对音乐正如明暗色调对绘画同样都是必不可少的；这不仅由于它的反衬与对比作用丰富了协和的声音，而尤其它还是注意力所必需的刺激物……。不协和音给听觉带来一种短暂的难受，留下不满足，甚至不舒服，直至听到某些较悦耳的和音为止……。我确信，只要听觉能力终于得到改进和提高，对它是不存在有什么太强烈的不协和的声音的
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大学音乐鉴赏论文音乐是生活不可缺少的一部分，学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习欣赏音乐是一门很重的课程！在这门课程的学习中学到很多东西。一． 对中国古典音乐的认识在这课程的学习过程中在一定程度上了解了中国的古典音乐，体味到了中国古典音乐的美。笛声的清脆，箫声的深沉，琵琶的铮铮之音，这些我们都从中感受到了华夏之音的美妙，体味到古典的魅力所在。中国的古典音乐是以五音--宫商角徵羽为基础的，中国古代的音乐大家创作了中国独特的音乐形式如今在民间十分流行的是唢呐这种乐器，无论民间的喜事还是丧事唢呐都是一种不可或缺的乐器之一。唢呐作为我国传统的乐器我国的音乐大家创作了优秀曲子如《百鸟朝凤》堪称经典。在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。二． 对西方音乐的认识《命运交响曲》堪称经典，历史上表现命运的音乐很多唯独只有贝多芬用选取了敲门声来表现命运，一声声短促而有力的敲门声显示出生命力的旺盛和与命运抗争到底的决心。“命运”这一主题在贝多芬的演绎下有了另一种境地，成为了历史上无人挑战的经典。同时在这门课的学习中还有欣赏了幽默曲、圆舞曲等，其中印象深刻的是对幽默曲的欣赏，不但一定程度上了解了这个时代的音乐更是在这些艺术家的身上学到了追求理想的不放弃精神和为实现目标不断奋斗的高尚品格。三，传统音乐与现代音乐中国是有着悠久历史的国度，其音乐的发展历史更是一部丰满的史诗。在当今的乐坛最受年轻人欢迎的是Rap音乐，其中周杰伦便是一位现代音乐的代表人，但是即使在人们看来如此现代的音乐人，在他的音乐里我们依旧可以看到传统的音乐元素，如在《菊花台》，这首曲子的结尾用的便是我国云南的传统乐器葫芦丝。再如当今的年轻人所喜欢的歌曲《苏三说》与《One Night in Beijing》更是大胆的吸取了我国传统艺术京剧中的音乐元素，受到人们的欢迎。回归传统是一种趋势，我国是有着深厚文化底蕴。立足于传统并且与现代的音乐元素相结合进行创新这是一种必然。有我国“西部歌王”之称的王洛宾先生是将传统音乐用现代音乐元素演绎的典范，他创作的歌曲脍炙人口，在广大人民群众中传唱。四． 音乐对人的影响音乐由人创作自然表达的是人的情感，音乐的欣赏着便是要在欣赏音乐的过程中体味创作者的情感，从而达到人与音乐的共鸣。《义勇军进行曲》，中国人民内心的坚决，顽强的意志，作曲人满怀的崇高，神圣，庄严都融进那雄壮的旋律之中，无论何时何地听到都热血沸腾，充满希望，让听者蓦地升起对崇高的一团敬畏与仰望。又如在欣赏陈钢、何占豪创作的小提琴协奏曲《梁祝》中，我们可以深刻的感受到梁祝二人真挚的情感，音乐主要以“草桥结拜”、“英台抗婚 ”、“化蝶”为情节展开，大提琴与小提琴交相互应的音乐形式让人印象深刻，欣赏者可以从中清楚的体味主人公的情感。