个人对艺术的理解论文2000字

黄鸣奋有关数字媒体艺术理论的研究是20世纪90年代中叶起步的。从那时以来，已经在该领域发表论文近百篇，出版著作7部，获得全国高校人文社会科学优秀成果三等奖2项，省级人民政府社会科学优秀成果奖一等奖1项、二等奖2项，副省级社会科学优秀成果一等奖3项。另获省级人民政府优秀教学成果一等奖1项、二等奖1项。该项目的发展大致经历了如下三个阶段：其一，计算机及网络技术在艺术领域应用的理论探索（1996－2000）　1996年率先在全校开设“电脑艺术学”课程（2001年获福建省优秀教学成果二等奖）。1997年在《厦门大学学报》第4期发表论文《电脑艺术学刍议》，1998年又出版专著《电脑艺术学》（学林出版社）。这部书是国内该领域第一部专著。它系统考察了计算机与艺术之间相互渗透的意义，2000年获福建省社会科学优秀成果二等奖，2003年获全国高校人文社会科学优秀成果三等奖。为了弄清数字媒体艺术的来龙去脉，又将研究范围扩大到电影、广播、电视、计算机网络等多种电子媒体与艺术的关系，出版了教材《电子艺术学》（科学出版社，1999）等成果。当时全国的同类研究甚少，学术界有许多人对数字媒体艺术不理解，甚至对其是否值得研究表示怀疑。虽然如此，黄鸣奋没有放弃自己对这一新生事物生命力的信心。其二，数码媒体艺术理论建构的推进（2000－2005）　在这一阶段，数字媒体艺术理论研究列入了我国各级政府部门的社会科学规划，逐渐获得学术界的承认。以此为背景，黄鸣奋主持完成国家社科基金项目《超文本之兴：信息科技与文学变革》（2000－2002）、《因特网与艺术发展》（2003－2005），教育部社科基金项目《网络媒体与艺术发展》，福建省社科基金项目《信息革命与我国文艺理论建设》（1998－2000）、社科基金重点项目《数码媒体与文艺学创新》（2003－2004）。他以传播学为参照系，系统分析了网络媒体的兴起对于传统艺术观念的冲击，出版了专著《比特挑战缪斯：网络与艺术》（厦门大学出版社，2000）；考察超文本、超媒体技术的艺术价值及理论意义，出版了专著《超文本诗学》（厦门大学出版社，2001。2003年获福建省社会科学优秀成果一等奖，2006年获全国高校人文社会科学优秀成果三等奖）；考察虚拟环境中人及智能体活动的艺术特性，出版了专著《数码戏剧学》（厦门大学出版社，2003）；从历史与逻辑相结合的角度阐述现阶段的网络艺术与19世纪以来包括电报艺术、传真艺术、电话艺术、慢扫描电视艺术等在内的电信艺术的联系，出版了专著《网络媒体与艺术发展》（厦门大学出版社，2004。2005年获福建省社会科学优秀成果二等奖）；对信息化过程中所出现的各种以计算机及网络为依托的新媒体艺术进行形态学分类，出版了专著《数码艺术学》（学林出版社，2004。2005年获福建省社会科学优秀成果二等奖）。在研究生教学方面，黄鸣奋、秦俭、巫汉祥联合申报的《信息科技应用：艺术理论与教学实践创新》获福建省优秀教学成果一等奖。其三，追踪世界学术前沿与关注本国艺术产业并重（2005－）　在这一阶段，出版专著《互联网艺术》（文化艺术出版社，2006）。除一般意义上的理论探索外，还加强了与数码媒体艺术有关的产业研究。2005年，黄鸣奋的《互联网与艺术产业》获准为教育部社会科学规划项目。该项目将关注点扩展到经济领域，计划综合运用多学科理论，系统考察互联网对宏观意义上的艺术产业的运营、规范、管理、前景等问题。他已指导研究生完成硕士论文《厦门市动漫产业发展对策研究》，正指导研究生写作以“海峡两岸数字艺术产业比较研究”为题的博士论文。