伴随着社会的发展与进步，音乐在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。在日常生活中我们可以深刻的感受到音乐的意义所在。在情绪低落时适合听激情澎湃的音乐如交响曲与进行曲，在心情烦躁的时轻音乐是不错的选择能让人平静下来，认真的思索。五音乐与素质教育音乐的最大功能是从精神上让我们超越有限的生命的围墙，把视野投向另一个关于美的音乐世界。她最奇妙的力量在于让我们日益漂泊的灵魂有回家的感觉，扩充我们生命的宽度和深度，寻找到生命的精神支柱，找到灵魂的归属。近年来，我国大学一直在提倡素质教育，其实是在追求自然科学教育和人文艺术教育的平衡。素质教育建立在和谐教育对素质的全面理解上。因此，素质教育本质上应该是面向全体学生的教育。在这个充满竞争的世界，在这个信息化的时代里，每个人都应该从各方面全面的提升自己，而通过各种科学有效的途径，成为“有理想、有道德、有文化、有纪律”，德、智、体、美等全面发展的社会主义事业建设者和接班人。素质教育其中一个要义就是德、智、体、美的全面发展。于是，我国的各个大学正逐步向综合性大学发展的同时，尤其注意了艺术教育的发展。在大学课程里，艺术不再只是艺术系学生的学习内容，也纳入了普系的教程，艺术成为公共必修课程。当代大学教育中强调素质教育是我国社会经济不断发展的要求，而艺术教育的关注正是人类感情的关注，作为一种意识形态，作为一种感情重要的存储和表达方式，艺术教育为实现素质教育的总体目标提供了生动的教育手段和教育内容成为受教育者最易接受的、最有活力的一种教育形式
首先，通过艺术概论课，我了解了很多艺术方面的知识，音乐的，绘画的，建筑的，舞蹈的……知道了像外国音乐有古典乐派、浪漫乐派、民族乐派、现代音乐等流派；中国画重写意，西方画重写实；希腊式建筑，罗马式建筑，哥特式建筑等风格上的不同……这些艺术常识。 我一直希望自己能成为一个博学的人，一个百科书式的人，这很难，所以才要更努力。多了解些知识总是好的，虽然这并不会在物质上带给我多大利益，但会让我在精神上收获颇丰。通过音乐，绘画，建筑，舞蹈都能看到一个人的小宇宙，看到芸芸众生的不同，或听或赏，便可在一个个艺术家的灵魂世界里徜徉。音乐，绘画……之所以能流传千百年，想来是真切的感动了太多人，这感动历久弥新，穿越国界，穿越种族，穿越时空，今时今日魅力依旧，并将被历史永远铭记。有时你看到一幅画，会有似曾相识的亲切，有时你听到一首歌，会有命中注定的惊叹，这就是艺术带给我们的感动。很难用言语去描述，你只是心里面无比清楚地知道就是它。我享受如此奇妙的际遇，不知道下一刻那一首歌，哪一幅画会把你的心击中，因为未知，才期待。 课堂上老师展示了很多作品的图片，我没有全部记住，但有实实在在地记住了几幅画，看到的第一眼会在心里感叹好美，就像雨后清晨的泥土芬芳，夜幕时分的灯火璀璨，这份美好千金不换。除此之外，很喜欢视频的形式，将聆听音乐和观赏建筑、名画结合起来，趣味加倍，我想这样更能调动起大家学习的积极性。 另外，更重要的是知道了应该保护古建，爱护文物，去游览观光时，作为游客不要在景点乱写乱画。把你的名字刻在建筑上，你也不会因为这样就能和它一起不朽。也真的希望各省市都能保护好当地的文化古迹。自然名胜，人文名胜都一样珍贵。现代化的快节奏追求利益的最大化，短期内来看拆了古建，建高楼大厦能带来巨大的经济利益，长远来看却是永久的损失。经济发展可以慢慢来，稳中求进，文化古迹没有保护好，想复原就太难了。不要让今天做的决定成为无法弥补的遗憾。我想我们能留给子孙后代最好的礼物从来都不是金钱，金钱总会有花光的一天，文化才是要代代传承的。 其次，艺术，在我看来更多的是一种美的享受，美的体悟。也许你没有机会去听音乐会，去看艺术展……但一样可以追求生活细节的美，用爱美的心关照生活。木心先生曾写过一首小诗 《从前慢》 ：“记得早先少年时 大家诚诚恳恳 说一句 是一句 / 清早上火车站 长街黑暗无行人 卖豆浆的小店冒着热气 / 从前的日色变得慢 车，马，邮件都慢 一生只够爱一个人 / 从前的锁也好看 钥匙精美有样子 你锁了 人家就懂了”。我喜欢的便是旧时人的这份诚诚恳恳，用心做事的生活艺术。时光是琥珀，耐心去打磨才能呈现它的光泽。 老师那天推荐的美术馆的陶器展览我去了，很巧做陶器的老先生也在。他坐在屋子的正中央，手边是一个茶壶，一边沏茶一边和桌子对面的学生聊些什么。给我的第一印象是一个亲切随意的人，却又自成一世界，安安静静地享受和自然在一起的时光，然后用手中的泥土将内心感知到的事物从无形化为有形。而我通过他的作品感受到的是一种力，就是自然的手。最喜欢的是那组象征四季的陶器，春夏秋冬，周而复始，力的消长，浮沉。最强大的时候好像有东西会从陶罐里钻出来，迸发的生命力让人赞叹，如夏，最微弱的时候像退潮后的海滩，绝大多数贝壳，行人的足迹都被潮水带走了，但你知道它只是在酝酿下一次的爆发，似冬。我想画家在画画，音乐家在写词作曲，建筑家在雕刻，舞蹈家在编排舞蹈的时候，内心都是一样的吧，一半海水一半火焰，但一定足够静，总要沉下心来细细思量。
《音乐之声》是一部极易看懂的电影，也是一部百看不厌的电影，不管是第一次看还是看过多次，它都能深深的吸引住你的眼球。在电影里，玛利亚是一个不合格的见习修女，在修道院里，在修女们的眼里，她爱惹麻烦，她爬树，吹口哨，头巾下的头发里还带发夹，大逆不道。她让人疼让人恼，是一个谜一样的女孩，她有勇气承担自己的错误，悔过出于真心，她能让修道院里严肃的修女发笑，她是天使，是捣蛋鬼，也是小丑……然而她只是一个普通的女孩子，只是她比别的修女们更加热爱自由，热爱音乐，热爱大自然。修道院院长看到了玛利亚的那颗心，她明白那颗心要与大自然同在，要拥有属于她自己的更广阔的天空，而不能呆在与世隔绝的修道院里。于是，院长介绍玛利亚到萨尔茨堡当上了前奥地利帝国海军退役军官冯·特拉普上校家7个孩子的家庭教师。 电影最能激励我之处，是玛利亚在去特拉普上校家之前作的思想准备。玛利亚是特拉普上校家的第十二个家教，但她对自己有信心，她相信力量不存在数字里，力量不存在财富中，力量存在一夜安眠中，要醒就醒，那是精神，把心交给信心，她对信心更有信心。在我们的现实生活中，很多时候困难、挫折考验着我们的信心，可自信心似乎往往过于脆弱，树立一定自信心是我们克服困难的前提，看过很多关于增强自信心的文章却收效不佳。但是在《音乐之声》的这个场景中，听着从玛利亚嘴里泊泊流动的歌词，看着她大阔步往前走的姿态，不免欣慰，心里也不免阔朗起来，坐在屏幕前微笑着似乎也看到许许多多的困难就那么跨步之间被制服了。 电影里最快乐的情节要数玛利亚与特拉普上校家7个孩子一起相处的时光了。开始虽然孩子们排斥她，捉弄她，在她口袋里放癞蛤蟆，在她的座位下放松果，让她难堪。但她理解孩子们成长中的各种苦恼，她关心他们，帮助他们，引导他们，很快赢得了他们的信任，成了他们的知心朋友。