写作思路：以艺术设计为主题，突出设计的发展和变化，结合感悟。正文：对民族艺术失落的反思：摘要：近些年，“国际化”、“与国际接轨”的说法十分时髦，最雄辩的原因莫过于世界已经全球化。各国民族艺术的交流与融合也在不断加强，外国文化的影响似乎已经已经渗入到我们生活的方方面面，所以才会有我们当代绘画的创作背景已经变成了“国际化”的说法。似乎所有的中国画家作画时都要以“国际”作为背景。在这种思潮影响下，中国的民族艺术逐渐被人们冷落，本文将阐述一些对中国现代艺术发展中出现的崇尚“西化”思潮的评判与反思。关键词：民族艺术国际化评判与反思前言20世纪对于中国来讲是一个特殊的时期，我们的传统文化受到了很大的冲击和伤害。中国绘画的发展尽管取得了很大胜利但也遍体鳞伤。我们的传统民族艺术受到了外来艺术的侵扰，在这种情况下，我们要端正态度，在吸收外来先进艺术的同时也要保护好我们的民族艺术。民族艺术的失落世界上有许多民族，不同民族的艺术之花有着不同的色彩与芳香，随着时代的发展，各民族艺术也在不断的互相影响与融合。面对外来艺术，尤其是西方艺术的融入，我国部分人产生了错误的观点，是我国民族艺术受到冲击，对我国艺术界造成了很大的影响。“85思潮”的躁动85思潮，是指1980年代中期中国大陆出现的一种美术思潮。当时的青年不满于当时美术的左倾路线，厌烦了苏联（俄国）的美术窠臼，厌烦了传统文化里的一些价值观，试图从西方现代艺术中寻找新的血液，从而引发的全国范围内的艺术新潮。对于这场思潮，有不同的观点：一种认为，它给中国美术界带来了新的生机、新的气象与新的文化景观。同时，它还在很大程度上造成了美术界多元化与参与国际对话的局面；另一种观点认为，这场思潮没有立足于本土文化，甚至是一个“全盘西化”的运动。总的来说，八五思潮是一次激烈的反传统的运动，它是在文化大革命造成的深层危机感中产生的。它对当代的美术甚至电影、音乐等的影响是不可估量的。中国绘画的过度西化受“85思潮”的影响，中国当代绘画艺术存在的问题很多，如摹仿性太强，创造性太少，西方性太强，民族性太少，形式追求太强，思想内涵太少等等。从二十世纪上半叶，我们就视西方现代艺术为中国艺术“现代”与否的标准。今天，仍然有部分人视西方当代艺术为中国艺术“当代”与否的标准。他们在进行绘画创作时，过分强调向西方学习，而对传统民族文化继承不够。他们受西方后现代艺术的影响，否定传统，否定过去，视西方艺术为“世界先进文化的前进方向”，认为西方的就是世界的，认为中国传统的，民族的，就是“封建”、“落后”、“保守”的。

当杜尚用一个男性的小便池去参加展览并命名其为《泉》的时候，我们发现，艺术形式的审美化正在消灭着艺术与生活的距离，但是艺术的意象的美却距离我们的生活越来越远了。在这个时代，艺术家总是能以新奇的或者我们说是“创新的”概念迅速的成名。安迪•沃霍尔说“每个人都能在15分钟内成名。”于是，绘画不再是高高在上、具有威严性的宗教题材，而是一些生活中的现成品或是看起来庸俗不堪的物品都可以拿来当做题材。安迪用了当红的明星玛丽莲梦露当做他众多系列创作的主题，他用一些时髦、鲜艳的颜色来描绘玛丽莲，而这些艺术也被当做了工业文明社会市侩、轻浮、空虚的心理表现。 