上校准备离家去维也纳，在那期间，玛利亚和孩子们排练歌曲，做游戏，去大自然中游玩，使整个家庭平添了许多笑语、欢乐和生气，充满了音乐之声。当上校回到家里，发现被他当“水兵”训练的孩子们已变成了一个很好的合唱团了，而以前家里冰冷的气氛也变的活泼有生气了，孩子们的歌唱声深深吸引了上校，在玛利亚和孩子们的期待下，这位因丧妻而变得抑郁寡欢的冷漠上校终于拿起吉他，弹起了他最喜欢的那首奥地利民歌《雪绒花》。与父亲拥抱在一起，孩子们终于又找回了慈祥的父亲，特拉普上校也终于感觉到了找回了自己的家，一种久违的幸福感觉涌上心头…… 电影中最感动之处，是玛利亚与孩子们、特拉普上校一起克服困难的种种场景。当玛利亚唤起对特拉普上校的爱情时，她知道上校要与男爵夫人结婚，她留下一封信就回到修道院去了，院长对她说：That you have to look for your life（你必须追寻自己的生命。）她重新又回到了特拉普上校家，追寻自己的生命，她勇敢的去面对，终于和特拉普上校结成伉俪，然而生活中的磨难没有止境，在萨尔茨堡举行奥地利民谣音乐节的当天，上校和玛利亚接到了柏林的来电，命令上校参加纳粹的海军，上校拒绝为纳粹服务，他决不背叛自己的祖国和人民，于是他准备冒险带全家离去。可他和他的全家被置于严密监视之下，在这种情况下他们没有退缩，而是借着参加民谣音乐节的机会，特拉普家庭合唱队在奥地利同胞面前奉献出他们心底里的歌《雪绒花》并带动全场观众加入大合唱，唤起了奥地利人民反对侵略的正义心声和不畏强暴的必胜信念。最后在朋友和修女们的协助下，玛利亚一全跨过了阿尔卑斯山，逃出了多难的祖国，来到了自由之地。 电影落下帷幕，可是那欢快的歌声，动人的场景却将永远印在我的头脑中，鼓舞我向前，将让我学会坚强，不畏惧困难，时刻对生活充满信心，快乐的生活，用自己的真心理解他人，用自己的力量去帮助他人！ 电影《音乐之声》告诉了我，人世间最美好的就是真、善、美！教会我要用善良与充满爱的心去对待身边的人！要热爱自己的祖国！
音乐是一种很神奇的东西无论高低贵贱,我们都有欣赏音乐的自由无论你是高兴或悲伤当你真正用心去聆听音乐的时候你就会忘记生活中的种种得失尽情沉静在美妙的音符之中 音乐是一种心灵的产物音乐是内心感情的一种宣泄因此音乐往往会引起共鸣会勾起你的喜怒哀乐 贝多芬的第九交响曲,就是在他失聪的情况下写出来的试想失去听觉对一个音乐家来说意味着什么可是贝多芬的伟大正是在于他用心去聆听这个世界,聆听自己的命运所以他才能写出那么震撼的交响曲贝多芬正向一个音乐精灵,在他身上我们看到音乐的两个属性-灵性和神奇 我是个感情很丰富的男孩子我认为通常这样的人对音乐的热情会比较高因为音乐本身是种很感性的东西出于对音乐的喜爱我选择了音乐欣赏课这对我来说对音乐的理解和感悟有了种突破也纠正我对音乐的一些狭隘的理解 对于我们年轻人来说通俗流行音乐充满了吸引力和号召力这是因为符合了年轻人的口味但盲目追求流行的同时我们也丢失了一些东西流行中的确有很多好的东西但也有很快餐的音乐现在终于知道老鼠爱大米有多可笑了 第一次那么近距离和静下心来聆听高雅艺术还是在音乐欣赏课那么的震撼感觉心灵受到洗礼忘不了美妙的钢琴曲的声音 我真的喜欢钢琴的声音同时我也觉得自己的欣赏水平的提高 在感受音乐的同时,我们更了解了许多的音乐家其中有天才莫扎特和音乐之父贝多芬上面提过不过他是让人感受最深,心灵震撼最大的一个人我觉得他太伟大了 贝多芬的一生是充满了艰辛与痛苦，但他同样是幸福与永恒的因为有音乐伴随他的一生更影响他的后代 当然我是无法用音乐评论家的角度去分析他的音乐，我只能用心去感受，试图能与贝多芬音乐的灵魂接触，对于一位伟大的音乐家来说，音乐是生命，贝多芬同样如此，音乐是让人欣赏的，但贝多芬耳失聪后，仍对音乐那种至死不悔的精神让我感动。他仍不断的创作，为后人留下了不朽的音乐篇章。此时此刻，音乐是有灵魂的，它飘忽于世界上的任何一个角落。人们热爱音乐，更爱音乐给他们带来的那份感情。 音乐的力量是伟大的，它甚至能拯救人的生命。当然伟大的音乐只能由伟大的音乐家来创造，或许这话过于绝对了，但有一点，音乐是值得我们去付出的，也只有我们去付出了，才会让更多的人来了解音乐，才会让音乐家的生命永恒，让音乐的天使留在我们的身边。每个音乐人都希望有贝多芬那样的成绩，但音乐又是自私的，而是在于每个人对音乐的理解。贝多芬的创作过程也是令人惊讶的，他善于捕捉每个音乐细胞。我想音乐与贝多芬已经合为一体了。贝多芬是音乐，音乐亦是贝多芬。音乐的升华就是生命，或许有一天当我们去拨弄那把无玄琴时，才发觉音乐就在我们身上。其实音乐无所不在关键我们缺乏发现的眼光就是因为音乐的灵性和神奇吧所以不是没个人都能成为音乐家 我看过西区故事,了解了黑人音乐我们这一代人大都或多或少地受到过西方古典音乐的熏陶，或者曾经喜爱过已广泛采用西方音乐体系的所谓中国民歌。我们接受那些起源于白人传统的美国流行音乐来一般不成问题。但摇滚乐的基础有一大半来自黑人音乐，其旋律特点，节奏方式，乃至音调高低等都与西方古典音乐有所不同。黑人乐手十分注重Showmanship。这个词可以译为职业道德。比如，早期的黑人民歌手即使再穷，上台也要穿西装，因为他觉得这是职业歌手起码的装束。后来的黑人摇滚乐手在表演时一个比一个疯，演出服一个赛一个地夸张。这个词还可以译为表演技巧。表现在音乐上，就是对即兴演奏的重视。其实早期的西方古典音乐很重视即兴演奏，据说莫扎特就是一个天才的即兴演奏大师。但后来由于种种原因，西方人把这个美好传统给丢掉了。早期美国黑人乐手的唯一舞台就是酒吧。在那种嘈杂的环境下，面对喝得醉醺醺的听众们，没有什么比一大段出色的即兴演奏更能吸引人们的注意力的了。美国摇滚乐吸收了黑人音乐这一特长，极为重视器乐独奏，在主副歌之间总要来上一大段Solo，极为出彩。这在中国流行音乐中是少见的，这和中国乐手缺乏演出机会有着密切的关系。这些人可以说是后来风靡美国的所谓“另类文化”的开山鼻祖。他们对世界文化的一大贡献就是扩展了人们的视野，鼓励人类第一次越过贫富、阶级和肤色这些表面的差异，挑战已经经历了几千年的许多基本价值观念。不管这种挑战是否有意义，有一点是肯定的：即美国的文化艺术（尤其是摇滚乐）的发展受了他们很大的影响。其中一个最显著的后果就是：人们比过去更能容忍另类的思想和艺术了，甚至从某种程度上说是鼓励个性发展，崇尚标新立意。没有这种态度，没法想象美国摇滚乐在这四十多年里会出现那么多独特的歌手，那么多富有个性的作品，那么多不同的流派。 虽然我们聆听好音乐的时间不多但我真的感觉到了音乐给我们带来的一切不敢想象没有音乐世界是什么样子虽然没有每次都去,可是我去的每次都用心听了感谢老师，感谢音乐欣赏课。我知道以后的时光中能有这样的时间听音乐的时候不多可是我很珍惜这样的机会我在人生的道路上，她将永远伴我向前迈进。我想让音乐支撑起所有的价值和尊严，因为音乐让我多了一份睿智，让世界多了几缕温馨……