所以，我们可以看到现代艺术的题材与形式越来越趋向与日常的生活，很多艺术家不再去花大把的时间去在作品内容的创作当中，而是直接拿来生活中的一个实物或是一个空间，直接进行创作。从这种角度上来看，毫无疑问，近现代的非博物馆艺术是贴近了人们的生活，艺术不再是有阶级有身份的人们消遣时候的玩物，而是每一个大众都能参与其中的活动。而我们这个时代就成了一个约瑟夫•博伊斯口中的：“人人都是艺术家”的时代了。 但是这样做的弊端毫无疑问的是降低了艺术的门槛，一个艺术家的思想与理念完全可以在他的作品里表达。在信息时代里，人们获取信息十分容易，鼠标一点，就可以得到自己想要的信息，而这些轻而易举得到的信息毫无疑问是缺乏一种体验的。所以，现代的艺术家是根本不能表现出古典主义绘画的那些神圣的、纯洁的美。这时，一些想要创造出石破天惊艺术的大众艺术家们就开始了他们的“创新”。而这个时候，他们所表现得，并不是古典主义追求精准造型的自然美，也不是最求纯粹状态的艺术美，他们所追求的正式不断发现自身准确定义的第三领域美。 那么什么是“第三领域的美”？美学家丹托在《美的滥用》中将这种美解释为“通过行为——这些行为的目的是指向美好——而拥有了某些东西。”那么是什么东西呢？他用黑格尔的话说：对于艺术“我们要求…一种生活的质量，而普世价值不存在于形式法则中，也不存在于格言中，而是伴随感觉和感受而给予的一个存在状态“。所以”对于黑格尔而言，艺术只是一个精神的渡筏，我们由此进入了他称为的绝对精神的最高阶段”。“绝对精神的三个阶段，每一个都在第三领域有实践性——那就是实际在过着的人得生活。而每一个实践都和是、人的生活该是什么样子的相联系。”“第三美学领域的东西与人类生活和幸福息息相关。” 所以在这个阶段的艺术，实际上艺术家要表现的已经不是美了，而是一种精神上的体验。我们发现当代艺术的内容表现的越来越个人化、抽象化，没有了艺术家自身的解释我们可能完全会误读这个作品为另外一个含义。而这个时候，艺术家也开始充当着哲学家的角色，他们指引着观众去思考他们作品的内涵。有的艺术家就是在用自己的艺术去反映自己的生活，从而引发观众对这类人群生活的思考。 这些当代艺术家想要表达的正是他们个人化的艺术理念，而我觉得大多数时候这种理念里更多的是一种反抗。他们在利用着观者的各种感官来反映他们对传统艺术的反抗，对一种生活状态的反抗。从这一方面看，观者的感官确实被艺术家全面的解放了。但是，他们用来反抗的手段正是一种刺激感官的方法，而比美更能刺激人感官的毫无疑问的就是一种痛感了。于是他们的艺术手段往往充满了性、暴力等以往艺术未曾涉及的领域。 诚然，他们做到了创新与反抗。但是，他们的艺术给人们带来了什么？除了在一瞬间夹杂着快感的痛感之外，随着时间的流逝，人们还能感到什么？美已经被抛弃了，那种由美带给我们的愉悦感、幸福感都已经被一种刺激的、麻木的、颓废的痛感所取代了。当我们在欣赏一件当代艺术的时候，我们已经感受不到了内心的宁静，当代艺术本身就是用来让人们刺激的。在当今这个人人都渴望成名的社会里，艺术也就像林清玄所说的变成了“爆炒苍蝇头”，观者也在“刺激中麻木”，然后艺术家再寻求“更刺激”。 我并非想要否定全部的当代艺术，只是我们需要思考，在当代艺术离开了物体本身的形状分析，我们将以何种标准去审美？是以艺术家所赋予作品所谓的含义的美么？当艺术表现的目的不再是美的时候，我们又将如何欣赏它们呢？在当代艺术的意象走到了“刺激”的尽头时，又将何去何从呢？